I cinemaniaci - recensioni di film, tavola rotonda sul cinema

Sulla strada di casa

2012-02-09T22:59:00.004+01:00

SULLA STRADA DI CASA
di Emiliano Corapi

In tempi di crisi economica il cinema italiano sembra aver trovato nella figura dell'imprenditore un terminale in grado di soddisfare più esigenze: anello di congiunzione tra i diversi poli del ciclo produttivo, ed ago della bilancia di un rilancio economico che deve stimolare necessariamente investimenti e spirito d'iniziativa, il detentore del capitale soddisfa non solo le esigenze di un cinema agganciato alla realtà ma anche la necessità di un carattere funzionale allo spirito del tempo.

Così dopo "Il gioiellino" di Andrea Molaioli e "L'industriale" di Montaldo è la volta di Alberto, imprenditore a tempo pieno e saltuariamente corriere per un organizzazione criminale che gli consente di far fronte con sostanziose ricompense alle difficoltà di bilancio attraversate dalla sua azienda. Una routine rischiosa ma remunerativa fino a quando le conseguenze di una misteriosa irruzione, e la minaccia di uccisione dei suoi familiari da parte di una banda di malviventi lo costringono ad impegnarsi a consegnare la merce ai misteriosi assalitori.

La repentina sostituzione unita alla necessità di venire in possesso dell'oggetto di scambio, lo porteranno a dare la caccia a Sergio (un redivivo Daniele Liotti), nel frattempo subentrato nello svolgimento dell'incarico.
Il viaggio verso casa diventerà allora un confronto allo specchio con chi come lui è stato costretto ad oltrepassare il punto di rottura.

Sviluppato come un thriller di cui ricalca non solo la costruzione a scatole cinesi, riferite al modus operandi con cui Alberto crea le occasioni per conseguire il risultato, ma anche per il crescendo di tensione che accompagna le diverse fasi del racconto, "Sulla strada di casa" è anche la rappresentazione di una condizione esistenziale dominata dalla paura che scaturisce dall'ignoto - Alberto e Sergio sono gli esecutori di un piano destinato a rimanere sconosciuto, mentre il film enfatizza la precarietà delle cose evitando di fare luce sull'identità delle persone che in qualche modo usufruiscono dei loro servigi - oppure come conseguenza di un'incomunicabilità che non fa sconti soprattutto all'interno dell'ambiente famigliare, dominato da rapporti di incomprensione e falsità.

La progressione emotiva, favorita anche dalla struttura road movie, finirà per confluire in una sorta di passaggio di consegne tra i due contendenti improntato secondo i criteri di un realismo crudo, ma proporzionato al prezzo da pagare alla necessità di redenzione.

Armonizzando le ristrettezze del budget con la presenza di un cast di primo piano, Corapi elimina qualsiasi orpello (largo uso di telecamera a mano e digitale, suono in presa diretta, fotografia documentaristica) per concentrarsi sugli attori e sulla loro recitazione.

Una ricognizione ravvicinata che riesce a risparmiare, e nel contempo gioca un ruolo decisivo nel rendere l'assedio fisico e morale in cui si muove l'umanità rappresentata. In questo senso a risultare strepitosa è la performance di Vinicio Marchioni nella parte di Alberto.
E' lui, nella misura del disagio e dello smarrimento che trasmette al personaggio, a rafforzare la credibilità della storia. Corapi, al suo primo lungometraggio è bravo a gestire i meccanismi del genere, a sintonizzare l'attenzione del pubblico sulle ansie del suo protagonista, a disegnare gli ambienti sullo stato d'animo dei personaggi: la solitudine della moglie di Alberto (Donatella Finocchiaro) ripresa nei fiori che fanno da ornamento ad un prato altrimenti spoglio, oppure la reclusione disadorna ma sicura nella quale il boss calabrese riesce ad organizzare i suoi traffici sono il segnale di un talento genuino.

E se non fosse per un finale che tira le fila in maniera sin troppo repentina quello del regista romano sarebbe un esordio sorprendente.

Le premesse restano comunque interessanti e fanno di Emiliano Corapi un regista da tenere d'occhio.

(pubblicato su ondacinema,it)

Film in sala dal 10 febbraio 2012

2012-02-09T08:02:00.000+01:00

40 carati
(Man on a Ledge)
GENERE: Thriller
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Asger Leth

Albert Nobbs
(Albert Nobbs)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Gran Bretagna, Irlanda
REGIA: Rodrigo Garcia

Com'è bello far l'amore
(Com'è bello far l'amore)
GENERE: Commedia
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Fausto Brizzi

La verità nascosta
(La cara oculta)
GENERE: Thriller
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: Spagna, Colombia
REGIA: Andrés Baiz

Star Wars - Episodio I - La Minaccia Fantasma 3D
(Star Wars - Episode I - The Phantom Menace 3D)
GENERE: Azione, Fantascienza, Avventura
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: George Lucas

Tre uomini e una pecora
(A Few Best Men)
GENERE: Commedia
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: Australia, Gran Bretagna
REGIA: Stephan Elliott

SCOPRI LA DIFFERENZA

2012-02-07T11:34:00.004+01:00

In questi giorni ho deciso di recuperare un film che nei mesi passati non ero riuscito a vedere.

Parlo di RUGGINE (di D. Gaglianone), un film che alla sua uscita mi aveva fortemente incuriosito non solo per il cast di tutto rispetto (Timi-Solarino-Mastrandrea-Accorsi).

Siamo a Torino negli anni '70 e al centro della vicenda troviamo dei ragazzini, figli di immigrati meridionali al nord stipati nei casermoni di periferia.
I Ragazzini e la curiosità verso il sesso, la voglia di libertà, la scoperta dei lati malvagi della vita, la loro adolescenza che verrà segnata dall'uccisione violenta di due coetanee.
I grandi, con le loro paure di "stranieri" catapultati in una metropoli con il loro bagaglio di ignoranza, superstizione, ingenutà e riverenza verso chi è più ricco, colto o semplicemente non sia terrone.

Questo in sintesi il succo di Ruggine, il film di Daniele Gaglianone tratto dal romanzo di Stefano Massaron.

Una film nero e dolente, convincente e ben scritto.

Finita la visione di Ruggine, pur riconoscendo le qualità della pellicola, venivo colto dalla sensazione del già visto e addirittura confondevo il volto della Solarino con quello della fascinosa Folrinda Bolkan, mentre il bravo Filippo Timi prendeva le sembianze di Marc Porel.

Ecco, ci ero arrivato e anche abbastanza semplicemente.

Possibile che l'impegnato Gaglianone si fosse ispirato, anzi addirittura avesse copiato un regista vituperato, ghettizzato perché ritenuto provocatorio, basso, volgare dalla critica del tempo?

Un regista di quelli a cui la critica non poteva assegnare "tre stellette" perché avrebbe significato rivalutarlo e quindi mettersi contro colleghi e intellettuali?

Non mi restava che mettere a confronto le due pellicole e trovare le tante cose in comune.

1) I bambini terroni:
la curiosità verso il sesso;
i giochi in campagna;
che vengono uccisi;

2) I grandi terroni:
l'insicurezza;
l'ignoranza;
il servilismo;
la completa fiducia in quella che nella loro cultura riconoscono come auorità (Il prete/il medico).

3) L'assassino:
che torna sul luogo del delitto a dare conforto;
le motivazioni che lo portano ad uccidere (i bambini che si avvicinano al sesso).

4) Lo scemo del paese:
che viene subito accusato di essere l'assassino.

Il quadro ora era completo, Gaglianone aveva copiato un film che ho amato e amo ancora, ma qualcosa ancora mi ronzava nella testa.

Non ero convinto dell'ambientazione, Ruggine è ambientato a Torino, mentre il film a cui pensavo era ambientato in un minuscolo paesino meridionale.
Ma no, pensavo, folgorato da un altro vago ricordo, non è possibile che Gaglianone (o l'autore del romanzo - che non ho letto) si sia spinto a tanto, non ci credo.

Inutile dire che non ho resistito e in piena notte mi sono messo alla ricerca di appunti, ritagli di giornale, interviste, sino a quando dinanzi ai miei occhi non compare l'inconfutabile verità.

"Il plot di Non si sevizia un paperino non corrispondeva all'idea iniziale di Fulci, che prevedeva di ambientare la storia a Torino, tra gli operai emigrati dal sud Italia per fare "fortuna" alla Fiat.
Lo sfondo dei delitti avrebbe dovuto essere uno degli affollati quartieri dormitorio del capolugo piemontese, un cupo coacervo di superstizioni e resistenze culturali di fronte alle difficoltà d'integrazione delle famiglie meridionali nella città d'adozione.
(Il terrorista dei generi-Tutto il cinema di Lucio Fulci di P. Albiero e G. Cacciatore. Ed. Un mondo a parte, 2004)".

Mi fermo qui.

Iron Lady

2012-02-06T09:10:00.003+01:00

Iron Lady
regia di Phyllida Lloyd

In "Iron Lady" Phyllida Lloyd (sulla sceneggiatura di Abi Morgan) tenta il non facile compito di portare sul grande schermo la vita e le imprese politiche di Margaret Thatcher, ex primo ministro inglese e personaggio rilevante per la politica europea ed internazionale, soprattutto anno '80.

La regista, priva di idee e dal tocco poco incisivo, sceglie di dare maggiore risalto alla parte privata della vita della protagonista, impostando la narrazione su flash back e documenti di repertorio, sui ricordi della anziana donna e soprattutto sui suoi deliri da demenza senile in avanzamento.
Il tutto però è costruito confusamente.

Il risultato è un film che delude per la propria debolezza e superficialità.
Non ci si adddentra nell'animo della signora di ferro nè si affrontano con spirito critico le sue scelte politiche.
La Thatcher esce da questo biopic quasi santificata.

Suprema prova attoriale di Meryl Streep che con questa fatica potrebbe asggiudicarsi la sua terza statuetta d'oro.
Ottimo trucco-parrucco di scena, ottimo inglese british della Streep, pessima colonna sonora, assolutamente invadente, ossessiva, tanto da rendere il film una specie di fiction televisiva. Pessima regia e mntaggio.
Quest'opera ha tutta l'aria di una grossa occasione mancata in cui, a parte la magnifica presenza degli attori, la regista non pare aver avuto molto da dire.

L'arte di vincere - Moneyball

2012-02-04T22:38:00.005+01:00

L'arte di vincere - Moneyball

Cinema e sport non sono quasi mai un connubio vincente. A limitarne l'efficacia giocano soprattutto due fattori: la mancanza di empatia verso discipline attraversate da regole complicatissime, per di più alimentate da una tradizione che riguarda solo pochi adepti.
E poi l'accostamento con una visione della vita che rispecchia un punto di vista prevalentemente maschile.
Ed anche "Moneyball" occupandosi di un manager di una squadra di baseball alle prese con la scommessa di rendere competitiva una compagine allestita con pochi mezzi e molta inventiva, non si distacca dal quadro appena descritto.
Eppure dopo qualche minuto ti accorgi che pur continuando a parlare di tattiche e di mercato nella speranza di compiere il miracolo, il personaggio di Billy Beane nella sua (titanica) impresa di competere con i moloch di uno sport che anche in America ha subordinato il gesto atletico al potere dei soldi, appartiene di diritto alle grandi figure romantiche che prima il cinema e poi la letteratura hanno saputo rendere immortali.

Icaro contemporaneo per la voglia di infinito racchiusa nel sogno di invertire le sorti di una sconfitta annunciata, Billie è il capitano di una nave alla caccia della balena bianca, con il mitico cetaceo sostituito dall'altrettanto leggendario titolo delle world series che nel mondo del baseball rappresenta il successo più alto a cui si possa aspirare.
Ed è proprio nel tentativo riuscito di ricostruire la vicenda emotiva e psicologica che scandisce le varie fasi di questa rincorsa, come al solito costellata dallo scetticismo e dalla mancanza di fiducia che da sempre circonda il visionario, che il regista compie il suo capolavoro consegnandoci una vicenda che riesce a fare a meno dell'esibizione muscolare ed estetica.

Rinunciando al campo da gioco ed alle discussione tecniche, Miller ci parla di uomini e della paura di non essere all'altezza delle proprie aspettative e di quelle degli altri.
Una sfida con se stessi e con il proprio inconscio che il film rende in maniera pragmatica, mostrandoci il protagonista spesso in solitudine, a rimembrare i fantasmi di una promessa mancata (Billie ha smentito il pronostico di chi ne aveva prefigurato una carriera da star) o ad immaginare i risultati di partite che si ostina a non guardare per mantenere le distanze di chi ha paura di innamorarsi di nuovo dell'oggetto del proprio desiderio.
E poi circondandolo di figure sospese in una linea d'ombra che impedisce loro di reagire alle difficoltà di una carriera ormai logora, o mai decollata. Oppure di compagni d'avventura poco glamour come Peter Brand, il genio della statistica che aiuterà Billie a convertire i numeri in giocatori da comprare.
Dal fisico corpulento e completamente assorbito dal suo mestiere Peter è nella sua dimensione monotematica (ogni sua apparizione è legata ai motivi del suo mestiere) emblema di un mondo chiuso in se stesso, alla ricerca continua della prestazione. L'epilogo seppur rimandato nella conclusione alle cronaca dei nostri giorni dove il manager Billie Beane non ha smesso di inseguire la sua chimera, suggella nella scelta del protagonista, le ragioni di un film che ragiona sul senso della vita.

Immerso in chiari scuri caldi e leggermente autunnali "Moneyball" è un esempio di come il cinema classico sia ancora il modo per raccontare gli uomini e le loro storie. Brad Pitt è perfetto nel tratteggiare i mezzi toni di uno spirito inquieto ma deciso. Come lui tutti gli altri, in un ensemble di rara efficacia attoriale.

Film in sala dal 3 febbraio 2012

2012-02-02T07:59:00.001+01:00

Hesher è stato qui
(Hesher)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Spencer Susser

Hugo Cabret
(Hugo)
GENERE: Avventura, Fantastico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Martin Scorsese

I Muppet
(The Muppets)
GENERE: Commedia
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: James Bobin

Millennium - Uomini che odiano le donne
(The Girl with the Dragon Tattoo)
GENERE: Drammatico, Thriller
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: David Fincher

Polisse
(Polisse)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Francia
REGIA: Maiwenn Le Besco

Sulla strada di casa
(Sulla strada di casa)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Emiliano Corapi

ACAB

2012-02-01T11:17:00.002+01:00

L'inizio è una lunga sequenza dove con un montaggio incrociato ci vengono presentati i protagonisti della storia. Cobra, Mazinga, Negro sono i nomi di battaglia dei tre poliziotti del reparto celere riassunti in quelle scene rubate ad un frammento delle loro rispettive esistenze. Il primo insegue e malmena il pirata della strada che stava fuggendo dopo averlo investito; il secondo blocca uno spacciatore mentre è a fare la spesa con la figlioletta; il terzo si ritrova in questura per riportare a casa il figlio che è stato fermato dalle forze dell'ordine. Le loro sono ancora vite senza nome, facce che pretendono rispetto senza alcun biglietto da visita; la notte a dipingergli nel volto un abisso che di lì a poco impareremo a conoscere fino in fondo. Per il momento la cosa più importante è assistere a quello che vediamo: un privato che non riesce a svestire l'uniforme.

Teso, violento, sincopato, abituato a farsi strada tra le maglie di una metropoli trasformata in un campo di battaglia, il prototipo umano al centro della storia è abituato ragionare sulle opportunità che gli assicurano la sopravvivenza, in un confronto esistenziale raramente alla pari, consumato tra le gradinate di uno stadio popolato da belve inferocite, oppure in una terra di nessuno, dove lo stato si fa vivo solamente quando c'è un conto da saldare. Il film di Stefano Sollima si sviluppa proprio da questo punto di partenza, assunto come dogma inconfutabile, in cui l'impossibilità di ritornare ad essere normali dopo l'esercizio delle proprie funzioni viene fissata nel sistematico alternarsi di scene e situazioni caratterizzate da scelte comportamentali che non distinguono tra lavoro e tempo libero. Da quel momento l'evolversi dell'intera vicenda, nella mancanza di confine tra un ordinanza di sgombero da eseguire riducendo al massimo il rischio di effetti collaterali, e la vendetta contro un gruppo di immigrati eseguito per conto terzi, finirà per rendere impossibile ogni tentativo di distinzione.

Quello che conta, al di là della strumentalizzazione in chiave politica e sociale (non a caso il senso di frustrazione nei confronti di un sistema che non tutela i cittadini è accennato, e per di più delegato a chi ormai non fa più parte del sodalizio) è un senso di appartenenza continuamente ribadito. In questa direzione è chiaro il messaggio che il Cobra impartisce al neo assegnato con fare perentorio: il collega è un fratello, il gruppo una famiglia da salvaguardare in ogni occasione, anche a costo, come capiterà negli scampoli conclusivi della vicenda, di tradire quegli interessi, dei cittadini e della nazione, poco prima legittimati dal rischio dell'incolumità personale al quale gli stessi agenti si sottopongono ogni volta che lasciano la caserma. In un quadro simile, e con la storia che gradatamente si concentra sulla pista seguita dal Cobra per catturare il colpevole del ferimento del suo comandante (Mazinga), il film ci mostra le conseguenze di un'etica che riduce le possibilità di condividere affettività d'altro tipo, con famiglie mai formate, quella del Cobra è un sorso di birra consumato in solitudine, oppure complicate dall'assenza di chi dovrebbe governarle con la propria presenza

Al suo esordio sul grande schermo Sollima doveva affrontare molte sfide: innanzitutto quella di confermare nel passaggio dal piccolo al grande schermo quanto di buono era stato detto di lui a proposito della trasposizione televisiva di "Romanzo criminale" (2005). Poi, forse la cosa più importante, quella di evitare la retorica e l'ideologia che spesso accompagna la rappresentazione del potere nelle sue diverse manifestazioni. Ed infine la possibilità di realizzare un prodotto in grado di far pensare evitando di mortificare le necessità dell'intrattenimento.

A conti fatti il tabellino fa segnare il pieno dalla parte del segno più perché il film, pur ricalcando nel paradigma del poliziotto consumato dal male del suo lavoro modelli e personaggi di tanto cinema americano, così come, nella rappresentazione di una comunità tribù, riconosciuta nella condivisione degli spazi - lo schieramento dell'assetto antisommossa, l'abitacolo del furgone che ogni volta li riporta sul luogo del delitto, gli spogliatoi del posto di lavoro - e dei rituali - la partita di rugby, la birra con gli amici, l'iniziazione dei nuovi arrivati - gli esempi forniti da alcuni campioni del genere come "Tropa de elite" (2007) e "Ha Shoter", premio speciale della giuria all'ultimo festival di Locarno, "ACAB" riesce a crearsi un segno distintivo. Non solo nel referto di un malessere che nel ritratto di un istituzione costretta a creare dal di dentro le motivazioni per tirare avanti, riesce a parlare di una crisi spirituale e sociale che a raggiunto livelli allarmanti, ma anche nella capacità di raccontare utilizzando una dialettica che, anteponendo la fluidità della cinepresa alla densità delle interpretazioni, riesce a restituire l'agonismo tormentato dei suoi protagonisti.

A suo agio tanto nelle inquadrature d'insieme, quando la telecamera allarga il suo sguardo al mondo circostante che in quelle ravvicinate, dove l'indagine si sofferma su un battito di ciglia, Sollima si avvale di una fotografia dai colori lividi, desaturati quanto basta per raffreddare una materia di per sé incandescente, e di un dp che, nell'alternare lo stile modaiolo della musica da classifica a quella acida e distorta realizzata dai Mokadelic sottolinea di volta in volta la successione emotiva. Un plauso speciale lo merita però la direzione attoriale e le performance che da Favino a Giallini, passando per Domenico Diele e Filippo Nigro sono il punto di forza di un'opera che non ha paura di essere quello che è: un prodotto di genere, senza infingimenti e con molto mestiere.

(pubblicata su ondacinema.it)

Mission: Impossible - Protocollo Fantasma

2012-01-29T11:49:00.003+01:00

Mission: Impossible - Protocollo Fantasma

L'impresa rasentava veramente l'impossibile, perchè la saga dell'agente Hunt appariva arenata sul volto sbiadito del suo protagonista da tempo alle prese con un ridimensionamento che in molti avevano immaginato come il segno di un possibile declino. In più il moltiplicarsi dei cloni di quel personaggio, (dal Bourne di Matt Damon alla Salt di Angelina Jolie) sembravano aver spostato in altre direzioni l'interesse degli spettatori.

Ed invece ancora una volta hanno avuto ragione loro, i produttori americani, e Tom Cruise, che il film non lo solo lo interpreta ma anche lo produce, seppur con il grosso aiuto della major.
La strategia è chiara. Il cambiamento operato punta su due diverse direzioni: da una parte coadiuvare il protagonista con una serie di altri personaggi capaci di reggerne il confronto, sia sul piano della performance che su quelle del carisma. dall'altra innestare un humor leggero ma sofisticato, adatto a smorzare i toni di una saga che rischiava di prendersi troppo sul serio, e contingente alle necessità di allontanarsi da un presente già carico di problemi.
Il restyling realizzato con l'introduzione di un team di agenti variegato, per determinatezza (Paula Patton e Jeremy Renner) ed umorismo (Simon Pegg), ma più di tutti, sullo sguardo di un regista,Brad Bird, proveniente dai cartoons ("Gli incredibili" e "Ratatouille") e qui all'esordio nel cinema dal vivo. A lui era affidato il compito di amalgamare i nuovi ingredienti con un canovaccio rimasto inalterato ( i cattivi sono sempre spietati e giramondo inducendo l'invicibile armata ad un lavoro da globe trotter).

Il risultato è un film di una forma smagliante che sa mischiare il comico e l'avventura all'interno dello stesso contesto come nella scena in cui i personaggi di Cruise e Pegg tentano di forzare uno sbarramento con un ologramma che li rende invisibili all'occhio umano trasformandoli in una coppia che potrebbe assomigliare a quella di Gianni e Pinotto. Questo senza dimenticare la sua natura adrenalinica con sequenze che tolgono di mezzo leggi di gravità e sopportazione fisica (ad un certo punto l'agente Hunt corre sulle pareti di un grattacielo come un duecento metri olimpico) oppure di sorprendente dinamicità - tutto il prologo interpretato dal Sawyer di "Lost" (Josh Holloway, una scoperta nei panni di un enigmatico 007) congegnato all'insegna di un tempismo calcolato al millimetro ed insieme capace di delineare in pochi minuti una microstoria che da sola, lei ed il personaggio che vi sta dentro, potrebbero essere materia per un altro film. Una scommessa non scontata quella di mescolare riso e pathos anche alla luce del precedente "Innocenti bugie" in cui Cruise aveva già tentato senza successo di riciclare il personaggio dell'agente segreto in un contesto vicino alla commedia.

Tutti vincitori quindi, per un divertimento messo al riparo dall'esubero di effetti speciali, che pur presenti sanno mimetizzarsi come si conviene ai film di quelli che li sanno fare. I risultati al botteghino autorizzano a pensare che la saga è ancora lungi dall'essere conclusa.

BENVENUTI AL NORD

2012-01-28T08:26:00.004+01:00

BENVENUTI AL NORD

Il brianzolo Alberto Colombo (Claudio Bisio), dopo aver ottenuto il trasferimento a Milano "aiuta" l'amico meridionale Mattia (Luca Siani) a raggiungerlo.

Il matrimonio tra Mattia e Maria (Valentina Lodovini) sta naufragando a causa di un mutuo sempre procrastinato e per la presunta poca voglia di lavorare di lui ma, giunto a Milano, Mattia si lascia contagiare dall'operosità milanese finendo per fare carriera all'ombra della Madunina.

Alberto, intanto, promosso direttore e sempre occupato, trascura la moglie (Angela Finocchiaro) che finirà per lasciarlo.

Obbligatorio sequel di Benvenuti al sud (che a sua volta era un copia-incolla del francese Bienvenue chez les ch’tis, uscito in Italia con il titolo di Giù al nord), il film di Miniero ha una sola qualità: quella riguardante la buona direzione degli attori, che in una commedia italiana non è sempre cosa scontata, cosa comunque non difficilissima avendo a disposizione un cast di vecchie volpi che in gioventù si sono fatte le ossa sugli improvvisati palcoscenici delle cantine cabaret (Bisio-Finocchiaro-Rossi) oppure piazze e teatri di seconda fascia (Rizzo-Paone).

Per il resto il nulla più assoluto: una sceneggiatura messa in piedi velocemente per "cogliere l'attimo" e riportare gli spettatori in sala prima che si dimenticassero del film precedente; battute telefonate e moscie; una sequenza ripresa pari pari da Cado dalle Nubi (2010) con Checco Zalone, un paio di richiami a Totò e Peppino De Filippo e un finale che dura venti minuti anche se i nodi vengono al pettine con estrema facilità così come erano sopraggiunti.

Benvenuti al nord è una corazzata che spara a salve, è una minestra riscaldata senza originalità e cattiveria; un paio di gag riuscite e la Lodovini dalla scollatura sempre generosa (a casa, per strada, alle poste, alla stazione, alla convention, d'estate al sud e alla festa degli alpini al gelo del nord) non bastano a far dimenticare il nulla che è passato sullo schermo.

Naturalmente grande successo di pubblico e seria candidatura ad essere il film con il miglior incasso della stagione.

Film in sala dal 27 gennaio 2011

2012-01-26T08:32:00.000+01:00

A.C.A.B.
(A.C.A.B.)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Stefano Sollima

Il sentiero
(Na putu)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Austria, Germania, Croazia, Bosnia-Erzegovina
REGIA: Jasmila Zbanic

L'arte di vincere
(Moneyball)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Bennett Miller

Mission Impossible - Protocollo fantasma
(Mission: Impossible - Ghost Protocol)
GENERE: Azione, Thriller, Avventura
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Brad Bird

The Iron Lady
(The Iron Lady)
GENERE: Biografico, Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Gran Bretagna
REGIA: Phyllida Lloyd

E ora dove andiamo?

2012-01-25T21:54:00.006+01:00

Schema che vince non si cambia. Sarà una coincidenza, oppure la necessità di adeguarsi alle possibilità economiche di chi lavora fuori dai grandi circuiti, fatto sta che Nadine Labaki al suo secondo film replica se stessa nella descrizione di un microcosmo che aspira a diventare immagine del mondo, almeno di quello libanese e mediorientale.
Al posto del salone di bellezza questa volta c'è un anonimo villaggio dove cristiani e musulmani sperimentano la difficoltà di convivenza che da sempre va in scena in quei paesi dove la religione diventa unico metro di giudizio.

Una bomba ad orologeria a cui si oppongono le donne della comunità decise a scongiurare con ogni mezzo il pericoloso escalation, anche a costo di affittare una banda di giovani prostitute chiamate a convogliare in altro modo l'ardire bellicoso dei loro uomini.
Partendo da una situazione reale, il Libano è un paese costruito anche politicamente sugli equilibri tra le diverse confessioni religiose, Labaki prende fin da subito le distanze dal film verità - in apertura la processione funeraria trasformata in un balletto ed a seguire i dialoghi che ad un certo diventano duetti musicali - ridisegnando la cronaca con i registri di una commedia multiforme e variopinta, capace di parlare della tragedia di un popolo con i modi surreali, drammatici ed anche farseschi delle situazioni proposte, e dei personaggi che ne fanno parte.

Un concentrato di tradizione popolare - pur prendendola in giro, i riti sociali e le credenze di quella cultura rimangono comunque importanti -, e voglia di cambiamento - ristrutturare, riparare, recuperare sono le immagini di una manualità costretta a confrontarsi con una quotidianità che cade a pezzi - che la regista anche questa volta propone dal punto di vista delle donne.
Anteposta ai limiti della controparte maschile, l'altra metà del cielo è un cuore pulsante di passione e di buon senso, il vero ed unico motore di una collettività altrimenti votata all'autodistruzione.

Accompagnato da un successo che è arrivato anche in America, "E ora dove andiamo" ha nelle caratteristiche omnicomprensive il suo pregio ed insieme il suo difetto.
Nella necessità di condensare la complessità della materia ( in realtà la geopolitica libanese è molto piu frazionata di quello che viene mostrato, anche all'interno della stessa confessione religiosa) Labaki finisce per semplificare troppo, riducendo gli aspetti della vita quotidiana ad una serie di stereotipi che fanno anche sorridere ma restituiscono solo in parte la natura di quell'ambiente.
E' vero che le donne sono il salvagente morale nelle situazioni più difficili ma dopo un pò, vedere il resto dell'umanità ridotta ad un ectoplasma finisce per fare uno sgarbo anche a loro, per il riflesso negativo di un accostamento improponibile e, dal punto di vista squisitamente cinematografico, un pò troppo ripetitivo.

La talpa

2012-01-24T13:47:00.004+01:00

LA TALPA

Un regista scandinavo al servizio di sua maestà. Un connubio singolare se non altro per la scarsa frequenza con cui i registi del nord Europa hanno frequentato i modi e la cultura del popolo anglossassone.
Un esplorazione rischiosa per la difficoltà degli indigeni ad aprirsi allo straniero, ad entrare in empatia con ciò che non gli appartiene.
Eppure Tomas Alfredson, di professione regista del cult movie "Lasciami entrare", in realtà già attivo con opere di scarsa visibilità almeno al di fuori della propria madrepatria, riesce a compiere il miracolo.

Alle prese con la trasposizione filmica di un classico della letteratura britannica, "La Talpa" di John le Carrè, il regista svedese sembra essersi interessato soprattuto a cogliere l'essenza di quel carattere e, secondariamente a farlo vivere in relazione al periodo storico, l'Europa a cavallo dei anni 60/70, in cui si svolge la vicenda. Lo scenario è quello di un mondo diviso in due blocchi: da una parte la Russia, dall'altra gli Stati Uniti. In mezzo un ideologia, il comunismo, intesa a secondo dei casi come il meglio ed il peggio del pensiero umano.
Un sistema di vita da affermare o da combattere a secondo dei casi. In questo realtà si muovono i protagonisti del film, un gruppo di agenti dei servizi segreti britannici impegnati a scovare la talpa che rischia di mettere in crisi l'organizzazione passando informazioni al moloch sovietico. In un clima di sospetti reciproci l'agente Smiley viene incaricato di occuparsi della faccenda con un indagine che dovrà portare alla luce il colpevole.

Trattando la materia con il rispetto che si deve ad un illustre genitore, Tomasson trasporta nella terra d'albione tempi e modi che sono consoni al cinema da cui proviene.
Facendo a meno del glamour ed anche della cinetica di cui ci sembra non poter fare a meno quando si parla di spionaggio ed agenti segreti, il regista costruisce un film burocratico che si sofferma negli anfratti più anodini del potere: a partire dall'anonimato del suo protagonista, interpretato da un Gary Oldman clamorosamente lontano dalla nervosa fisicità degli anni giovanili, e continuando con tutto ciò che lo circonda, i suoi colleghi dimenticabili come gli ambienti in cui il film si sofferma ( la storia è girata quasi interamente in interni spogli ed angusti) , "La talpa" non dà mai un segno di vitalità.
Neanche quando, dopo una serie di interrogatori che Smiley porta avanti con la metodicità di un esattore delle tasse, e che permettono alla vicenda di frequentare il passato attraverso i ricordi degli interrogati, il film arriva finalmente al nocciolo della questione con il mascheramento del colpevole.
Una mancanza di climax che getta una luce sinistra su tutto quello che abbiamo appena visto.
Le virtù di un film compassato, fieramente deciso ad apporsi alle frenesie del cinema moderno, appaiono improvvisamente come una mancanza di carattere.
Lo profondità dello scrutare sorprendentemente monocorde. Certamente resta la performance del protagonista ed anche la capacità filologica di chi l'ha realizzato, ma il resto appare troppo sacrificato, a cominciare dal cast, in alcuni casi (Colin Firth) ridotto ad una visibilità che se non ne ha il minutaggio assomiglia però nell'economia generale ad un ruolo cameo. La promozione finale si accompagna alla sensazione di un film a cui manca qualcosa.

(pubblicata su roma giorno e notte.it)

Shame: un film da vedere

2012-01-22T13:42:00.005+01:00

Cronaca di uno scandalo annunciato.
Era quello di "Shame" un debutto molto atteso non solo per una distribuzione italiana che fin qui aveva ignorato il regista britannico, autore di un opera prima, "Hunger", incentrata sulla morte dell'attivista nordirlandese Bobby Sands, che aveva fatto gridare al capolavoro, ma anche per l'esposizione di varie e continuate nudità, che almeno nel caso di Michael Fassbender, uno degli attori più hot del momento, comprendevano anche un full frontal di cui molto si vociferava.

E se, come era prevedibile, "Shame" non sposta in avanti neanche di un millimetro l'immaginario erotico del nuovo millennio - le performance dell'insaziabile sciupafemmine rischiano di far sorridere per ovvietà, anche visiva, i normali frequentatori delle sale - così non si può dire sul piano dei contenuti, che sulla scia del reportage esistenziale di una vita obbligata a fare i conti con una compulsività sessuale al di fuori del normale - uomo di successo, Brandon riesce a trovare un parziale appagamento solamente nel soddisfacimento delle proprie pulsioni sessuali soddisfate lontano da qualsiasi legame affettivo - ripropongono in chiave moderna l'incomunicabilità e la solitudine dell'uomo moderno.

Un'urgenza che il film traduce prendendo le distanze da qualsiasi considerazione morale o sociologica ma limitandosi a registrare la progressione, alienante e distruttiva, con cui Brandon arriverà al punto di rottura, quello in cui dopo una notte da incubo, sarà costretto a fare i conti con se stesso e con le cause di quel comportamento.

Se "Shame" è un film di un uomo che non riesce a guardasi dentro, che rinuncia alla propria interiorità per una vita vissuta sulla superficie delle cose, che nasconde la propria vergogna sotto l'eleganza degli abiti firmati allora l'accuratezza visiva e la sobria eleganza con cui McQueen filma le imprese del suo protagonista sono sul piano filmico la risposta più coerente che il regista possa dare alle premesse della sua opera.

Gli occhi diventano quindi un barometro emotivo a cui affidare l'unica possibilità di comprensione. Ad aiutarli i riferimenti cromatici, lividi e poco luminosi, ad indicare l'ineluttabile senso di morte che pervade tutto il film e lo sguardo affascinante ed ambiguo del suo protagonista.
E' da li che il film inizia e finisce. Da quell'espressione ogni volta uguale eppure nuova per le variegate conseguenze indotte sull'oggetto della loro seduzione.

E' inutile mettersi in ascolto, "Shame" è un film da vedere.

(pubblicata su "Roma giorno e notte.it")

I tre giorni del condor

2012-01-21T15:37:00.004+01:00

I TRE GIORNI DEL CONDOR

Quando iniziano a girare “I tre giorni del condor” (1975) Robert Redford e Sidney Pollack si trovano probabilmente nel momento migliore delle loro rispettive carriere perché agli onori di un successo ottenuto con comunità d’intenti, da "Corvo rosso non avrai il mio scalpo" del 1972 a "Il grande Gatsby" del 1974, uniscono la visione di un cinema capace di mettere in discussione gli uomini e le loro storie, utilizzando gli strumenti dell’intrattenimento e dell’impegno.

Una formula collaudata quindi, adatta allo script ricavato dall’omonimo libro di James Grady, incentrato sulle vicenda di Joseph Turner (Robert Redford), nome in codice Condor, impiegato della CIA con l’incarico di decriptare eventuali informazioni contenute nelle pagine dei libri e dei giornali, casualmente sopravvissuto alla morte dei suoi colleghi sterminati di un fantomatico commando.

Dalle conseguenze di un incipit crudele e spiazzante, Pollack mette in scena le paure di un America che non riesce più a credere in se stessa, lacerata da guerre senza causa, quella del Vietnam si è appena conclusa, e tradita da chi la dovrebbe guidare, Nixon è appena stato costretto alle dimissioni per lo scandalo watergate. Uno smarrimento riprodotto in maniera paradigmatica dal protagonista, prototipo dell'uomo qualunque travolto da un bigger than life che lo porterà a smascherare il grande fratello nascosto all’interno della Cia.

Pollack parafrasa quel momento costruendo un congegno prelevato dalle istanze di genere spionistico riprese in una detection, di Turner per scoprire chi lo vuole morto ma anche dell’Agenzia disposta a farlo rientrare nei ranghi, che si sviluppa con l'andamento di una partita a scacchi giocata sul filo della ragione e dell’intuito; scandita da tempi dilatati quanto basta per aspettare l'inevitabile errore dell'avversario. Ma anche nel gioco di specchi che impedisce fino all'ultimo la comprensione dei caratteri, quello di Jobert ( uno splendido Max von Sydow) killer enigmatico e malinconico al soldo del miglior offerente, e del vicedirettore Higgins (Cliff Robertson), sospeso tra ragion di stato e la genuina ammirazione per le doti del fuggiasco, e per finire nell’accurata ricostruzione del metodo investigativo, non solo tecnologico, ma anche improvvisato secondo gli esempi forniti dai libri che Turner deve leggere.

Pollack è bravo a far convivere le parti arricchendole di pathos – l'amore impossibile tra il fuggiasco e la donna che finirà per aiutarlo – e di continua tensione.

In bilico tra l'autorialità de "La conversazione" (1974) ed il realismo di "Tutti gli uomini del presidente" (1976), questo film ancora oggi non ha perso neppure un grammo del suo appeal.
Decisamente un prodotto d’altri tempi.

Sex: la nuova frontiera del cinema americano

2012-01-19T18:05:00.006+01:00

..caotiche e confuse, molto confuse le mie giornate.
...le cose più semplici non riescono.
...anche scrivere un biglietto d'auguri diventa un impresa titanica...

...leggevo un intervento di Goffredo Fofi sul Messaggero di ieri, interessante, scritto bene, senza le circollocuzioni che spesso accompagnano gli scritti di chi tenta di fare analisi cinematografica.
Si parlava di "JEdgard" e "Le idi di Marzo" evidenziando che al di là delle loro qualità artistiche entrambi film spiegavano i personaggi e la loro vicenda umana secondo una prospettiva esclusivamente sessuale; il puritanesimo di quel paese, continuava Fofi, aveva portato due registi come Eastwood e Clooney, a costruire una complessità, della Storia americana e dei due protagonisti, uno vero, Edgard Hoover, l'altro, il governatore Mike Morris, di finzione ma attagliato perfettamente al recente passato della politica statunitense, risolta esclusivamente alla luce delle rispettive preferenze sessuali.

Tralasciando per esempio i risvolti economici e politici che invece furono parte in causa delle azioni poste in essere da Hoover durante la sua tirannia.
Una tesi che almeno dal punto della forma potrebbe essere riferita anche a "Shame", il film di McQueen che tanto clamore ha destato per i continui richiami alla pratica sessuale.

Una considerazione nata spontaneamente nella mente di chi scrive perchè anche questo film, in fondo, rientra a pieno titolo nella morale di un paese in cui l'unione dei corpi è praticabile, e quindi accettata (sullo schermo) solamente se priva di vero godimento, avendo il censore puritano una specie di avversione per i risvolti piacevoli di quelle pratiche.

Una restrizione al contrario generata dalla paura di fare proseliti tra i cittadini spettatori. Un modo di essere che nel nuovo millennio non smette di far sentire i suoi effetti, e che in Europa appare persino ingenuo tanto nelle implicazioni quanto nella sua rappresentazione (anche in "Shame", in cui lo scandalo semmai è la rimozione dei motivi del malessere).

Insomma forse aveva ragione Fofi, la frontiera del cinema d'oltreoceano rischia di arenarsi nelle sabbie di ciò che ci aspetta per natura: il diritto del nostro corpo. Speriamo solo che sia il cinema a sbagliarsi, mostrandoci una realtà che esiste solamente nella mente degli artisti che ne hanno parlato.
Io però non ne sarei così sicuro.

Film in sala dal 20 gennaio

2012-01-19T08:28:00.001+01:00

Benvenuti al Nord
(Benvenuti al Nord)
GENERE: Commedia
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Luca Miniero

E ora dove andiamo?
(Et maintenant on va où?)
GENERE: Commedia, Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Francia, Libano
REGIA: Nadine Labaki

Il sentiero
(Na putu)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Austria, Germania, Croazia, Bosnia-Erzegovina
REGIA: Jasmila Zbanic

L'ora nera
(The Darkest Hour)
GENERE: Fantascienza, Thriller
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Chris Gorak

The Help
(The Help)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Tate Taylor

Underworld: Il risveglio
(Underworld: Awakening)
GENERE: Azione, Fantascienza
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Måns Mårlind, Björn Stein

Shame

2012-01-17T10:33:00.011+01:00

SHAME
regia di Steve McQueen

(il commento della direttora)

Il secondo lungometraggio del 42enne inglese Steve Mcqueen, SHAME, è una delle più interessanti pellicole dell'anno appena iniziato.
McQueen, regista di talento, innovativo e provocatorio, che si è imposto sulla scena artistica britannica con video installazioni di "rottura", con questa seconda prova cinematografica sembra convincere ed accordare gli appassionati di Arte Contemporanea ed i cinefili.

In SHAME, McQueen mette in scena la storia di Brandon (Fassbender), un uomo bianco di trent'anni che vive a New York e che è afflitto da dipendenza sessuale (sex addicted).

(Attenzione: La recensione contiene spoiler)

Brandon vive solo, in un appartamento raffinato e arredato in stile minmale; lavora come dirigente in una prestigiosa azienda e le sue giornate sono scandite da continui incontri con prostitute, adescamenti in bar, visione di video hard su internet, chat erotiche, riviste pornografiche, incontri promiscui e molto autoerotismo, nella spasmodica necessità di ottenere un appagamento interiore che sembra essere irraggiungibile.
La dipendenza sessuale e le sue afflizioni interiori dominano la sua vita procurandogli continuamente sensi di colpa e profonda vergogna per se stesso.

Brandon è un uomo schivo, di bell'aspetto, raffinato, che saltuariamente esce con i colleghi di lavoro, ad es. il proprio capo, in uscite serali alla ricerca di incontri facili da consumare ma che per la maggior parte del tempo è solo, barricato nel suo silenzio in cui nascondere e zittire i mostri interiori che lo tormentano e dilaniano.
La scena iniziale è eloquente introduzione alla sua realtà. Disteso nudo sul proprio letto, avvolto pigramente tra raffinate lenzuola blu, fissa il soffitto con sguardo vacuo e perso, solo con i propri fantasmi interiori, mentre fuori dalle finestre il mondo procede senza accorgersi di lui.

L'arrivo di sua sorella minore Sissy (Carey Mulligan), ribelle e fragile, cantante di night club, un po' sexy e un po' "sgualdrina", depressa, incapace di badare a se stessa e a controllarsi, lo mette in crisi. Ella si impone nella sua vita, mettendo in pericolo il suo già precario equilibrio.
La loro vicinanza, il loro ritrovarsi, fa riemergere in Brandon rabbia, ricordi e angosce dal passato. Non ci è dato sapere che famiglia abbiano avuto, quali traumi abbiano dovuto attraversare e seppellire dentro di loro, ma lo possiamo intuire leggendo i loro corpi, le ferite reali che si sono inflitti (Sissy da adolescente si tagliuzzava le braccia) e quelle, diciamo, metaforiche (Brandon vive in uno stato di distacco emotivo, impedendosi di percepire sentimenti profondi).
La rabbia crescente in Brandon farà tutt'uno con la propria disperazione portandolo alla deriva di se stesso e facendogli toccare il fondo del barile dal quale solo arrendendosi alla propria disperazione è possibile trovare una vita di salvezza.

"Non siamo brutte persone - gli dirà sua sorella - è solo che proveniamo dal posto sbagliato", quel "luogo famgilia" che è madre di tutti i dolori profondi.

La scenggiatura è ottimamente scritta, senza punti ridondanti nè esacerbazioni. Delinea con precisione e profondità i profili dei due fratelli. La regia compie il resto del lavoro, dando "voce" alle immagini, accompagnate da una efficace e appropriata colonna sonora firmata da Harry Escott.
Molti i piani sequenza lunghissimi, per consentire allo spettatore di vivere il presente del personaggio. Il film non rappresenta più "un tempo altro" ma il tempo reale condiviso dallo spettatore coi protagonisti.
Ad esempio il lungo primo piano sulla commovente Carey Mulligan che canta interamente "New York New York" piangendo, oppure la lunga e rabbiosa corsa notturna di Brandon, che attraversa diversi quartieri della città per scaricare la propria furia interiore e calmare quel grido incessante che lo abita.

Brandon non riesce a unire il bisogno di amare sessualmente una donna con il proprio istinto sessuale.
Il vuoto interiore che continuamente percepisce in sè e che diventa sempre più grande ed insopportabile, non può essere riempito con niente.
Nessuna esperienza sessuale riesce a colmare quel vuoto, quella mancanza di amore che si trascina dall'infanzia. Nessuna donna riesce a donargli quel calore perchè è lui stesso a non aprirsi ad esso. Nella sua vita perciò non c'è amore, egli guarda da lontano quel sentimento, di nascosto, lo brama più di quanto brami un corpo di donna, lo spia senza farsi toccare da esso.
Il terrore di soccombere ad esso è più grande. Il terrore paralizzante di essere disintegrati e schiacciati dalla potenza del sentimento è più forte di tutto. E così la brama profonda di amore diviene fame sessuale insaziabile in cui illudersi di trovare appagamento, in cui stordirsi e abbuffarsi senza purtroppo percepire alcun sapore, con un senso crescente di smarrimento, rabbia e vergogna.

Sissy è come lui alla ricerca di un antidoto al proprio vuoto interiore e al proprio dolore autodristuttivo. Nella sua incapacità di prendersi cura di se stessa e di camminare sulle proprie gambe cerca uomini che la accudiscano; li prega, li implora di prenderla con loro, è disposta a qualunque umiliazione pur di ricevere un briciolo di amore, anche se di amore non si tratta. Elemosina amore per calmare il proprio pianto interiore.

Avulso dalla realtà, Brandon vive in un corpo che non gli dà accesso alle vie del cuore. Ogni tentativo fatto per unire sentimenti ed istinto sessuale finisce inesorabilmente per fallire. La mancanza di contatto coi propri sentimenti non gli permette di percepire l'emozione sessuale. E' una castrazione emotiva profonda e paralizzante.
E così quando tenta di fare l'amore con una collega che davvero gli piace e dalla quale forse spera di farsi "salvare" dal proprio inferno, non ci riesce, e con estrema vergogna e delusione si scopre impotente di vivere a pieno la propria vita.

Il diritto di amare sessualmente potrebbe essere l'argomento di questo racconto, in cui le deviazioni sessuali ci arrivano come ciò che realmente sono, ovvero un disperato tentativo di riunire l'emozione profonda alla sessualità del corpo.
Il popolo dei sex addicted è fatto di anime ferite e sole che cercano una via di fuga dalle proprie terribili angosce, dalle proprie ferite emozionali.

McQueen realizza una pellicola piena di partecipazione per il dramma personale dei protagonisti, senza giudizio e senza morale. Offre allo spettatore la possibilità di elaborare una personale opinione e di scegliere se condividere coi protagonisti il loro viaggio catartico.

Da ogni inferno è possibile uscire solo rompendo il proprio guscio.
Brandon raggiunge l'apice della propria esperienza quando tocca con tutto se stesso la propria disperazione e si concede ad essa. Non serve più a niente ignorare l'assenza di amore patito, combattere contro di essa. Il pianto, come resa e rilassamento del corpo, è la porta principale per aprire il proprio cuore al sentimento, alla prioria vita affettiva.

Ed è questa lettura a dare una speranza di cambiamento.
Il Nostro non è abbandonato ad un presente immutabile ma pronto per affrontare la propria rinascita.

Nonstante l'ambientazione americanam, il film è totalmente inglese ed inizialmente doveva essere ambientato a Londra, non estranea al problema della dipendenza sessuale.
La sceneggiatura è nata quasi per caso. McQueen e la co-sceneggiatrice Abi Morgan si incontrarono un pomeriggio in un bar per condividere alcune idee. Nel parlare a ruota libera finirono per affrontare il tema della pornografia. Dai loro discorsi e confronti nacque l'idea di Shame.
Nella necessità di incontrate esperti del settore delle dipendenze sessuali e per parlare con più persone possibile afflitte da quel problema, sono finiti a New York; una volta lì non solo hanno potuto parlare con moltissime persone ma hanno pensato di girare l'intero film nella città che non dorme mai, che diventa essa stessa un personaggio vero e proprio del film, con le sue notti estranianti, misteriose, e con i suoi quartieri in cui anche in mezzo a migliaia di persone è facile sentirsi soli e separati da tutto, e dove il tempo ha un ritmo proprio, frenetico di giorno e dilatato di notte. New York come luogo di tutti i luoghi e come paradossale non luogo.

Assolutamente da non perdere.
Coppa Volpi per la migliore interpretazione maschile a Michael Fassbender al festival del cinema di Venezia 2011.

Gallery

Film in sala dal 13 gennaio 2012

2012-01-12T08:27:00.000+01:00

La chiave di Sara
(Elle s'appelait Sarah)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2010
NAZIONALITÀ: Francia
REGIA: Gilles Paquet-Brenner

La Talpa
(Tinker, Tailor, Soldier, Spy)
GENERE: Spionaggio
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Gran Bretagna
REGIA: Tomas Alfredson

L'incredibile storia di Winter il delfino
(Dolphin Tale)
GENERE: Family
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Charles Martin Smith

L'Industriale
(L'Industriale)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Giuliano Montaldo

Non avere paura del buio
(Don't Be Afraid of the Dark)
GENERE: Horror, Thriller
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Australia, USA
REGIA: Troy Nixey

Shame
(Shame)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Gran Bretagna
REGIA: Steve Mcqueen (II)

Succhiami
(Breaking Wind)
GENERE: Commedia, Parodia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Craig Moss

J. EDGAR

2012-01-09T12:08:00.006+01:00

J. EDGAR
regia di C. Eastwood

Il commento della direttora

J. Edgar Hoover è stato un personaggio controverso e cruciale degli Stati Uniti d'America del '900, che ha segnato la politica americana e che ha alimentato l'immaginario americano. Fondatore dell'FBI ha partecipato ai giochi di potere nel periodo di otto presidenti. Eroe, vampiro, servitore indefesso della Patria, assetato di fama. Molte le descrizioni che gli si potrebbero appiccicare addosso, tutte accomunate da un aspetto che in questo mio commento vorrei affrontare.

La vita pubblica di ogni personaggio è indissolubilmente legata a quella privata. Apprendere la natura del personaggio consente di capire i comportamenti adottati sulla scena pubblica.
In "J.Edgar" Eastwood, sulla base del grosso lavoro di scrittura dello sceneggiatore Dustin Lance Black (Milk), ha messo in scena non solo la parte pubblica ma soprattutto quella porzione di realtà privata che è prodromica alla vita pubblica del protagonista e lo ha fatto scegliendo alcuni momenti particolari.

Fin dai primi flash back apprendiamo che Edgar vivrà tutta la propria esistenza all'ombra della imponente figura materna (una ecellente Judi Dench, equamente anafettiva e sessualmente magnetica).
Il piccolo Edgar è destinato a sollevare le sorti della famglia: lui e non il fratello avrà l'ònere di eseguire ciò che il padre non è riuscito, portare in gloria la famiglia, dandole fama e onore per la sua carriera.
Il piccolo Edgar guarda la madre con sguardo innamorato e spaurito, in un miscuglio di cieca fede e tremore interiore. Sarà destinato a divenire il piccolo principe azzurro che potrà sosturire la figura del proprio padre nel cuore della madre e che da essa sarà sapientemente manipolato e risucchiato.
Ben presto quindi si crea la ferita narcisistica che il Nostro si porterà dentro per tutta la vita e che lo condurrà ai successi pubblici ed alle sconfitte private.

Distaccandosi dal proprio sentire interiore, ovvero rinnegando il proprio Sè, Edgar riuscirà a reprimere i propri sentimenti con metodo e chirurgica precisione, lasciando tuttavia vivo in sè il bambino impaurito e dipendente dalla madre.
La propria omosessualità non potrà essere vissuta nè tanto meno espressa perchè da lui stesso per primo temuta, essendo una grave minaccia di perdita dell'amore materno ("preferisco un figlio morto ad una mammoletta" gli confiderà la madre con sguardo severo); essa troverà espressione nell'estetismo, nel piacere della bella vita (non a caso seleziona gli agenti per il loro aspetto fisico, per la cura del loro corpo e degli abiti ed amerà per tutta la vita vestirsi con classe e curare il proprio corpo) e della buona compagnia maschile (sviluppa una spiccata insofferenza verso la minaccia femminile, verso le donne che lo avvicinano, sessualmente attratte, mentre l'afettuosa amicizia con la segretaria sarà la massima espressione di empatia verso le donne), e sarà sublimata nella esteriorità.

Edgar non cederà il passo ai propri sentimenti, nemmeno a costo di perdere ciò che ama ("perchè uccido tutto ciò che amo?"..) proprio perchè incapace di viverli appieno dentro di sè (proverà sentimentalismi, mai davvero una passione struggente e profonda) ed incapace di affrontare il terrore infantile che essi celano.
Assumersi il rischio di essere se stesso, di toccare la propria rabbia e il proprio amore, andando contro le aspettative materne, resteranno per lui il più grande scoglio da superare e il più importante insuccesso della vita.

L'immagine in cui si identificherà come un Narciso che si specchia nell'acqua (spostamento della libido dal Sè all'Io) sarà quella di un uomo di potere determinato e assetato di successo (disposto a tutto persino ad assegnarsi falsi arresti autorevoli, mentendo spudoratamente, pur di crearsi una fama unica ed eccezionale... ecco la strada in cui sarà saziata la propria ferita narcisistica..)

Il mondo senza scrupoli in cui opera ogni giorno e dal quale non riesce a distaccarsi nemmeno per un attimo rappresenterà per lui l'immagine in cui calarsi per sopravvivere a se stesso ed ai propri fantasmi interiori, al sicuro dal dolore antico famigliare.
Edgar mai si lascerà andare al proprio "soma", al porprio Sè, se non dopo la morte (unico momento in cui Clyde può abbracciarlo toccando la sua vera natura).
E siccome non esiste nulla di più folle che rinnegare se stessi, il vampirizzare le persone che ama diviene l'atto disumanizzante che lo condanna ad una vita di follia privata e di scalate al successo nel territorio pubblico.

Eastwood scegli un Di Caprio che, nonsotante il non sempre adeguato trucco, fa un ottimo lavoro di interpretazione muovendosi in un terreno per nulla semplice.
Forte del precedente "Aviator", che tuttavia è molto diverso da Hoover per le sue compulsioni e manie, Di Caprio è riuscito a tratteggiare la figura di un uomo perennemente in conflitto tra ciò che ha dimenticato di sè e ciò che lo tiene appeso alla realtà, in una lotta senza soluzione di continuità.

Personalmente ho trovato vincente la modalità di scrittura e la messa in scena di Eastwood, pur con tutte le imprecisioni notabili del caso.

Il trucco lascia molto a desiderare, rendendo l'anzianio Clyde piuttosto goffo e grottesco.

Per il resto il dibattito è aperto e attendo vostri commenti!

L’anno che verrà. Il cinema del 2012 (1 parte)

2012-01-06T12:41:00.006+01:00

Tanto vale affidarsi all’emozione del momento, lasciandosi prendere in contropiede da qualche sorpresa nella certezza che l’aspettativa è spesso foriera di grande delusione.

Per questa ragione chi scrive punterà molto sulle produzioni di cui si sa poco o nulla, sulle opere che dovranno farsi largo grazie al tam tam dello spettatore appassionato; sul cinema di genere, su quello indipendente, se ancora esiste e su quello italiano, anche quest’anno e per diverse ragioni, destinato a far parlare di sé.

Ma la concretezza ancora una volta si impone ed una traccia è d’uopo.

Chi vuole come sempre potrà dirci la sua.

Film 2012 (1 parte)

Shame di Steve McQueen, con Michael Fassbender, Carey Mulligan

La talpa di Tomas Alfredson, con Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy

Il Primo Uomo di Gianni Amelio, con Jacques Gamblin, Denis Podalydes

Romanzo di una strage di Marco Tullio Giordana, con Valerio Mastandrea, Pierfrancesco Favino, Laura Chiatti, Luigi Lo Cascio.

Big House di Matteo Garrone, con Claudia Gerini

Magnifica presenza di Ferzan Ozpetek con Elio Germano, Margherita Buy, Vittoria Piccini

Killer Joe di William Friedkin, con Matthew McConaughey, Emile Hirsch, Thomas Haden Church

Intouchables di Eric Toledano e Oliver Nakache, con Francois Cluzet, Omer Sy

Pollo alle prugne di Vincent Paronnaud, Marjane Satrapi, con Isabella Rossellini, Maria de Medeiros, Golshifteh Farahani, Mathieu Amalric

Polisse di Maïwenn, con Karin Viard

Man on a Ledge di Asger Leth, con Sam Worthington, Elizabeth Banks

Prometheus di Ridley Scott, con Noomi Rapace, Michael Fassbender, Guy Pearce

Film in sala dal 6 gennaio 2012

2012-01-05T08:21:00.000+01:00

Alvin Superstar 3 - si salvi chi può
(Alvin and the Chipmunks: Chip-Wrecked)
GENERE: Animazione, Commedia, Family
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Mike Mitchell

Finalmente maggiorenni
(The Inbetweeners Movie)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Gran Bretagna
REGIA: Ben Palmer

Immaturi - Il viaggio
(Immaturi - Il viaggio)
GENERE: Commedia
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Paolo Genovese

J. Edgar
(J. Edgar)
GENERE: Biografico, Drammatico
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Clint Eastwood

Le idi di marzo

2012-01-02T18:08:00.004+01:00

LE IDI DI MARZO
regi di G. Clooney

La natura della politica ha sempre la pulizia di un volto spendibile nell’arena del consenso.
E’ un erma bifronte cresciuta nella consapevolezza del successo ottenuto con l’abilità di saper mostrare il profilo migliore. George Clooney questo lo sa per esperienza, essendo riuscito lui per primo a costruirsi un immagine di elegante sciupafemmine, oltre ché di artista a tutto tondo, che neanche i gossip più piccanti sono riusciti a scalfire.
Un’analogia, almeno nel meccanismo in cui questo immaginario si produce e viene recepito dalla pubblica opinione, che il regista rende in quest'ultima uscita alla maniera di Moretti con il suo “Caimano”, ovvero sottraendo il più possibile dalla scena l'icona del film, il senatore Morris candidato alla presidenza del partito democratico, facendola poi rivivere nel teatro messo in scena da chi quella candidatura la rende credibile agli occhi dfella gente.

Un leading role, quello del politico interpretato da Clooney, vissuto dalla pellicola per interposta persona, attraverso lo spin doctor che ne cura l'immagine, e riassunto in maniera efficace nelle due scene che aprono e chiudono il film in cui Stephen (Ryan Gosling) è impegnato fino all’immedesimazione – con la telecamera che soffermandosi sul viso celato dall’ombra di uno studio appena illuminato cristallizza questo transfert – a sostituire il candidato nelle prove tecniche che precedono la sua entrata in scena.
Se questo è vero, quello che vediamo è la rappresentazione di una scalata al potere capace di mostrare le regole del gioco attraverso la metamorfosi dell’uomo che di quell’ascesa è il più accanito sostenitore.
Stephen rappresenta infatti l'ideale progressista sconfessato dal tornaconto personale, da chi come lui vuole a tutti i costi rimanere al comando della campagna elettorale dal quale è stato estromesso. Una parabola incominciata con il sorriso smagliante e l’abbigliamento elegantemente informale, e poi proseguita in un gioco al massacro di chi per sopravvivere è costretto a calpestare chi gli sta accanto. A fargli da contorno un branco di squali in attesa del banchetto. Dall’ecatombe non si salva nessuno perché ogni cosa è l’emanazione del principio machiavelliano in cui il fine giustifica i mezzi.

Se Clooney non rivela niente di più quello che già non si sapesse, bisogna registrare invece un innalzamento dei toni nella direzione di un pessimismo che per essere il più amaro possibile sceglie di affondare quella parte della politica solitamente ritratta in maniera più benevola – il senatore ed il suo staff appartengono alla sinistra cresciuta sulla scia del mito Kennediano – e che invece qui rappresenta da sola la faccia oscura dell’America. Isolando i suoi uomini all’interno di un fortino rappresentato dagli uffici dove si svolge la campagna e nelle stanze, comprese quelle dell’albergo in cui la stagista perderà la propria vita, (c’è anche la panchina all’ombra del campidoglio ormai il simbolo di tutte le cospirazioni), Clooney ci dice che ciò che avviene è una partita vissuta lontano dagli interessi della gente, chiusa all'interno di un manipolo di soldati destinati al sacrificio.
Un'affermazione che si deduce dal modo in cui il regista ci mostra i protagonisti: avvolti da una fotografia autunnale, rigorosamente ingessati dentro i loro ruoli - le scene di vita privata sono pressochè assenti, ed anche quando ci sarebbero i presupposti la parte pubblica continua a prevalere - , sempre pronti a salvaguardare lo scopo dai cortocircuiti della vita - la reazione del personaggio interpretato da Seymour Hoffmann che reagisce allo sconforto di una vita umana appena andata con il cinismo di un prossimo lavoro non all'altezza delle sue aspirazioni ma comunque altamente remunerativo - spesso nascosti agli occhi dello spettatore, come accade in uno dei momenti clou del film, quando Morris svela la sua vera natura.
Clooney lo fa in una scena in cui il politico, sul punto di tradire il suo uomo più fidato per non mettere a rischio la carriera, è celato dall'abitacolo in cui avverrà la discussione.
E come se il regista, in quella ripresa frontale, con lo spettatore incapace di vedere ed anche di sentire ciò che i due si stanno dicendo, affermasse l'impossibilità di conoscere gli abissi di una lotta primigenia.
Un limite oltre il quale è meglio immaginare per non perdere del tutto la speranza. Nel far questo Clooney si riappropria di una sobrietà che gli era mancata nella precedente uscita.

Conscio di un cinema che non può fare sfracelli perchè ancora in formazione (ma l'esempio di Eastwood lascia ben sperare sugli sviluppi futuri), il divo esegue il compito in maniera diligente. Si affida alla bravura degli attori, alla solidità di una sceneggiatura collaudata, alla sua capacità di rimanere equilibrato. Forse anche a rischio di passare un pò in sordina. Di non alzare il tono della voce alle frequenze del cinema contemporaneo. In questo "Le idi di marzo" è un film sicuramente fuori moda.

I film del 2011

2011-12-31T19:08:00.007+01:00

Come ogni anno anche I cinemaniaci si concedono il gusto di un consuntivo la cui finalità non è quella di indicare i migliori film dell'annata ma quelli che per qualche ragione sono rimasti impigliati nella rete insondabile del nostro immaginario...pubblicando la propria chi scrive spera di suscitare una voglia di condivisione di cui tutti noi saremo certamente lieti...Buon Anno e soprattutto buon cinema a tutti.

Biutiful (Alejandro Gonzàles Inàrritu)
The Artist (Michel Hazanavicius)
Il debito (John Madden)
X - Men: L'inizio (Matthew Vaughn)
Una separazione (Asghar Farhadi)
Il cigno nero (Darren Aronofsky
Source Code (Duncan Jones)
L'ultimo terrestre (Gian Alfonso Pacinotti)
I guardiani del destino (Geoge Nolfi)
Corpo Celeste (Alice Rohrwacher)

Miglior regia:

Asghar Farhadi ("Una separazione")

Miglior attore:

Kim Rossi Stuart ("Vallanzasca")

Miglior attrice:
Carey Mulligan (“Non lasciarmi”)

Miglior attore non protagonista:

Michael Fassbender ("X-Men: L'inizio")

Miglior attrice non protagonista:

Jessica Chastain ("Il debito")

Miglior fotografia:
Emanuel Luzbecki ("The Tree Of Life")

Cult personale:

Tournée (Mathieu Amalric)

(nickoftime)

Film in sala dal 30 dicembre 2011

2011-12-29T08:20:00.000+01:00

Aguasaltas.com
(Aguasaltas.com)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Portogallo
REGIA: Luís Galvão Teles
CAST: João Tempera, María Adánez, Isabel Abreu, Marco Delgado, Margarida Carpinteiro, José Eduardo

COURMAYEUR NOIR FESTIVAL 2011 (5-10 dicembre)

2011-12-28T15:57:00.005+01:00

COURMAYEUR NOIR FESTIVAL 2011 (5-10 dicembre)
dai piedi del Monte Bianco il resoconto del Courmayeur Noir Festival 2011 dal nostro (congelato) inviato Fabrizio Luperto.

La giuria internazionale per il cinema, del Courmayeur Noir Fest 2011 composta da Lawrence Block (presidente, Stati Uniti), Carolina Crescentini (attrice, Italia), François Guérif (editore, Francia), Vinicio Marchioni (attore, Italia) e Antonello Grimaldi (regista, Italia), ha attribuito i seguenti premi:

LEONE NERO PER IL MIGLIOR FILM
Hodejegerne - Headhunters di Morten Tyldum (Norvegia, Danimarca, Germania)

PREMIO PER LA MIGLIORE INTERPRETAZIONE
Jean-Pierre Darroussin in De Bon Matin - Early One Morning di Jean-Marc Moutout (Francia, Belgio)

PREMIO SPECIALE DELLA GIURIA
Hashoter - Policeman di Nadav Lapid (Israele)

RECENSIONI

Hodejegerne - Headhunters (miglior film) di Morten Tyldum

Roger è il cacciatore di teste più famoso e ben pagato di Norvegia.
All'apparenza ha tutto ciò che potrebbe desiderare.
Vive in una casa lussuosa, è sposato con la stupenda gallerista Diana, che ricopre di costosissimi regali.
In realtà conduce un tenore di vita che non potrebbe permettersi e per questo motivo ruba e contrabbanda opere d'arte.
Durante un vernissage, la moglie Diana presenta al marito un alto dirigente di una multinazionale dell'elettronica, tale Clas Greve, che si scopre essere possessore di un prezioso quadro.
Con il pretesto di offrigli un lavoro, Roger avvicina Clas, scopre dettagli importanti della sua vita e organizza il furto.
Ma niente è come sembra e quando Roger entrerà nella casa di Clas per rubare il prezioso dipinto scoprirà qualcosa di inaspettato che cambierà la sua vita.
Il vincitore del Leone Nero 2011 è un film che lascia senza fiato per tutti i 100 minuti della durata.
Un classico film di genere che però lascia spazio anche a sprazzi di comicità (voluta).
La trama è interessante e ben scritta, gli interpreti convincenti e contribuiscono con la loro interpretazione a tenere alta la suspence.
L'ambientazione nord europea, siamo nella gelida Norvegia, con i suoi laghi e i boschi infiniti conferisce al tutto un ulteriore apprezzabilissima atmosfera misteriosa.
Sia chiaro, niente di nuovissimo (altrimenti non sarebbe un film di genere) una lotta cacciatore-preda dove chi perde muore, ma con una prima parte avvincente e ben orchestrata che stuzzica la curiosità dello spettatore.
Unico neo, un finale poco credibile, non nel risultato ma nella messa in atto, alquanto complicata e realizzata a tempo di record.
Adattamento del romanzo omonimo di Jo Nesbo.
Secondo quanto annunciato durante la cerimonia di premiazione, dovrebbe essere distribuito in Italia dalla
Mediterranea Productions.
Previsione personale: Un belloccio, una diva hollywoodiana, un paio di botti, un'ambientazione metropolitana e Hodejegerme sarà uno dei prossimi remake americani.

De Bon Matin - Early One Morning (miglior interpretazione) di Jean-Marc Moutout

Come tutte le mattine Paul, cinquantenne funzionario di banca, si reca sul suo posto di lavoro presso la Banca Internazionale del Commercio e della Finanza.
Una volta entrato in banca estrae una pistola e uccide due suoi superiori.
In attesa che arrivi la polizia, Paul ripercorre gli eventi che lo hanno spinto ad uccidere.
Iniziamo subito col dire che il protagonista di questo film, vincitore del premio come miglior interprete è Jean-Pierre Darroussin, ovvero l'interprete del famigerato commissario Monet in Miracolo a Le Havre di Aki Kaurismaki, in questi giorni sugli schermi italiani.
De Bon Matin è un film che gioca tutte le sue carte sul tempo sospeso, ovvero il lasso di tempo che intercorre tra l'omicidio e l'arrivo della polizia.
Tempo che il protagonista utilizza per mettere insieme frammenti della sua esistenza, che porteranno lo spettatore a capire il perchè di tanta violenza.
Scopriremo pian piano che vita famigliare conduce il protagonista, chi è veramente, cosa è successo sul posto di lavoro, i rapporti con colleghi e superiori.
Noir di buona fattura, come nella miglior tradizione francese, forse troppo lento nella parte centrale, ma che ha il merito di evidenziare paure e stati d'animo degli individui in questo preciso momento storico, segnato dalla grande crisi economica.

*************

Le proiezioni pomeridiane del festival erano dedicate alla sezione Mini Noir, film rivolti ad un pubblico giovane.
Tra i titoli più importanti spiccavano Arthur e la guerra dei due mondi di Luc Besson (uscita italiana 23 dicembre) e L'incredibile storia di Winter il delfino di Charles Martin Smith.
Le proiezioni hanno avuto un discreto successo, con buona partecipazione di giovani e scolaresche.
Queste proiezioni, per ovvii motivi anagrafici, non sono state frequentate dal sottoscritto, che dedicava le ore pomeridiane alla sezione letteratura o alla auto-somministrazione di bevande calde o dall'elevato tasso alcolico per sopperire alla temperatura rigida.
Venerdi 9 dicembre, nell'attesa dell'incontro con lo scrittore Antonio Scurati che avrebbe commentato la sua ultima fatica letteraria, La Seconda Mezzanotte, venivo irresistibilmente attratto dal mini noir in programma nel primo pomeriggio.
Il film in questione era LA VILLA DI LATO (IL FILM) diretto e interpretato dall'abruzzese Maccio Capatonda, nome d'arte di Marcello Macchia, che in passato ha realizzato dei trailer surreali per i programmi televisivi della Gialappa's.
Nella villa-hotel "quasi" maledetta gestita dalla famiglia Di Lato, i defunti non risorgono e le maledizioni non avvengono.
Questo perché la villa, per errore dell'architetto, è stata costruita "di lato" e non sopra al vecchio cimitero bulgaro-indiano che avrebbe garantito un tasso di maledizione più elevato.
LA VILLA DI LATO (IL FILM) è forse una delle più belle sorprese di questo festival.
Una produzione poco più che artigianale, con un' unica location, nata come web series che conduce a 60 minuti di risate frutto di trovate esilaranti e idee geniali, con Capatonda mattatore assoluto circondato da comprimari ben assortiti.
Unico appunto, cosa ci faceva nella sezione dedicata ai bambinanti?

Il principe del deserto

2011-12-26T10:30:00.003+01:00

IL PRINCIPE DEL DESERTO
regia di Jean-Jacques Annaud

Autore di un cinema d'esportazione nel senso più lato del termine per aver ambientato tutti i suoi film lontano dai luoghi natii, Jean-Jacques Annaud si è spesso confrontato con il mistero di civiltà sideralmente lontane sia dal punto di vista antropologico ("La guerra del fuoco", 1981) che culturale ("Sette anni in Tibet",1997).
E pur nell'ambito di queste scelte in cui il contesto realistico è rimasto sempre il paramentro fondamentale delle sue costruzioni cinematografiche, Annaud ha portato le sue storie a cavalcare le praterie di una fantasia esplicata soprattutto nel gusto del racconto tout court, quello capace di trasportare lo spettatore in un altrove dove i punti di riferimento comuni vengono ridisegnati alla luce di nuove forme di linguaggio ("Two Brothers", 2004), e di prospettive ("l'Orso",1988).

Caratteristiche che in parte ritroviamo anche nel suo nuovo film, ambientato nell'Arabia degli inizi del novecento, con il petrolio sul punto di scatenare una nuova corsa all'oro da parte del mondo occidentale, disposto a qualsiasi cosa pur di assicurarsi la disponibilità della nuova ricchezza.

Un punto di non ritorno osteggiato da Amar, sultano di Salmaah, poco incline nei confronti di una ricchezza corruttrice ed estranea alla tradizione del suo popolo, e Nesib (Antonio Banderas), emiro di Hobelka, favorevole ad un' apertura modernista e commerciale. Situati in una specie di terra di mezzo che divide i due emirati, i giacimenti petroliferi diventeranno oggetto di una guerra cruenta e sanguinosa di cui il principe Auda, figlio di Amar, sarà ago della bilancia per la capacità di catalizzare le ragioni di una moltitudine troppo spesso umiliata ed offesa dalle ragioni del potere.

Girato più che altro in esterni, sugli sfondi di un paesaggio desertico che Annaud riesce a restituire in una magnificenza non alterata, "Il principe del deserto" è una produzione figlia di molti padri e per questo complicata dai tentativi di far quadrare i conti. Prodotto da Tarik Ben Ammar, un mecenate del cinema internazionale ma anche dalla Doha Film Insitute, il film pur privilegiando gli aspetti avventurosi e romanzeschi, concentrati soprattutto nella progressione psicologica e nelle azioni del giovane protagonista, inizialmente sottovalutato per il suo carattere mansueto e per la dedizione agli aspetti intellettuali della vita, e poi costretto, anche per l'uccisione del fratello destinato al trono, a diventare arbitro della storia, non può fare a meno di rimarcare le caratteristiche meticcie della sua natura: da una parte volendo esprimere un punto di vista che vuole essere fortemente interno alla cultura di cui sta parlando e che per questo esclude quasi del tutto la presenza e il peso di ciò che è esterno ad essa - i pionieri venuti dall'America restano figure sulle sfondo e senza alcuna voce in capitolo -, dall'altra evocandolo alla maniera delle produzioni che si rivolgono ad un mercato globale, e che per questo hanno bisogno di una riconoscibilità diretta e popolare.

Così, piuttosto che trovare soluzioni autoctone più adatte alla credibilità della storia, il film preferisce affidarsi al glamour poco realista di un cast internazionale che, a parte Tahar Rahim ("Il profeta", 2009) fisiognomicamente adatto alla figura di Auda, prevede tra gli altri Banderas, qui al suo secondo ruolo "orientale" dopo quello da lui interpretato ne "Il 13° guerriero" (1999), e Freida Pinto, ancora una volta nei panni di una donna, la promessa sposa del principe, sottomessa alla volontà maschile.

Un'ambiguità che sembra riversarsi anche sulla figura del protagonista, chiamato soprattutto nella parte centrale, quella in cui il desiderio di riscatto verrà messo a dura prova da una spedizione ai limiti della sopravvivenza, a recitare il ruolo dell'eroe ma che poi, alla luce di una storia di fatto indecisa sulla via da seguire (tradizione o modernità), sembra lasciarsi prendere da una mancanza di carattere che nuoce ad un film bisognoso invece di una figura in grado di fargli prendere definitivamente quota.

Alla fine la sensazione è quella di un prodotto in cui il committente conta più dell'esecutore: Annaud da parte sua ci mette un mestiere che riesce a fare a meno del computer. Il resto è strategia di marketing.

(pubblicata su ondacinema.it)

Auguri di Buon Natale e di Buon 2012!

2011-12-24T06:46:00.002+01:00

Tanti auguri da tutta la redazione de "I cinemaniaci" per un S. Natale sereno ed uno strepitoso 2012 pieno di buon cinema!!

Buone Feste

Sherlock Holmes: gioco di ombre

2011-12-23T10:34:00.003+01:00

Sherlock Holmes: gioco di ombre
regia di Guy Ritchie

Kiarostami ne teorizzò l'importanza per ovviare ad una messinscena altrimenti immota. Stava girando "Dieci" ed il film aveva come unico motivo di interesse le conversazioni di una decina di personaggi alternativamente all’interno di una macchina che procedeva lungo le strade di Teheran.
Il veicolo, con il suo moto era lo stratagemma per movimentare un quadro altrimenti paralizzato da quei dialoghi.

Anche lui, certamente non un cultore del cinema dinamico si poneva il problema di adeguare la fruizione del suo film ad un pubblico immerso ogni giorno in una realtà in continuo divenire e quindi poco propenso ad un disegno che si presentasse sempre uguale a se stesso. In quel caso si trattava di dare forma ad una sostanza che era pregnante, densa, ma a basso contenuto cinetico, renderlo insomma vicino all’idea di un cinema commercializzabile.

Al contrario Guy Ritchie è un tipo che non si è mai fatto pregare in quanto a movimento e da quando siamo stati abituati a frequentarlo non c’è mai stato un momento in cui non abbia infarcito le sue torte con ritmi scoppiettanti ed accelerazioni al fulmicotone, sia in senso temporale, quando era necessario riportare in luce dettagli utili alla comprensione della trama, che spaziale, con l’intento di sciorinare le qualità balistiche ed acrobatiche dei suoi antieroi, oppure ad arrovellarla ancor di più, con l'aggiunta di particolari sempre nuovi, un accumulo di dati che riproducevano una modernità in overdose di messaggi.

Erano i tempi di "Lock e Stock", ma anche di "Snatch". L'artista era ancora affamato di successo a di quattrini che cercava di rincorrere con un pulp adeguato alla ruvida guasconeria di un proletariato inglese emancipato dalle depressioni dei vari Loach e Leigh ed intento ad esorcizzare le proprie sventure con lo sberleffo di una risata un po’ sguaiata.

Poi c'è stata Madonna, qualche film improbabile, ed infine un ritorno da figliol prodigo con il restyling di Sherlock Holmes e delle sue avventure; a lui il compito di mantenere la materia all’interno della tradizione, rinnovandola con lo stile consumistico del mangiatore di pop corn, abituato a non mettere mai in dubbio la giustezza e l’invincibilità del suo eroe.

Sherlok e Watson diventano come Batman e Robin: una coppia di eroi in marsina e doppio petto, talmente affiatati e così poco propensi alla compagnia femminile da far sorgere il sospetto di un inciucio che va oltre l’amicizia.

Una scommessa riuscita al primo colpo più per la sorpresa della confezione - Holmes impegnato in combattimenti alla "Matrix" è certamente cosa fuori dall'ordinario - che per la novità della proposta, in pratica ricalcata sulla miriade di film d'avventura e di supereroi dell'ultimo decennio.
Un gran uso del digitale e l'impiego di attori normalmente abituati a cose ben più serie.

Ci si poteva accontentare se Hollywood non fosse prima di tutto una macchina pensata per far soldi e quindi poco propensa a non replicare un prodotto che funzioni.
Anche quando le idee stanno a zero e l'unica cosa si cui contare è la presenza di un cast all star, almeno per quanto riguarda i personaggi principali.

E Guy Ritchie, ovviamente, l’uomo giusto al posto giusto se si tratta di confondere l’inconsistenza della sostanza con la ginnastica delle immagini.

Robert Downey quindi, seppur indurito nei tratti dagli anni e dalla dieta e sempre meno capace di fare a meno del suo sguardo spiritato, e Jude law, eternamente impettito a ribardire le stimmati della terra d'albione.
Loro e sempre al centro della scena e tutt'intorno un gran bailame di rumori, esplosioni e cambiamenti di location a ricreare di volta in volta un nuovo scenario, dalla Francia alla Svizzera, dalla città alla natura più selvaggia, per ricominciare sempre da capo, perennemente alla ricerca di qualcosa che è sfuggito per un pelo.

La caccia ad un avversario la cui organizzazione ricorda quella di Al Qaeida per il continuo ricorso ad un terrorismo senza volto ed organizzato su scala internazionale con intenti di sconvolgimento geopolitico (questa volta si rischia addirittura la guerra che di lì a poco sarebbe stata quella della prima guerra mondiale) diventa un film ad episodi, ognuno dei quali ricalcato su quello precedente, dove nulla succede se non quello esibito in sede di regia dal buon Ritchie.

E' la sua continua ricerca di stordimento, quel non concedere neanche un minuto alla riflessione dello spettatore accompagnandolo per filo e per segno lungo la corsa agli ostacoli con decostruzioni che non ci fanno mai dimenticare l’intelligenza e la paziente fedeltà del suo assistente, ad essere il vero motivo d'attrazione.
Virtù che una volta potevano anche stupire perchè messe in scena con le magie del digitale, ma che ora qualunque tecnico sarebbe in grado di riprodurre.

Per l'avventura quella vera forse bisognerà aspettare ancora del tempo, forse la nascita di un nuovo Spielberg, chissà. Intanto il pubblico dimostra di gradire almeno leggendo i responsi del botteghino.

Ad Hollywood hanno avuto ragione un'altra volta. Una nuova trilogia è molto probabile.

Film in sala dal 23 dicembre 2011

2011-12-22T08:16:00.001+01:00

Il magico Natale di Rupert
(Il magico Natale di Rupert)
GENERE: Fantasy
ANNO: 2004
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Flavio Moretti

Arthur e la Guerra dei Due Mondi
(Arthur 3 La guerre des deux mondes)
GENERE: Animazione, Fantasy, Avventura
ANNO: 2010
NAZIONALITÀ: Francia
REGIA: Luc Besson

Capodanno a New York
(New Year's Eve)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Garry Marshall

Emotivi anonimi
(Les émotifs anonymes)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Belgio, Francia
REGIA: Jean-Pierre Améris

Il figlio di Babbo Natale
GENERE: Animazione
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Gran Bretagna, USA
REGIA: Sarah Smith

Il principe del deserto
(Black Gold)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Francia
REGIA: Jean-Jacques Annaud

29° TFF - Reportage di Parsec, Fabrizio e Carmen

2011-12-16T16:47:00.009+01:00

2° parte

Film in concorso

50/50 (Usa 2011)

Regia: Jonathan Levine

ad un giovane ragazzo (J.G.Levitt) viene diagnosticata una rara forma di cancro, affronterà la terapia con il sostegno del suo migliore amico (Seth Rogen) della mamma apprensiva (Angelica Houston) e della psicologa (Anna Kendrick).

Terzo lungometraggio del 35enne newyorkese Levine - dopo All the boys love Mandy Lane e The Wackness - nonostante il tema drammatico il film ha i toni della commedia con momenti molto toccanti e altri molto divertenti, Seth Rogen vulcanico e lungimirante si conferma un

bravo attore e soprattutto un acuto produttore. Il film - che ha ricevuto il premio del pubblico - è già doppiato e pronto per la distribuzione nei circuiti commerciali (peccato per la voce italiana di Seth Rogen che non restituisce il vocione originale del simpatico attore).

Jonathan Levine al termine della proiezione racconta come sono andate le cose riguardo alla storia e alla produzione:

si tratta di un momento autobiografico dell’autore dello script, Will Reiser, che si ammalò di cancro all’età di 20 anni, a quel

tempo il suo miglior amico era proprio Seth Rogen il quale in seguito incoraggiò lo stesso Reiser a scrivere della sua esperienza. Grazie alla presenza di Seth Rogen nel progetto relativamente low budget è stato più facile trovare i soldi e fare il film.

Sul film:

il regista afferma che non è stato poi così difficile come poteva sembrare trovare un equilibrio tra l’aspetto drammatico e quello più leggero, perché è qualcosa che rispecchia comunque la vita reale. Negli states c’è un po’ la tendenza a realizzare o un film triste o una commedia, a Levine invece è piaciuto combinare questi due elementi, affrontare un tema drammatico e parlare di cose tristi in modo divertente. Nello script inoltre era già presente l’equilibrio tra dramma e aspetti comici e c’è stato un incontro di affinità tra lui, Seth Rogen e Will Reiser con i quali all’inizio del progetto hanno discusso dei film di Hal Ashby, Cameron Crowe e James Brooks che avevano già affrontato e realizzato ottimamente le stesse idee.

Sulla location:

Il film ambientato a Seattle è stato in realtà girato a Vancouver per ragioni economiche. La scelta iniziale di ambientare la storia a L.A. - l’idea era quella di creare un forte contrasto tra la condizione di profonda tristezza del protagonista e una città luminosa e calda in cui splende sempre il sole - è stata abbandonata per evitare confronti con“Funny people”di Judd Appatow, un film il cui soggetto è simile a 50/50 e in cui Seth Rogen è di nuovo co-protagonista. Inoltre hanno optato per Seattle perché c’è un interessante fermento culturale e lavorativo giovanile che creava senso con la storia.

Su Angelica Houston:

la adora da sempre e in particolare per il suo lavoro con Wes Anderson - i Tenenbaum e The Life Aquatic - in questo ha portato molto di se stessa a causa del suo recente lutto - suo marito è morto sei mesi prima dell’inizio delle riprese - come regista è stato straordinario averla sul set per il contributo che ha dato al film sia dal punto di vista umano che professionale, per le emozioni che ha saputo esprimere e per gli aneddoti su suo padre (John Houston) che spesso raccontava.

Parsec

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GANJEUNG (Corea del Sud 2010)

Regia: Park Su-min

Un ex poliziotto è ossessionato dal suo passato di torturatore di comunisti.

Per trovare conforto, grazie all'aiuto di una donna, cerca di avvicinarsi alla fede. Tutti i suoi sforzi si riveleranno inutili, specie quando la sua amica verrà assassinata dal giovane nipote.

Sofferenza interiore, voglia di riappacificazione, desiderio di pace.

Il regista sa bilanciare con maestria momenti delicati e passaggi ruvidi e violenti come nella migliore tradizione coreana.

A Park Su-min non importa riflettere sull’esistenza di Dio, o sulla sua assenza, che poi è il messaggio che trasmette questa pellicola, ma piuttosto riflettere su chi e soprattutto come, si riesca a raggiungere la pace interiore grazie all'incontro con Dio e superare la vergogna per aver commesso violenze e torture.

Un film dove vince il rimorso e l'incomunicabilità perché Dio non può dare giustizia, la violenza si.

Fabrizio L.

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...a seguire terza parte

29° TFF - Reportage di Parsec, Fabrizio e Carmen

2011-12-16T16:25:00.006+01:00

1° parte

Nove giorni di immersione nel cinema-cinema, quello del TFF che come da tradizione lascia pochissimo spazio a star e starlette per concentrarsi sui film e le esigenze dell'affezionato pubblico che di anno in anno rinnova e decreta il successo della manifestazione diretta da Gianni Amelio.

Un programma ricchissimo che oltre al concorso proponeva la retrospettiva su Altman, omaggiava Sion Sono e la biondissima Dorian Gray, recentemente scomparsa.

Ricco anche il panorama delle anteprime con Mientras Duermes di Balaguerò, l'horror di Fresnadillo The Intruders, il nuovo di Woody Allen e la biografia rock di George Harrison di Martin Scorsese.

Direttamente dal 29° Torino Film Festival il report degli inviati sul campo de I Cinemaniaci

Premi

Miglior Film: A Annan Veg/Either Way di Hafsteinn Gunnar Sigurdsson (Islanda 2011)

Premio Speciale della Giuria: Ex aequo 17 Filles/17 ragazze di Delphine e Muriel Coulin (Francia 2011) e Tayeb, khalas, yalla/Ok, enough, goodbye di Rania Attieh e Daniel Garcia (Emirati Arabi Uniti/Libano 2011).

Miglior Attore: Martin Compston per Ghosted di Craig Viveiros (Regno Unito 2011).

Miglior Attrice: Renate Krossner per Vergiss dein ende/Way home di Andreas Kannengiesser (Germania 2011).

Giuria

Jerry Schatzberg (Presidente, USA), Michael Fitzgerald (USA), Valeria Golino (Italia), Brillante Mendoza (Filippine) e Hubert Niogret (Francia).

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Film in concorso

WIN WIN - MOSSE VINCENTI (Usa 2011)

Regia: Tom McCarty

Mike (Paul Giamatti), è un avvocato con il conto in rosso che nel tempo libero fa l'allenatore di una squadra di giovani lottatori.

Per sbarcare il lunario, senza rivelare nulla alla moglie Jackie (Amy Ryan), decide di assumere la custodia di Leo (Burt Young) per intascare l'assegno mensile pari a 1500 dollari.

Un giorno si presenta Kyle ( Alex Shaffer ), tormentato e problematico nipote dell'anziano, in fuga dalla madre tossicodipendente (Melanie Linskey).

Kyle si rivela essere un ottimo lottatore, e risolleverà le sorti della debolissima squadra allenata da Mike.

Ma quando la madre di Kyle, uscita dalla clinica per tossicodipendenti raggiungerà il figlio e il padre la vita della famiglia di Mike verrà sconvolta e gli eventi faranno precipitare l'avvocato in una situazione molto pericolosa per il suo futuro professionale.

Mosse Vincenti è forse l'ennesimo film sui quarantenni incapaci di gestire le difficoltà, mai abbastanza maturi per affrontare le situazioni difficili e che si rifugiano con entusiasmo bambinesco in cose apparentemente futili.

Il regista è bravo ad immergerci nella provincia americana, a delineare le psicologie dei personaggi e confezionare una buona commedia amara, ma il suo lavoro, in alcuni tratti manca di anima e soprattutto dinamicità, ovvero, tutto quello che lo spettatore si aspetta, accade puntualmente.

Ottimo, come sempre, Paul Giamatti.

Fabrizio L.

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LE VENDEUR (Canada 2011)

Regia: Sèbastien Pilote

Michel, è un vedovo vicino alla pensione che vive in Quebec e lavora con successo presso una concessionaria di automobili.

Il lavoro lo assorbe quasi completamente, unici momenti di svago, sono quelli che trascorre con la figlia e il nipotino.

Vite piatte, senza alcuno slancio, sguardi che si incrociano ma che non si incontrano, conoscenti ma non amici e tanti dettagli a raccontare una comunità che non può dirsi veramente tale.

Solitudine, rabbia, impotenza, la discesa all'inferno di una intera comunità raccontata con una certa grazia, ma infarcita da una inutile ruffianeria in fase di scrittura.

Fabrizio L.

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VERGISS DEIN ENDE (Germania 2011)

Regia: Andreas Kannengiesser

Hannelore, cura amorevolmente il marito gravemente malato.

In un momento di disperazione abbandona il marito e segue il misterioso vicino di casa sino ad una sperduta casa che si trova sul Mar Baltico.

Ad occuparsi del marito resta il figlio della coppia, ovviamente impreparato ad affrontare la situazione.

Stati d'animo che si sovrappongono per una storia cupa raccontata con mano delicata.

Il regista pur non privandoci di alcune scene piuttosto forti, non affonda i colpi, quasi a voler rispettare il dolore dei protagonisti.

Grande prova della protagonista Renate Krossner, giustamente premiata dalla giuria.

Fabrizio L.

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....segue seconda parte

Film in sala dal 16 dicembre 2011

2011-12-15T08:09:00.000+01:00

Finalmente la felicità
(Finalmente la felicità)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Leonardo Pieraccioni

Il Gatto con gli stivali
(Puss In Boots)
GENERE: Animazione
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Chris Miller

Le Idi di Marzo
(The Ides of March)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: George Clooney

Sherlock Holmes - Gioco di ombre
(Sherlock Holmes: A Game of Shadows)
GENERE: Azione, Giallo, Avventura
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Guy Ritchie

Vacanze di Natale a Cortina
(Vacanze di Natale aCortina)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Neri Parenti

The artist

2011-12-13T17:46:00.004+01:00

THE ARTIST

Nel voler dare resoconto obiettivo di un film come “The Artist” lo scriba si trova di fronte diversi problemi. In primo luogo quello di dover parlare di un opera che prima della mente colpisce il cuore per la carica di nostalgia che la storia di George Valentine un star del muto caduto in disgrazia con l’avvento del cinema sonoro si porta con sé.
Successivamente, la componente cinefila legata ad un film che si piazza nel guado del cinema che fu, quello dei Douglas Fairbanks e di Rodolfo Valentino, con le sue ingenuità ma anche con lo freschezza delle cose che sono appena nate. Ed infine, non meno importante, con l’esagerata empatia di un attore sbucato dal nulla, almeno per chi non è francese, ed in un giro di pellicola capace di imprimersi nella pelle dello spettatore.
L’intero bagaglio cinematografico, con i suoi sogni e le sue cadute sono infatti racchiuse in un film che similmente al modello ispiratore, rinuncia alla modernità per riprodurre la purezza del cinema muto.
Con il suono a commentare le immagini sullo schermo ed i dialoghi riassunte più nel volto degli attori che nei dialoghi riportati negli appositi pannelli, “The Artist” riesce nel miracolo di fermare le lancette del tempo facendoci ridere ed anche piangere sulle modulazioni dello sguardo, sulla capacità di far parlare il corpo, quello atletico e sfrontato di Jean Dujardin, affiancato dalla muliebrità sbarazzina di Bérénice Bejo, una spalla capace di reggerne il confronto.

Un operazione dalla riuscita tutt’altro che scontata, non solo per l’anacronismo della confezione, a rischio per la tendenza in uso di sacrificare i contenuti della storia alla cornice generale che in questo caso prevedeva non solo la ricostruzione di un periodo storico, quello dell’America a cavallo degli anni 20’ e 30’, ma anche del cotè iconografico di un industria cinematografica notevolmente cambiata sotto il profilo produttivo, ma rimasta inalterata nella creazione dei suoi miti.
Un pericolo scampato per l’abilità del regista di far coincidere la storia con il mito, la ricostruzione dell’epoca con la sua rappresentazione.
Elementi destinati a convivere nel parallelismo tra la grande crisi economica che attraversò il paese, e quella artistica e personale dell’attore senza lavoro e costretto all’indigenza, nella sovrapposizione tra l'ottimismo di un arte ancora giovane e la rinascita che porterà l’artista a risollevarsi dalle sue disgrazie accettando di mettere da parte il proprio orgoglio per aprirsi all’aiuto di chi, la ragazza di cui in qualche modo aveva promosso la carriera, l’ha sostituito nell’immaginario popolare.
Il cinema, quello vero, è celebrato nel bianco e nero di una fotografia smagliante ed accaldata, nella maestosità patrizia degli studios, nel buio delle sale riempite dal pubblico trepidante, nell’ansia dei set in attesa del prossimo ciack.
E poi attraverso la performance di un attore in stato di grazia, sempre in bilico tra lo charme del tombeur de femme, capace di conquistare una donna con il magnetismo dello sguardo, e l’istrionismo del guitto di lunga gavetta, abile nel ballo – strepitosa la chiusa finale a celebrare la coppia Fred Astaire e Ginger Roger con un tip tap eseguito in coppia con l’altrettanto disinvolta Bejo – così come in un avanspettacolo di finezza sopraffina riassunto in modo esemplare nella guasconeria con cui Valentine attira su di sé le attenzioni del pubblico al termine di una proiezione .
E’ lui insieme ad un regista, Michel Hazanavicius, capace di annullare il tempo amalgamando un caleidoscopio di invenzioni, straordinaria quello dell’incubo del protagonista per lo straniamento prodotto dall’improvvisa irruzione del sonoro in un esistenza abituata a farne a meno, e di citazioni, a consentire al film di entrare nella lista degli indimenticabili. In tempi come questi una rarità da non lasciarsi sfuggire.

Real Steel- Cuori d'acciaio

2011-12-12T06:53:00.002+01:00

"Real Steel" è un film circoscritto all'interno di un universo maschile. Anche il robot, Atom, nelle sue caratteristiche morfologiche e di potenza non sembra fare eccezione. Con lui ci sono un padre ed un figlio, costretti a condividere la vita dopo l’improvvisa morte della madre. Amore a tempo determinato, quanto basta per aspettare il ritorno dei parenti, al quale il piccolo è stato affidato per indisponibilità paterna. A rompere gli indugi la necessità di guadagnarsi da vivere attraverso gli incontri di Robot boxe, la disciplina che nel 2020 ha sostituito gli esseri umani con le macchine. Ad attenderli ci sarà addirittura la scalata al titolo mondiale, con la possibilità di affrontare l’invincibile detentore.
Costruito su una progressione che assomiglia ad un videogioco, con difficoltà destinate a crescere con il passare dei minuti, e caricato di un immaginario che fa coincidere il riscatto sportivo con quello personale, alla maniera di film come Rocky ed ancor più Over the top - ricordato da vicino non solo nella replica del contesto familiare, anche lì privato della figura materna, ma anche per le somiglianza tra i personaggi interpretati in questo da Hugh Jackman ed allora da Silvester Stallone - Real Steel aspira ad essere qualcosa di più rispetto ad un intrattenimento al passo con le mode del momento, quella dei robot mutaforme alla maniera dei Transformers.
Prodotto da Steven Spielberg ed ispirato ad un racconto di Tim Matheson (I’m legend), il film è in realtà un storia di formazione che, attraverso le difficoltà ed anche i pericoli che padre e figlio si troveranno ad affrontare, riesce a parlaci della precarietà dei rapporti familiari, ma anche della possibilità del singolo di cambiare la propria vita. Lasciando che lo spettacolo faccia il suo corso in maniera routinaria nei combattimenti che scandiscono la strada di avvicinamento all'incontro decisivo, il regista Shawn Levy si preoccupa di costruire un contraltare psicologico ed emozionale lavorando sulle performance attoriali e sull’empatia dei personaggi.
Ed è proprio la capacità di rendere credibile la progressiva presa di coscienza del padre rispetto alle proprie responsabilità, e nel bisogno d’amore soddisfatto dal bambino nel rapporto con il robot, da lui trasformato in un compagno di giochi - ad un certo punto la macchina da presa soffermandosi sul primo piano di Atom sembra quasi adombrare l'ipotesi di una coscienza - a ristabilire gli equilibri di un prodotto che accontenta anche il cuore. In questo senso il film riesce anche a supplire l’impiego ridotto della componente femminile ed in particolare di Evangeline Lilly, ancora alla ricerca di una dimensione cinematografica e qui impegnata in una performance ridotta a poche battute. Nulla a che vedere con quelle ben più corpose dei suoi colleghi, impegnati a dar fondo alle proprie risorse, anche fisiche, offerte dai rispettivi ruoli. Il finale lascia intendere ulteriori seguiti.
(pubblicata su Roma giorno e notte.it)

MOSSE VINCENTI

2011-12-09T14:40:00.001+01:00

MOSSE VINCENTI
Trama: Mike, avvocato con famiglia a carico è in grossa crisi economica.
Mike (Paul Giamatti), è un avvocato con il conto in rosso che nel tempo libero fa l'allenatore di una squadra di giovani lottatori.
Per sbarcare il lunario, senza rivelare nulla alla moglie Jackie (Amy Ryan), decide di assumere la custodia di Leo (Burt Young) per intascare l'assegno mensile pari a 1500 dollari.
Un giorno si presenta Kyle ( Alex Shaffer ), tormentato e problematico nipote dell'anziano, in fuga dalla madre tossicodipendente (Melanie Linskey).
Kyle si rivela essere un ottimo lottatore, e risolleverà le sorti della debolissima squadra allenata da Mike.
Ma quando la madre di Kyle, uscita dalla clinica per tossicodipendenti raggiungerà il figlio e il padre, la vita della famiglia di Mike verrà sconvolta e gli eventi faranno precipitare l'avvocato in una situazione molto pericolosa per il suo futuro professionale.
Mosse Vincenti è l'ennesimo film sui quarantenni incapaci di gestire le difficoltà, mai abbastanza maturi per affrontare le situazioni difficili e che si rifugiano con entusiasmo bambinesco in cose apparentemente futili, con l'aggiunta, attualissima, della crisi economica in cui ogni mezzo per racimolare denaro indirizza le relazioni tra le persone.
Thomas McCarthy è tra i registi indie americani più talentuosi ed è bravo ad immergerci nella provincia americana, a delineare le psicologie dei personaggi e confezionare una buona commedia amara, ma il suo lavoro, in alcuni tratti, manca di anima e soprattutto dinamicità, ovvero, tutto quello che lo spettatore si aspetta, accade puntualmente.
Ottimo, come sempre, Paul Giamatti.
In concorso al 29° Torino Film Festival.

Film in sala dal 9 dicembre 2011

2011-12-08T08:16:00.000+01:00

Almanya - La mia famiglia va in Germania
(Almanya - Willkommen in Deutschland)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Germania
REGIA: Yasemin Samdereli

Ligabue - Campovolo 2.0
(Ligabue - Campovolo 2.0)
GENERE: Documentario, Musicale
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA:

Cambio vita
(The Change-Up)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: David Dobkin

Mosse vincenti
(Win Win)
GENERE: Commedia, Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Thomas McCarthy

The Artist
(The Artist)
GENERE: Commedia, Drammatico, Sentimentale
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Francia
REGIA: Michel Hazanavicius

1921- Il mistero di Rookford

2011-12-07T17:44:00.005+01:00

1921- Il mistero di Rookford

Inizialmente la cosa più evidente è la distanza. Della protagonista, una donna che nasconde il proprio dolore in uno scetticismo pragmatico, fatto di impostori da smascherare e tesi da confutare – Florence è una cacciatrice di fantasmi - dai suoi interlocutori, faticosamente ma comunque calati anima e corpo nelle credenze da cui lei li vuole liberare, tra il paesaggio urbano della Londra di inizio 900 da cui prende le mosse la vicenda, e quello brumoso di Rookford dove si trova l’istituto per orfani in cui la protagonista cercherà di confutare la connessione tra la morte di un bambino e le apparizioni di una misteriosa presenza. Ma soprattutto nello iato tra la conferme inseguite da Florence con il pretesto dell’indagine e la verità che invece verrà a scoprire come conseguenza di quell’azione.

In mezzo, tra l’inizio e la fine c’è una ghost story sviluppata secondo i canoni del genere a cominciare dalla cornice in cui si svolge la vicenda, il countryside inglese tradizionalmente depositario di una cultura abituata a confrontarsi con il soprannaturale , d’altronde l’inventore del romanzo gotico Horace Walpole era proprio di quelle parti, l’ambientazione, una haunted house identificata con la residenza di un antica e nobile famiglia inglese, corredata di tutti gli accessori del caso, dal fantasma opportunamente dilazionato per meglio spaventare, agli interni dislocati in modo da conservare sempre una bella dose di mistero, ed un’eroina attrezzata di tutto punto – i marchingegni per acciuffare l’ineffabile disturbatore hanno la capacità di valorizzare una modernità d’altri tempi – e dal carattere di ferro, quasi un'antesignana della Ellen Ripley di "Alien"
Indispensabili per organizzare le spettacolo, questa caratteristiche non servirebbero allo scopo, in un film del genere riferibile esclusivamente al tasso di spavento ed adrenalina provocato allo spettatore, se in cabina di regia non ci fosse un regista capace di saperle amalgamare.
Ed è proprio l’equilibrio delle dosi, di ciò che appartiene al fantastico, nelle sue fantasmagoriche manifestazioni, e di quello che invece rappresenta il fattore umano, la costruzione psicologica dei personaggi ed il plausibile sviluppo delle loro azioni, ad assicurare il funzionamento di un film che è anche la storia di un umanità ripiegata in un dolore sordo e paralizzante.
Nick Murphy lavora in economia, un'unica location ed effetti speciali ridotti al minimo nell'intenzione di agire sull’inconscio dello spettatore, alternando la stilizzazione delle immagine (la fotografia desaturata con prevalenza di grigi e neri e la capacità di comporre l’inquadratura valorizzando il rapporto tra lo spazio e le figure) con riprese attaccate al volto della protagonista per restituirne le emozioni.
Per Rebecca Hall, attrice versatile ed alquanto sfumata, il ruolo di Florence potrebbe essere quello della definitiva consacrazione.

MIRACOLO A LE HAVRE

2011-12-06T07:35:00.000+01:00

MIRACOLO A LE HAVRE
regia di Aki Kaurismaki

Il lustrascarpe Marcel Marx (Andrè Wilms) vive di stenti con l'amata moglie Arletty (Kati Outinen) in un poverissimo quartiere di Le Havre.

Dopo il ricovero in ospedale della moglie, a cui viene diagnosticato un tumore, Marcel incontra l'impaurito Idrissa (Blondin Miguel) ,un ragazzino del Gabon fuggito dal suo Paese su un container per raggiungere la madre che vive a Londra.

Sapendo che il ragazzino è ricercato dalla polizia, Marcel decide di nasconderlo nella sua casa chiedendo l'aiuto degli altri abitanti del quartiere.

La denuncia di un vicino di casa metterà nei guai il generoso lustrascarpe.
Clochard, perdenti, diseredati, ultimi, taverne fumose, bar di periferia, squallide botteghe.

I personaggi e i luoghi del cinema tabagista ed alto tasso alcoolico del maestro finlandese tornano, dopo quasi un lustro, in questa pellicola ambientata in Normandia.

Il cinema splendidamente surreale di Kaurismaki vira sulla favola senza rinunciare a raccontare storie dense di dramma e solitudine con l'aggiunta (questa è la grande novità) della speranza.

Al centro del racconto ci sono gli argomenti classici del regista : il lavoro, lo sfruttamento, l’emarginazione, le lotte di classe, la povertà, la dignità degli ultimi.
La maturità e la consapevolezza linguistica di Kaurismaki, le geometrie che soffocano gli statici protagonisti nell'inquadratura e la stilizzazione estrema, impressionano per forza ed efficacia e fanno di Miracolo a Le Havre un film maturo e pregno di indignazione, che il regista finlandese racconta con tono sommesso, sguardo poetico e soprattutto senza traccia di buonismo.

Probabilmente con Miracolo a Le Havre, la maniera di fare cinema di Kaurismaki raggiunge l'esempio più alto; i dialoghi sono ridotti al minimo, i personaggi non hanno nessuna vigoria fisica e sono, se possibile, ancora più statici del solito, tanto da sembrare in parecchie inquadrature attori di fotoromanzi, con lo spettatore che attende da un momento all'altro la comparsa della nuvoletta con impressa la scritta della frase pronunciata.
Che a Kaurismaki questo mondo non piaccia granché e che riponga pochissima speranza nel genere umano è cosa risaputa, ma in questa pellicola, l'autore scandinavo lascia spazio alla speranza o meglio al miracolo.

Un miracolo (una rivoluzione) da affidare al suo protagonista (che non a caso si chiama Marx), e i suoi amici ,che pur passando ore a bere e fumare in squallidi bar, al momento opportuno, sanno benissimo con chi schierarsi senza tentennare un attimo, perfettamente coscienti delle sembianze del nemico.

Ovviamente imperdibile.

Film in sala dal 2 dicembre 2011

2011-12-01T08:13:00.000+01:00

1921 - Il mistero di Rookford
(The Awakening)
GENERE: Horror, Thriller
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Gran Bretagna
REGIA: Nick Murphy

Cani di paglia
(Straw Dogs)
GENERE: Thriller
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Rod Lurie

Il giorno in più
(Il giorno in più)
GENERE: Commedia, Sentimentale
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Massimo Venier

La cosa
(The Thing)
GENERE: Fantascienza, Horror
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Matthijs van Heijningen Jr.

Le nevi del Kilimangiaro
(Les neiges du Kilimandjaro)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Francia
REGIA: Robert Guediguian

Lo schiaccianoci 3D
(The Nutcracker in 3D)
GENERE: Azione, Musical, Fantasy, Family
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Gran Bretagna, Ungheria
REGIA: Andrei Konchalovsky

Midnight in Paris
(Midnight in Paris)
GENERE: Commedia, Romantico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Woody Allen

Napoletans
(Napoletans)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Luigi Russo

Midnight in Paris

2011-11-29T06:31:00.003+01:00

L’americano in terra straniera è stato un tema che ha attraversato la letteratura di quelle parti, ed anche il cinema non ha disdegnato l’argomento, traendolo a sua volta dalla pagina scritta oppure reinventandolo a secondo delle diverse esigenze. Fatto sta che l’incursione di Woody Allen a Parigi con una coppia di turisti in viaggio di piacere e di lavoro, se è vero che il personaggio principale è uno sceneggiatore in cerca di spunti per la stesura del suo primo romanzo, pur essendo in linea con il cineturismo del regista americano non è una novità sul piano cinematografico, per la presenza di un altro film omaggio come Tutti dicono i love you, ambientato quasi interamente nella capitale francese.

Trattandosi di Woody Allen c’era comunque la speranza di una boccata d’aria fresca, non fosse altro per l’effervescente fantasia a cui ci ha abituato il regista di Manhattan. Ed invece, partendo da uno spunto interessante, basato su quel misto di nostalgia e fascinazione per un tempo, la belle epoque, ed una generazione, quella cosidetta “perduta”, tanto irripetibili quanto agognate da chiunque associ la creazione artistica all’esistenza bohemiene, Midnight in Paris si risolve con una storia divisa in due parti, quella reale, al seguito della coppia e delle sue differenze temperamentali, e quella fantastica, vissuta dal novello romanziere che allo scoccare della mezzanotte si ritrova magicamente immerso nella ronda culturale che attraversò la Parigi a cavallo degli anni 20/30. E se la prima assume subito una funzione comprimaria, preparando personaggio e spettatore ad una meraviglia che nasce anche dallo scarto con la prosaicità della vita ordinaria, è la seconda a non reggere il confronto con le aspettative di chi guarda.
Lo stupore di Gil (intrepretato da un Clive Owen in versione intellettuale), condiviso per i primi momenti, diventa successivamente un giochino prevedibile per la sfilata di personaggi/cameo, intepretati dall’attore di turno con performance mimetiche vicine alla maniera (si pensi al Dalì di Adrian Brody ma anche all’Hemingway di Corey Stoll ma si potrebbe continuare) il cui solo pregio è quello di ricordarci la prolificità di una stagione artistica irripetibile, ma che lascia l'amaro in bocca sul piano complessivo, per un allestimento che non va oltre l’aneddoto.

Se a questo si aggiunge anche la meccanicità con cui le due dimensioni di intersecano fra loro, risolta dal passaggio che Gil riceve di volta in volta dalla star di turno, si capisce come Midnight in Paris non sia in grado di sostenere la meraviglia dell’incipit. Un Allen al lumicino quindi, nonostante il ritorno a tempi più personali come quello dell’artista incompreso e frustrato, sempre alla ricerca di una dignità e di un accettazione di cui sente la mancanza, ma soprattutto della dicotomia tra la vita sognata e quella reale. Una versione che magari accontenterà il box office mai così generoso nei suoi confronti, ma che non mancherà di lasciare indifferenti, e questo sia detto senza commettere atti di lesa maestà nei confronti di un autore impareggiabile.
(pubblicata su Roma giorno e notte.it)

Scialla (stai sereno)

2011-11-25T09:11:00.002+01:00

Bruno e Luca sono costretti ad una convivenza ravvicinata. Lui è un uomo disilluso che ha smesso di insegnare ed ora fà il ghost writer di autobiografie di personaggi dello spettacolo, l'altro uno studente di liceo un pò svogliato e con la fissa della box. Inizialmente ciò che li unisce è la simpatia di chi riconosce nell'altro una persona fuori dagli schemi, successivamente la scoperta di essere padre e figlio. Francesco Bruni esordisce con una storia che in parte riprende luoghi già affrontati come sceneggiatore dei film di Daniele Virzì: Roma innanzitutto, indagata nella sua dimensione gergale e giovanile (Caterina và in città) e poi il senso di sconfitta sparso a piene mani tra i personaggi della storia (N- Io e Napoleone) e della finzione, ed anche una certa contrapposizione tra cultura alta e bassa, qui raffigurata dalla figura dell'attempato protagonista alle prese con un mondo che può fare a meno dei libri e delle scuole, come quello di Tina, la pornostar di cui Bruno si sta occupando, felicemente di successo per ragioni diametralmente opposte.

Diviso in un prima e dopo generato dalla scoperta del legame famigliare, Scialla è un film sull'importanza dei valori familiari, inizialmente negati dalla deriva esistenziale di Bruno, refrettario a qualsiasi contatto che non sia giustificato da motivi mercantili (le svogliate ripetizioni rifilate a studenti poco interessati) e poi ribaditi dal risveglio affettivo e dalla vigoria fisica con cui lo stesso inizierà ad occuparsi dell'istruzione del figlio. Motivi che Bruni traduce con una velata malinconia che si stempera in momenti di lirismo metropolitano, come quelli in cui la telecamera segue gli spostamenti cittadini dei protagonisti in sella al motociclo (Moretti docet), oppure in una serie di situazioni, tra l'ironico ed il divertente, come quelle relative alle conversazioni tecniche in cui la pornostar spiega allo scrittore i segreti del mestiere, oppure agli sfottò tra il professore ed padroni del bar da lui frequentato. Il rischio è quello di ridurre il mondo ad un aneddoto, cosa che a volte succede (i siparietti con il bidello che non perde occasione di ricordare a Luca l'esatta definizione del suo lavoro, oppure il boss a cui Luca ruba la droga che obbliga i suoi scagnozzi a serate da cineforum con la visione di film come "I 400 colpi"); di fare un apologia su una generazione, quella sessantottina, rappresentata da Bruno, colpevole di non saputo dare seguito ai propri ideali, ma comunque da salvare per averci almeno creduto. Peccati veniali riscattati ampiamente da un umanita profusa a piene mani nel personaggio di Bruno, a cui Bentivoglio dona un amabilità sgualcita ma assolutamente sincera, interamente risolta da una recitazione che negli ultimi film stava diventando un cliche e che qui invece si riscalda con il fuoco della vita. Non gli è da meno l'esordiente Scicchitano, l'altro esordiente del film.

UNA SEPARAZIONE

2011-11-24T09:24:00.002+01:00

UNA SEPARAZIONE
regia di Asghar Faradhi
(Iran 2010)

Siamo nell' Iran dei nostri giorni. Simin (Leila Hatami) ha deciso di separarsi dal marito Nader (Peyman Moaadi).
La donna, già in possesso del permesso di espatrio, ha intenzione di lasciare il Paese con la figlia, l’uomo però, non vuole abbandonare il padre (Ali-Asghar Shahbazi) malato di Alzheimer.
Quando Simin si trasferisce dalla madre, Nader assume Razieh (Sareh Bayat), donna molto religiosa, per assistere il genitore malato.
Ogni volta che ci si trova davanti ad una recensione di un film iraniano, ci si imbatte nella solita frase: "..il regista è bravo ad aggirare la censura.." cosa che, sono sicuro, è capitato anche nel caso di Una Separazione.
La mia domanda è: perché il cinema iraniano deve essere obbligatorimente politico-rivoluzionario-antiregime? perché non può essere semplicemente buon cinema?
Buon cinema come Una Separazione di Asghar Faradhi che, nonostante lo si voglia inquadrare nel solito clichè, non è un film che tratta questioni apertamente politiche e quindi, il suo autore non ha bisogno di inventare stratagemmi o compiere un triplo carpiato per aggirare le maglie della censura.
Faradhi, costruisce il suo film con i volti, i gesti e soprattutto le parole.
Il regista iraniano è bravo a cambiare continuamente punto di vista su quanto accade e ogni volta che si presenta la possibilità di un qualsiasi svelamento, fa marcia indietro, alimentando la curiosità dello spettatore che già è stato privato della visione dell'evento cruciale della storia che ha avuto luogo fuori campo.
Una Separazione, in alcuni frangenti, potrà sembrare eccessivamente dilatato, anche se mai noioso.
Da vedere e rivedere (e ascoltare) due sequenze: quella iniziale, dove l'inquadratura è una soggettiva del giudice delegato a decidere sull'istanza di separazione, e quella rigurdante la telefonata che la badante effettua presso l'ufficio preposto per chiedere se può cambiare la biancheria intima all'anziano che assiste.
Film trionfatore all’ultimo festival di Berlino dove oltre all’Orso d’Oro come miglior film, ha anche vinto quelli d’argento eccezionalmente assegnati all'intero cast maschile e femminile.
Una separazione è film prezioso assolutamente da vedere.

Film in sala dal 25 novembre 2011

2011-11-24T08:36:00.001+01:00

Anche se è amore non si vede
(Anche se è amore non si vede)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Salvatore Ficarra, Valentino Picone

Happy Feet 2
(Happy Feet Two)
GENERE: Animazione, Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Australia
REGIA: George Miller (II)

Inti-Illimani: Dove cantano le nuvole
(Donde las nubes cantan - Inti-illimani)
GENERE: Documentario, Musical
ANNO: 2007
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Francesco Cordio, Paolo Pagnoncelli

Miracolo a le Havre
(Le Havre)
GENERE: Commedia, Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Germania, Francia, Finlandia
REGIA: Aki Kaurismäki

Real Steel
(Real Steel)
GENERE: Azione, Drammatico, Fantascienza
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Shawn Levy

Tower Heist: colpo ad alto livello
(Tower Heist)
GENERE: Azione, Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Brett Ratner

Tower heist

2011-11-21T23:35:00.006+01:00

Tower heist

Tra Commedia ed action movie, il nuovo film di Brett Ratner è un puzzle di icone e situazioni cinematografiche: la struttura innanzitutto, imperniata su un colpo impossibile, quello architettato dagli impiegati di un lussuoso condominio (The Tower) ai danni di un losco finanziere che si è impossessato dei loro risparmi.
E poi il suo sviluppo, suddiviso in tre parti con un prologo utilizzato come introduzione ed amalgama dei personaggi seguito dalla pianificazione e dallo svolgimento della rapina.
Ad idearlo è Josh Kovacs, un ottimo Ben Stiller, leader per caso di una banda di improvvisati malviventi a cui si aggrega in qualità di consulente Slide (Eddie Murphy), appena uscito di prigione.

Il modello di riferimento è quello di "Ocean Eleven", ripreso nell'apparente improvvisazione di un meccanismo, fuori e dentro al film, perfettamente oliato, ma anche in uno sviluppo che non perde mai di vista il ritmo, scandito non solo dall'obiettivo del regista sempre aperto ad evitare situazioni claustrofobiche con aperture che evidenziano lo spazio della scena e la coralità dell'azione, ma anche da una sceneggiatura capace di alternare i toni - dalle spacconerie di Eddy Murphy all'esistenzialismo della poliziotta disillusa interpretata da Tèa Leoni, passando per la canagliesca arroganza di Alan Alda nel ruolo del cattivo - senza perdere di vista il divertimento e la dialettica.

In secondo ordine ed alla maniera de "I soliti ignoti", il fatto di giocare sull'immaginario dello spettatore, avvicinato dal fatto di rivedersi tale e quale sullo schermo, con le inadeguatezze della propria vita riprodotte in un proposito, quello a cui l'impresa è finalizzata, sproporzionato alle proprie forze.
Non mancano neanche i riferimenti all'attualità, con la presenza di speculazioni finanziarie fraudolente e datori di lavori pronti a licenziare su due piedi. Ma la drammaticità che ne deriva è solo un pretesto per giustificare a priori l'operato della stravagante sodalizio.
Finalizzato da un cast all star capaci di rinunciare ai propri vezzi attoriali, "Tower heist" non mancherà di divertire persone di ogni età per la sua voglia di rivincita nei confronti del mondo.

The Twilight Saga: Breaking Dawn - Parte 1

2011-11-20T00:14:00.004+01:00

The Twilight Saga: Breaking Dawn - Parte 1

Andamento sinusoidale. Nello sviluppo della saga d'amore e vampirismo ormai alla quarta puntata, quest'ultima si inserisce pienamente in una tendenza che, nel corso dei vari episodi ha evidenziato un discontinuità, tanto nelle scelte del registro stilistico, quanto nella qualità finale del prodotto. Infatti, pur mantenendo inalterata la centralità di temi, che nella tormentata storia d'amore tra Bella ed Edward riflettono non solo le aspettative emozionali di una tribù di giovanissimi alla disperata ricerca di valori e di certezze - ed in questo la celebrazione del matrimonio le soddisfa entrambe - ma anche lo spirito dei tempi - nella contrastata ricomposizione delle diversità, non solo quella biologica dei due giovani, ma anche nelle alleanze estemporanee tra licantropi e vampiri - l'epopea continua cambiare pelle.
Dopo l'indipendenza di "Twilight" (2008), il narcisismo di "New Moon" (2009), ed i brividi di "Eclipse" (2010), è la volta del conformismo di "Breaking Dawn", prima tranche di una conclusione dilazionata con una seconda uscita programmata per il prossimo anno, e qui messa in moto da una serie d'eventi, il matrimonio dei promessi sposi, la gravidanza di Bella, ed il tentativo dei licantropi di uccidere il nascituro, che gettano le basi per un finale con i fuochi d'artificio. Una prospettiva stimolante, per il momento costretta a fare i conti con un preludio banalizzato dalla contabilità delle strategie produttive, e dall'arte di un regista, al tempo di "Demoni e Dei" fieramente indipendente, ma oramai sottomesso a questo tipo di logiche.

Che il compito non fosse facile si sapeva in anticipo: da una parte le aspettative di uno stuolo di appassionati attentissimi al rispetto delle fonti, e per questo poco disposti ad accettare interpretazioni eterodosse, dall'altra le esigenze dei produttori desiderosi di allungare il brodo per ragioni di moneta.
In più la schematicità della trama, rigidamente imperniata su due momenti successivi, il matrimonio prima, la gravidanza poi, sviluppati allo specchio, nella loro commistione tra dimensione individuale, resa ansiogena da complicazioni connaturate alla natura eccezionale di quel legame, e collettiva, con la celebrazione della famiglia allargata (unico nucleo di possibile convivenza) e dei suoi rituali, ampiamente rappresentati nelle frasi di rito e nei modi di circostanza manifestate dai parenti e dagli amici della coppia, utilizzati per ricondurre gli eccessi di una vicenda strutturalmente anomala nel recinto della tradizione e della correttezza politica.
Bill Condon ci mette però del suo con un linguaggio cinematograficamente anonimo, in cui la bidimensionalità delle inquadrature, realizzate con riprese prive di un minimo di profondità, e la piattezza del montaggio, usato senza alcuna funzione di senso ma solamente nel suo meccanico accumulare, si riflettono sulla vicenda, e soprattutto nelle psicologie dei personaggi, riducendone di molto la portata, relegandoli ad un ruolo puramente figurativo, esauriti nel riflesso della propria immagine; figurine di un album sfogliato più per abitudine che per reale urgenza.
Ed anche sul piano meramente estetico, il film non rende un buon servizio al divismo degli attori, Kristen Stewart e Robert Pattinson, alle prese con una crescita anagrafica che si riversa sulla freschezza delle loro espressioni, eternamente giovani nella memoria filmica, ed invece alterate sullo schermo dai mutamenti fisiologici, palesemente rivelati quando la telecamera si avvicina ai loro volti senza adeguarsi all'avvenuto cambiamento. Una mancanza che diventa il segno di un film troppo sicuro di sé, adagiato sulle ali di un consenso derivato dal solo fatto di esistere.
Ma di questo e degli eventuali consuntivi ci sarà modo di riparlare.

(pubblicata su ondacinema.it)

Torino Film Festival [dal 25-nov al 3-dic 2011]

2011-11-19T10:59:00.004+01:00

Dal 25 novembre prossimo al 3 dicembre la città di Torino ospiterà la 29° edizione del Torino Film Festival, kermesse cinematografica alla cui guida da alcuni anni figura il regista Gianni Amelio, affiancato dalla giornalista e scrittrice Emanuela Martini e da un folto team di esperti in gran parte proveniente dal gruppo editoriale di Film Tv.

Una delle retrospettive del Festival è dedicata al regista Robert Altman.
Il festival presenterà gli oltre quaranta lungometraggi diretti da Altman per il cinema e la televisione e una selezione delle serie televisive firmate dall’autore in cinquant’anni di carriera.
La retrospettiva, curata da Emanuela Martini e corredata da un volume di saggi e testimonianze edito dal Castoro, sarà preceduta da un’ampia mostra fotografica allestita negli spazi del Museo Nazionale del Cinema alla Mole Antonelliana.

E' invece il regista francese Eugène Green il protagonista dell'Omaggio della sezione "Onde".
Eugène Green sarà a Torino per accompagnare l'integrale della sua opera cinematografica, a partire dal suo film d'esordio, Toutes les nuits (2001, Premio Delluc Opera Prima) sino alla Religiosa Portuguesa (in Concorso a Locarno nel 2009).

Rapporto confidenziale, la sezione monografica del Torino Film Festival, è dedicata al cinema di Sion Sono, l’eccentrico, poeta, romanziere e cineasta giapponese che partecipa alla Quinzaine des realizateurs con Guilty of Romance.

Film in sala dal 18 novembre

2011-11-17T08:33:00.000+01:00

The Twilight Saga: Breaking Dawn - Parte 1
(The Twilight Saga: Breaking Dawn - Part 1)
GENERE: Horror, Thriller, Fantasy, Sentimentale
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Bill Condon

Anonymous
(Anonymous)
GENERE: Drammatico, Storico, Thriller
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Germania, Gran Bretagna
REGIA: Roland Emmerich

Il Buono, il matto, il cattivo
(The Good, the Bad, the Weird)
GENERE: Western
ANNO: 2007
NAZIONALITÀ: Corea
REGIA: Kim Jee-woon

Il mio angolo di paradiso
(A Little Bit of Heaven)
GENERE: Commedia
ANNO: 2010
NAZIONALITÀ: USAjavascript:void(0)
REGIA: Nicole Kassell

Scialla!
(Scialla!)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Francesco Bruni

Pina 3D

2011-11-16T09:05:00.008+01:00

PINA 3D
regia di Wim Wenders

Pina Baush è stata tra le più importanti e note coreografe mondiali di balletto.
Nata nel 1940 e da poco scomparsa (2009), Pina Baush è legata al teatro-Danza, termine adottato negli anni '70 da alcuni coreografi tedeschi per indicare una forma d'arte diversa dal balletto e dalla danza moderna e che include elementi recitativi.

Nel 1973 fondò il "Tanztheater Wuppertal Pina Bausch", il corpo di ballo per il quale curò personalmente corografie e formazione. I suoi spettacoli riscossero fin da subito grande successo, con riconoscimenti in tutto il mondo. Pina rivoluzionò il balletto, diede ad esso un nuovo codice espressivo ed una nuova forza. Il balletto diventò vita reale, forza e fragilità, trasformazione.

"La novità del suo lavoro non consiste tanto nell'invenzione di nuove forme e nuovi gesti, da riprodurre uguali a se stessi, quanto nell'interpretazione personale della forma che si vuole rappresentare, entrambe sostenute dal concetto basilare del rapporto (che è della danza così come di ogni forma di vera arte) tra fragilità e forza .
Un altro elemento di novità è costituito dall'interazione tra i danzatori e la molteplicità di materiali scenici di derivazione strettamente teatrale - come le sedie del Café Müller - che la Bausch inserisce nelle sue composizioni.
Da citare anche il rapporto interpersonale che seppe sempre intracciare coi suoi allievi, basato su un rapporto di reciproco rispetto e di affetto mai gridato ma profondissimo. " (da Wikipedia)

L'intenso ed emozionante documentario di Wim Wenders, Pina, mette in scena le testimonianze dei ballerini che hanno lavorato negli anni con Pina Baush. I loro ricordi ricostruiscono il profilo di Pina Baush e ciò che lei è stata per loro e per il mondo dello spettacolo.
Pina vive ancora oggi nelle coreografie che i suoi danzatori portano avanti e sviluppano, vive nella vita di coloro che ne portano avanti il messaggio umano ed artistico.

Un corpo di ballo, quello di Baush, che divenne presto una famiglia, un luogo franco dove trovare un nuovo linguaggio per sè e per esprimere l'inesprimibile, per ritrovare la propria voce.
I ballerini, emozionati, commossi, molto partecipi al progetto, offrono loro stessi ed i loro ricordi per omaggiare una delle più innovative artiste della danza contemporanea.
Il corpo possiede un proprio linguaggio che non ha necessità di parole. Le loro tstimonianze sono ora ricordi ora stralci di danza, movimenti e colori.
Alle tante e toccanti testimonianze si alternano momenti di ballo ed estratti di interviste a Pina Baush.

Assai apprezzabile il lavoro di Wenders che ancora una volta riesce a sposare, con discrezione e originalità, la propria creatività e il proprio acume alla profondità espressiva delle coreografie della Baush ed alla intensità umana dei protagonisti.

Consigliato a tutti. Non importa se non si è preparati in fatto di danza o teatro, questo doc saprà stupirvi e regalarvi emozioni lucide e violente, che arriveranno al cuore senza passare della parola.

Non sappiamo spiegarci i motivi ma molte emozioni ci nascono in cuore portandoci consapevolezza profonda.
Pina Baush comprese questo magico meccanismo e scelse la via diretta del corpo e delle tante forme di comunicazuine alternative alla parola per mettere in scena le proprie opere.

magia della vita.

Pina Baush riuscì a dare un nuovo linguaggio a ciò che nella parola non può essere espresso.

Festival internazionale del film di Roma: Incontro con Michael Mann

2011-11-15T08:56:00.002+01:00

L'incontro con uno dei maestri del cinema contemporaneo ci consegna il ritratto di un uomo concreto, disponibile ma determinato a portare avanti un discorso cinematografico che non può prescindere dal reale

Tra gli eventi speciali della Mostra del cinema internazionale del film di Roma il fiore all'occhiello è stato sicuramente la lezione di cinema di Michael Mann, curata e presieduta da Mario Sesti ed Antonio Monda, amanti prima che esperti di cinema americano. L'occasione è stata un modo per conoscere un cineasta che anche sul palco dell'Auditorium ha confermato la sua fama di uomo concreto, disponibile ma determinato a non lasciarsi coinvolgere troppo da interpretazioni che negli anni hanno esaltato i suoi film come oggetti di avanguardia dal punto di vista tecnico e metacinematografico. Alla pari di qualsiasi altro lavoro anche quello del regista, dice Mann, è un mestiere che non può sottrarsi al rigore delle sue regole. Ed essendo, in questo caso, il risultato di una speculazione strettamente legata agli elementi del reale ne consegue una riproduzione trasfigurata quel tanto che basta per fare spettacolo senza tradire l'origine della sua natura. Va sicuramente in questa direzione la scena della guerriglia urbana di "Heat - La sfida" (1995), generalmente esaltata per la sua iperbolica rappresentazione, ed invece frutto, secondo Mann, di un'abitudine violata dall'arsenale militare utilizzato dalla banda di Neil McCauley, a cui i poliziotti, anche quelli reali, non sarebbero abituati. E' l'addestramento quotidiano, le tattiche di combattimento diventate oggetto di studio nelle aule universitarie, la costruzione di un set organizzato come fosse un campo militare a renderlo orgoglioso. Un lavoro certosino, quasi monacale che Mann afferma nella scelta del brano che apre l'evento, un sequenza tratta dal suo film d'esordio "Strade violente" ("The Thief", 1981), in cui lo spettatore è chiamato a seguire il pulviscolo impazzito di fiamme e di metallo provocato dalla fiamma ossidrica di Frank (James Caan) impegnato a forzare la cassaforte della banca che sta svaligiando. Un'esaltazione del gesto minuziosa ed insistente, anche in termini di minutaggio, tesa a prosciugare nella monotona descrizione della procedura le istanze più romanzesche del genere (l'heist movie) ed insieme a delineare, nell'accostamento tra la manualità dell'azione e la figura del protagonista, ripresa nello stacco successivo, la natura pragmatica di quella storia. Una propensione al reale doppiata dalla sequenza tratta da "Miami Vice" (2006), la rivisitazione del suo lavoro televisivo, ancora una volta imperniata sulla ripetizione del segno: in questo caso l'inquadratura dall'alto del natante che cavalca le onde per portare a compimento il destino di una relazione impossibile, quello tra l'agente della narcotici Sonny Crockett e di Isabella, la donna che sta sorvegliando e di cui si innamorerà. Anche qui la manifestazione dell'umano non può fare a meno di ricordarci le sue implicazioni materiali, con le scene della coppia ad aprire e chiudere lo spezzone, in un rapporto di dipendenza con la panoramica marina che esprime in un totale, fatto di acqua e motori, la fluida irruenza di quel legame.

E' impossibile ricavare il minimo compiacimento da un regista sempre pronto a rintuzzare i suoi interlocutori, come avviene quando Mario Sesti lo vorrebbe in qualche modo debitore di John Ford ("My Darling Clementine" è uno dei film preferiti dall'artista) ammirato ma non imitato dal regista americano, che risponde negativamente ad eventuali eredità provenienti da quella direzione, oppure nel rifiutare lo stile quale categoria adatta a riassumere le sue forme cinematografiche. Per Mann tutto si riduce ad una questione di sostanza: dalla scelta degli attori, spesso determinata dalla ricerca di un interpretazione che fosse frutto di una reazione ad un ruolo differente da quelli interpretati in precedenza - fu così per il Russel Crowe appena uscito da "Il gladiatore" e chiamato ad interpretare "Insider" (1999), Daniel Day Lewis, che gli studios ritenevano troppo gracile ed intellettuale per il ruolo di Hawkeye in "L'ultimo dei mohicani" (1992) e per Tom Cruise, il ragazzo della porta accanto trasformato in un killer freddo e spietato in "Collateral" (2004) all'uso del digitale, praticato per le possibilità di allungare la durata delle singole riprese, o per cogliere la profondità della notte losangeliana. E ancora, quando rispondendo a proposito del suo rapporto con i produttori afferma che quelli preferiti sono coloro che mettono a disposizione il budget e poi si tolgono dai piedi. Insomma, prima del regista, la lezione ci consegna un uomo che sa cosa vuole, e se lo prende, anche a costo di diradare la produzione filmica ("oggigiorno realizzare film richiede molto più tempo che nel passato"). E nel profluvio di applausi e di parole, la chiusa con il nuovo lascito del regista, il teaser dell'episodio che farà da apripista per una nuova serie televisiva targata Hbo, "Luck", una specie di "The Sopranos" ambientato nel mondo delle corse, dominato dalla presenza attoriale di due mostri sacri come Dustin Hoffman e Nick Nolte, ed una serie di progetti da realizzare per il cinema, tra cui una storia ambientata in un Medioevo ricostruito secondo una prospettiva interna a quel periodo. La consacrazione è ancora lungi dall'essere un commiato.

(pubblicata su ondacinema.it)

Quando la notte

2011-11-11T17:00:00.003+01:00

Due personaggi speculari:lei è una madre che non riesce a sentirsi tale, lui è stato il figlio di una donna in fuga. L'incontro è casuale, di quelli che nascono per ragioni contingenti. All'inizio è una questione formale, il tempo di mettersi d'accordo sull'affitto da pagare e sulle regole di buona convivenza. Lui è una guida alpina che affitta stanze ai villeggianti, lei un inquilina con un bambino da curare con una vacanza salutare. Poi quando lui è costretto ad intervenire per salvare il piccolo le cose cambiano. I silenzi diventano coltellate, le parole un plotone d'esecuzione. Un inquisizione reciproca che li metterà a nudo e li renderà simili. Fino a farli innamorare.

La Comencini realizza un film da camera, con le pareti della montagna al posto di quelle della stanza. Ed all'interno la struttura con i colori di un melodramma anomalo, simile ad una seduta psicanalitica. Elementi freudiani introdotti dalla soggettiva iniziale all'interno del tunnel, doppiata da quella finale, dello stesso tenore, e poi dall'utilizzo dell'elemento naturale come specchio degli stati dell'animo. La rabbia ed il rancore la riempiono di scene madri, l'amore, di una carnalità sublimata nell'amplesso rimandato. Tormento senza estasi che si inceppa quando c'è bisogno delle parole. I non detti sarebbero stati preferibili, come in un film muto. Con gli stessi attori, bravi, soprattutto la Pandolfi, avrebbe ottenuto un risultato migliore, e forse, evitato gli schiamazzi. La maternità non è necessariamente la cosa più bella che possa capitare. Con questa affermazione la Comencini credeva di assicurarsi un maledettismo di ritorno, le conseguenze invece è stata, a tratti, un ovvietà da sceneggiato televisivo. Potrebbe far comodo alla Rai, che il film l'ha prodotto.

Il mio domani

2011-11-10T15:53:00.004+01:00

Una donna immersa nell'abitudine dei propri gesti. Il lavoro, le mansioni domestiche, gli spostamenti comandati e quelli scelti per incontrare quello che resta di un'umanità ridotta all'osso: il padre, incattivito dalla vita e recluso in un esilio volontario, la sorella, madre precaria di un figlio problematico, ed un amante presente quel tanto che basta per ricordarsi la mancanza di un affetto vero, sincero. Sullo sfondo l'anonimato di una città senza speranza. Un ingranaggio tarato per funzionare all'infinito ma interrotto da una improvvisa dipartita. Da quel momento nulla sarà come prima; la guarigione deve passare per un grande dolore.

Marina Spada non cambia scenario: ancora una volta al centro del suo cinema c'è la solitudine e il tentativo di uscirne. Ed è nuovamente una donna, la dottoressa Marina Barbieri incaricata di curare i corsi di formazione per gli impiegati dell'azienda per cui lavora, il terminale su cui far confluire una poetica esistenziale imbastita su una serie di immagini/simbolo capaci di racchiudere l'essenza delle cose. I campi lunghi sulle camminate solitarie della protagonista come sintesi di un progressivo distacco da se stessa e dagli altri, e poi la scena finale su un paesaggio finalmente assolato - la luce opaca nella prima parte, luminosa nelle ultime sequenze risponde allo stesso principio - con l'obiettivo che si apre gradatamente su un insieme al quale la donna sembra finalmente appartenere, e nel quale si riconcilia con la propria esistenza; la panoramica su un cantiere che assomiglia a Ground Zero, con i palazzi ancora in nuce ma avviati a sostituire ciò che c'era prima, come proiezione di un nuovo domani in via di costruzione. Il vuoto che diventa opportunità di cambiamento. Predisposizione ad accogliere il nuovo dopo aver fatto tabula rasa di quello che c'era prima. Dalla rarefazione dialettica Marina Spada trova la forza del suo cinema; uno sguardo essenziale, diretto, invisibile. Non succede altrettanto quando le parole prendono il sopravvento. Quando bisogna scegliere tra una fede cieca che non porta felicità - quella del padre vissuto nel rancore nei confronti di una moglie che l'aveva abbandonato - ed il determinismo di un'esistenza senza Dio, incentrata su rapporti di causa-effetto inesorabili, manifesto di una filosofia, quella della protagonista, codificata nei briefing che Marina tiene al suo auditorio, e destinata ad entrare in crisi nel progressivo svolgersi della vicenda. E' qui che il film si irrigidisce, nel tentativo di spiegare l'evidente, di formulare teorie, di diventare insomma un oggetto praticabile. Un'opzione condivisibile ma in questo caso poco riuscita. Interpretato da una brava Claudia Gerini, intenzionata a riproporsi nel cinema d'autore (prossimamente anche nel nuovo film di Matteo Garrone) e per l'occasione disposta a sacrificare la sua naturale fisicità, "Il mio domani" , presente nel concorso ufficiale del festival internazionale del film di Roma, deve molto delle sue atmosfere alla musica di Paolo Fresu, jazzista sempre più spesso prestato al cinema.

Il titolo del film si riferisce ad un verso di Antonia Pozzi, poetessa suicidatasi in giovane età ed alla quale la stessa Spada aveva dedicato "Poesia che mi guardi", docufiction realizzato nel 2009.
(pubblicata su ondacinema.it)

film in sala dal11 novembre 2011

2011-11-10T08:22:00.000+01:00

Il cuore grande delle ragazze
(Il cuore grande delle ragazze)
GENERE: Sentimentale
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Pupi Avati
CAST: Micaela Ramazzotti, Cesare Cremonini, Andrea Roncato, Gianni Cavina

Immortals
(Immortals)
GENERE: Azione, Drammatico, Fantasy
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Tarsem Singh
CAST: Henry Cavill, Freida Pinto, Mickey Rourke, Kellan Lutz, Isabel Lucas, Luke Evans

Lezioni di Cioccolato 2
(Lezioni di Cioccolato 2)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Alessio Maria Federici
CAST: Luca Argentero, Angela Finocchiaro, Hassani Shapi, Nabiha Akkari, Vincenzo Salemme

Moneyball
(Moneyball)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Bennett Miller
CAST: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright, Kathryn Morris, Stephen Bishop

Take Me Home Tonight
(Take Me Home Tonight)
GENERE: Commedia, Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Germania, USA
REGIA: Michael Dowse
CAST: Anna Faris, Michelle Trachtenberg, Topher Grace, Lucy Punch, Teresa Palmer, Michael Biehn

VI edizione del Festival internazionale del film di Roma

2011-11-08T07:27:00.005+01:00

Il festival ai tempi della crisi: fra ristrettezze economiche e necessità organizzative il bilancio di una manifestazione che continua a scommettere sulla varietà delle sue proposte. E intanto è arrivata alla sesta edizione
Strangolato dagli opportunismi della politica e costretto a confrontarsi con due omologhi di consolidata tradizione, il Festival internazionale del film di Roma è riuscito ancora una volta a portare a casa il risultato grazie ad un impegno, dei responsabili e dell'organizzazione tutta, in grado di trasformare l'entusiasmo dei presenti in una festa cinematografica. Un'energia che ha riempito le sale, creato file interminabili, riscaldato il red carpet, frequentato da un divismo a scarto ridotto: segno dei tempi, ed insieme tendenza capace di riportare il cinema, quello vero, al centro dell'attenzione, con buona pace del gossip odaiolo.

E parlando di settima arte bisogna dire che anche quest'anno nella capitale se n'è vista parecchio, variamente sparpagliata tra concorso ufficiale e sezioni collaterali. In generale, se escludiamo quelle dedicate ai giovani ("Alice nella città") ed alla contemporaneità (i documentari di L'altro cinema/Extra) sicuramente le più interessanti per completezza e novità di sguardo, il festival si è distinto per la sua eterogeneità, di genere e di fruizione, alternando anche all'interno della stesso contenitore una varietà di opere veramente impensabile da altre parti. E lasciando da parte il cinema italiano, di cui parleremo più avanti, e concedendo al concorso ufficiale il compito di riassumere le caratteristiche della kermesse, possiamo sicuramente dire che il festival ha fatto di tutto per riportare il cinema alla gente: infatti con la sola eccezione dell'estenuante film cinese "Love For Life", storia d'amore funestata da una mortale pandemia, e di "Magic Valley" dell'americano Jaffe Zinn, pregevole ma celebrale riflessione sulle radici del male con una struttura narrativa simile a quella dell' Haneke de "Il nastro bianco", la selezione ha suscitato l'empatia dello spettatore, stimolandola con le forme di un cinema abituato a riempire le sale. Da quelle horror di "Babycall" del regista Pal Sletaune, con Naomi Rapace (un meritato premio come miglior attrice) impegnata a difendere il figlio da un marito violento e costretta a mettersi in discussione alla luce di inquietanti apparizioni, alle atmosfere psicologicamente instabili ed apparentemente noir di "La Femme Du Cinquième" con Hethan Hawke e Kristin Scott Thomas. Non è mancata la commedia declinata secondo i modelli dello humor britannico nel ridanciano "Hysteria", storia che si diverte a ricostruire l'invenzione del vibratore seguendo le vicende di un allegra coppia di dottori, oppure venata di sentimento nell'incontro tra il ferramenta misantropo interpretato da un grande Riccardo Darin, ed un misterioso cinese in cerca di un parente nell'argentino "Un Quento Chino" del pluripremiato Sebastian Borensztein (vincitore del concorso e premio speciale del pubblico) così come il dramma intimista nel disperato e artistico, per le performance clownesche ed acrobatiche del suo protagonista, "Voyez Comme Ils Dansent" di Claude Miller (vincitore del gran premio della giuria) con due donne alle prese con la misteriosa scomparsa dell'uomo da entrambe amato. Azione, sentimento ed un pizzico di filosofia sono invece la ricetta vincente del sorprendente "Poongsan" del coreano Juhn Jaihong, il film amato dal presidente della giuria Ennio Morricone, scritto e prodotto da Kim Ki Duk.

Discorso a parte merita il cinema italiano presente in massa nel concorso con ben quattro titoli.
Esclusi dalla lista dei vincitori ma sostenuti dal pubblico, che li ha attesi con grande trepidazione, i nostri si sono contraddistinti per la volontà di evitare il confronto con i problemi della contemporaneità, preferendo rifugiarsi nell'elegiache rimembranze di un nostalgico passato ("Il cuore grande delle ragazze" di Pupi Avati), nella psichedelia colorata e favolistica degli anni 70 ("La kryptonite nella borsa"), in un paesaggio mitico ed ancestrale ("Il paese delle spose infelici"), nel silenzio interiore della propria incomunicabilità ("Il mio domani"). Impeccabili dal punto di vista tecnico, e supportati da performance attoriali di livello, il nostro cinema ha denotato, soprattutto fra gli esordienti (Mezzapesa e Cotroneo), la mancanza di un segno distintivo.
Ed ancora una volta la figura migliore l'hanno fatta, fuori concorso, il mestiere di Roberto Faenza con un film girato in lingua inglese ("Un giorno questo dolore ti sarà utile") e l'orgoglio di Giuliano Montaldo, nel diseguale ma apprezzabile "L'industriale", in cui con forti accenti dostoevskijani si descrive la parabola pubblica e personale di un imprenditore dei nostri tempi.
Chiaroscuri di una manifestazione in bilico tra le richieste di un mercato sempre più omologato e la necessità di trovare una propria identità nella proposta di un cinema qualitativamente superiore.

L'auspicio è quello di un compromesso che salvaguardi l'arte senza penalizzare lo spettacolo.

PUBBLICATO SU ONDACINEMA

Elenco dei premi principali:

Premio Marc’Aurelio della Giuria al miglior film: Un cuento chino di Sebastián Borensztein

Gran Premio della Giuria Marc’Aurelio:Voyez comme ils danset di Claude Miller

Premio Speciale della Giuria Marc’Aurelio: The eye of the storm di Fred Schepisi

Premio Marc’Aurelio della Giuria alla migliore attrice: Noomi Rapace per Babycall

Premio Marc’Aurelio della Giuria al miglior attore: Guillaume Canet per Une vie meillure

Premio Speciale alla colonna sonora della Giuria Marc’Aurelio: Ralf Wengenmayr per Hotel lux

Premio BNL del pubblico al miglior film:Un cuento chino di Sebastián Borensztein

Premio Marc’Aurelio al miglior documentario per la sezione L'Altro Cinema | Extra: Gril Model di David Redmon e Ashley Sabin

Premio Marc’Aurelio Alice nella città sotto i 13 anni:En el nombre de la hija di Tania Hermida P.

Premio Marc’Aurelio Alice nella città sopra i 13 anni: Noordzee Texas di Bavo Defurne

Premio Marc’Aurelio Esordienti: ex aequo Circumstance di Maryam Keshavarz – La Brindille di Emmanuelle Millet

Premio Marc’Aurelio - Acting Award: Richard Gere

La spina del diavolo

2011-11-06T21:12:00.002+01:00

Ambientato ai tempi della seconda guerra mondiale nella Spagna travolta da una sanguinosa guerra civile "La spina del diavolo" fa i conti con la Storia, rileggendola all'interno di una ghost story che, nelle dinamiche relazionali dei suoi giovani protagonisti riproduce le conseguenze di quello scontro fratricida. Costretti ad una convivenza forzata dagli smacchi della vita, e obbligati a lottare per la propria sopravvivenza, un gruppo di orfani reagisce ai soprusi dell'esistenza organizzando un opposizione disperata e cruenta nei confronti di un crudele persecutore. Concentrando l'azione all'interno di uno spazio circoscritto, e delegando al quotidiano il compito di costruire la narrazione, "La spina del diavolo" non si discosta dalle caratteristiche del genere, riprodotte secondo un'iconografia rispettosa della tradizione, ma aggiornata ai tempi del racconto - le guglie dei castelli diventano le geometrie lineari di un fortino in mezzo al nulla, con i magazzini polverosi e dimenticati a fare il verso alle stanze eternamente chiuse dei racconti gotici - e riesce ad agganciare la dimensione metafisica restando fedele al suo incipit di realismo. Ed è proprio la capacità di far convivere in maniera naturale i due livelli di percezione, da una parte la minaccia di un conflitto capace di distruggere ogni cosa, dall'altra il mistero di una dimensione sconosciuta ma resa umana dall'alleanza tra i bambini ed il fantasma, ad innalzare il film su livelli di eccellenza.

Guillermo del Toro conferma la predilezione per il fantastico e lo spaventevole e l'asseconda con una tecnica che sembra fare le prove generali per il successivo "Il labirinto del fauno", opera che di lì a poco lo avrebbe consacrato nell'olimpo dei grandi. Giocando con variazioni cromatiche, scuro e contrastato negli interni, acceso e luminoso per gli esterni, in grado di produrre un immaginario cupo e visionario, e con la fluidità di una cinepresa capace di stravolgere la leggi della fisica con fantasia e gusto iperrealista, Del Toro realizza un'opera di grande impatto e di singolare autenticità. Prodotta dai fratelli Almodovar e ravvivata dalla presenza di attori feticcio come Federico Luppi e Marisa Paredes, una delle chicas del maestro spagnolo, "La spina del diavolo" deve molto alla fresca spontaneità di Fernardo Tielve, perfettamente calato nel ruolo di chi si deve confrontarsi con un mondo più grande di lui.
(pubblicata su ondacinema.it)

film in sala dal 4 novembre 2011

2011-11-03T08:19:00.000+01:00

Cambio vita
(The Change-Up)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: David Dobkin
CAST: Ryan Reynolds, Olivia Wilde, Jason Bateman, Leslie Mann, Alan Arkin, Mircea Monroe

I soliti idioti
(I soliti idioti)
GENERE: Comico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Enrico Lando
CAST: Francesco Mandelli, Fabrizio Biggio

One Day
(One Day)
GENERE: Commedia, Sentimentale
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Gran Bretagna
REGIA: Lone Scherfig
CAST: Anne Hathaway, Jim Sturgess, Patricia Clarkson, Romola Garai, Jodie Whittaker, Georgia King

Pina 3D
(Pina)
GENERE: Biografico, Documentario
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Germania, Francia, Gran Bretagna
REGIA: Wim Wenders
CAST: Pina Bausch

Sex list
(What's Your Number?)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Mark Mylod
CAST: Anna Faris, Chris Evans, Zachary Quinto, Ryan Phillippe, Oliver Jackson-Cohen, Ari Graynor

The Tomorrow Series: Il domani che verrà
(Tomorrow When the war began)
GENERE: Avventura
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Australia, USA
REGIA: Stuart Beattie
CAST: Rachel Hurd-Wood, Lincoln Lewis, Caitlin Stasey, Deniz Akdeniz, Phoebe Tonkin, Chris Pang

Un giorno questo dolore ti sarà utile
(Someday this pain will be useful to you)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia, USA
REGIA: Roberto Faenza
CAST: Toby Regbo, Deborah Ann Woll, Stephen Lang, Lucy Liu, Aubrey Plaza, Marcia Gay Harden

Warrior
(Warrior)
GENERE: Azione, Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Gavin O'Connor
CAST: Nick Nolte, Tom Hardy, Joel Edgerton, Jennifer Morrison, Kevin Dunn, Frank Grillo

film in sala dal 28 ottobre 2011

2011-10-27T08:14:00.001+01:00

Insidious
(Insidious)
GENERE: Horror, Thriller
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: James Wan
CAST: Patrick Wilson, Rose Byrne, Ty Simpkins, Andrew Astor, Lin Shaye, Leigh Whannell

Johnny English la rinascita
(Johnny English Reborn)
GENERE: Azione, Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Gran Bretagna
REGIA: Oliver Parker
CAST: Rowan Atkinson, Gillian Anderson, Dominic West, Rosamund Pike, Richard Schiff, Ben Miller

La peggior settimana della mia vita
(La peggior settimana della mia vita)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Alessandro Genovesi
CAST: Fabio De Luigi, Cristiana Capotondi, Monica Guerritore, Alessandro Siani, Antonio Catania, Nadir Caselli

Larry Crowne
(Larry Crowne)
GENERE: Commedia, Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Tom Hanks
CAST: Tom Hanks, Julia Roberts, Rami Malek, Jon Seda, Taraji P. Henson, Bryan Cranston

Le avventure di Tintin - Il segreto dell'Unicorno
(The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn)
GENERE: Animazione, Azione, Avventura
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Belgio, Nuova Zelanda, USA
REGIA: Steven Spielberg
CAST: Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Simon Pegg, Nick Frost, Gad Elmaleh

Missione di pace
(Missione di pace)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Francesco Lagi
CAST: Silvio Orlando, Alba Rohrwacher, Francesco Brandi, Filippo Timi, Tommaso Ragno, Antonella Attili

Quando la notte
(Quando la notte)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Cristina Comencini
CAST: Filippo Timi, Claudia Pandolfi, Thomas Trabacchi, Denis Fasolo, Michela Cescon, Manuela Mandracchia

L'amore che resta

2011-10-24T16:40:00.002+01:00

Morire giovani. Gli anni spezzati sono ancora una volta al centro dell’indagine filmata di Gus Van Sant in L'amore che resta, ma questa volta il working progress metacinematografico ha lasciato posto ad un melting pot di diversa provenienza. Tra rimandi cinefili che pescano a piene mani dal cinema della novelle vague, presente nell’eccentrico realismo dei caratteri così come nell’intellettualismo mascherato di fatua leggerezza con cui viene interpretato il tema della morte, alla citazioni letterarie anni 80 di un romanziere come David Leavitt, ripreso nell’utilizzo della malattia come allegoria di un malessere più grande che divide e rende soli, L’amore che resta è il film di un autore che si concede delle pause.

Perché se si eccettua la forma, improntata ad un impressionismo di alta confezione ed una scelta degli attori che non lascia dubbi sulle capacità di dare volto alla scrittura, il film non si differenzia molto dalla miriade di prodotti indipendenti targati Sundance Film Festival.

Certamente l’idea di concepire una storia d’amore a termine - Enoch si innamora di Annabel, malata terminale – ribaltandone le convenzioni non era una trovata da poco: Van Sant, e chi per lui – il film è infatti un lavoro su commissione – invece di farci sorbire il lento scivolare dentro il tragico destino dei due protagonisti, trasforma le tappe della via crucis in altrettanti momenti di giocosa complicità, in cui i due giovani innamorati si dilettano con la fantasia ed i sentimenti per costruire un mondo immaginario ed incantato.

In questo modo la realtà più prosaica diventa il luogo dove inventare un nuovo principio: basterebbe vedere la scena ambientata di fronte ai loculi di un obitorio, luogo ridisegnato ad hoc per un'uscita romantica, con Annabel intenta a riportare in vita quei defunti alla maniera di Spoon Rivers, tra aneddotti e amenità capaci di cambiare le prospettive ad un fato così iniquo, oppure al funerale ed alle sue liturgie, vissuto come un'epifania del sentimento a venire ed allo stesso tempo rivoluzione nei confronti di una contingenza fatta di lutto e di cordoglio.

Insomma la voglia di andare contro la natura delle cose, sommata alla volontà di ampliare la gamma espressiva del suo cinema, erano per Van Sant il segnale di un possibile cambiamento. Il risultato è un operazione riuscita solo in parte, perché se i pedinamenti lasciano il posto a quadri di ineccepibile bellezza, a cui molto contribuisce la morbidezza fotografica di Harry Savides, è altrettanto forte la sensazione di una vita simulata, troppo perfetta nell'algida compostezza della sua messinscena. Ed alla fine anche la freschezza degli interpreti, tra cui si distingue la nervosa vivacità di Henry Hopper (Enoch) figlio del mitico Dennis, deve pagare dazio a questa voglia di piacere.

(pubblicata su Roma giorno e notte)

This Must Be the Place: l'opinione della direttora

2011-10-23T09:17:00.015+01:00

This Must Be the Place
regia di P. Sorrentino

Piena di aspettative e con il cuore aperto sono andata a vedere l'ultima fatica di sorrentino che si propone come un dramma con pennellate sarcastiche ma che ha tutta l'essenza di una commediola mal riuscita e che ovviamente mi ha lasciata, purtroppo, a becco asciutto.

Di seguito la mia personale recensione di cui mi assumo il peso delle eventuali sciocchezze.

Cheyenne, l’eroe di questo improvvisato viaggio attraverso il tempo e lo spazio - che sorrentino sembra ridefinire durante la produzione ad ogni aggiunta di nuovo girato - è una rockstar di 50 anni ormai in pensione, depresso; vive a Dublino con la moglie Jane che lo accompagna da 35 anni. Conducono una vita molto agiata, grazie alle royalties, in una casa enorme e silenziosa immersa nel verde.
I primi 20 minuti di film scorrono in una lentezza di accadimenti e dialoghi esasperanti e la cosa peggiore è che sembrano assolutamente ridondanti ed inutili: sorrentino potrebbe informarci meglio sugli antefatti con minor tempo.

Cheyenne si muove come farebbe un monolite, il suo corpo risulta bloccato e soprattutto è qualcosa di esterno a lui stesso; il suo stato depresso è reso dal regista in un incedere incerto ed in un modo di parlare timoroso. Cheyenne quasi non ha stabilità sulle proprie gambe, cammina ricurvo in una fatica profonda che sorrentino amplifica nei lenti movimenti di macchina, nello sguardo vuoto del protagonista, nei fardelli che continuamente si trascina appresso: carrello della spesa, trolley.
La casa è un luogo impersonale e freddo, stupisce la totale assenza, nella casa, di musica, alla quale fa da sostituto una colonna sonora abbondante e quasi invadente (musica che il Nostro riuscirà ad ascoltare senza freni solo al concerto di byrne e durante una sosta nel viaggio americano).

Il rapporto con la moglie ci mostra il suo lento ed inesorabile decadimento.
Egli si ritrova nel bel mezzo del proprio complesso irrisolto di edipo: la paura della castrazione è stata tale da portarlo all’autocastrazione psicologica: è impotente e sposato con una donna gentile ma che ha tutta l’aria di essere una omosessuale inconsapevole. Nell’unica scena di sesso tra i due il Nostro si offre alla moglie come un piccolo servitore senza trarne alcun piacere. La moglie non pare esserne dispiaciuta ed a fronte della rivelazione del marito "forse sono un po’ depresso" lei nega tutto e lo porta a riconsiderare la noia come causa del suo stato.
Se il regista ci offre quest'unica scena per descriverci le condizioni di partenza possiamo supporre che quella sia la consuetudine, o che il Nostro sia decaduto dopo un iniziale periodo coniugale appagante, cosa che però mi sento di escludere vista la reazione della moglie, che accetta questo stato depressivo senza mostrare le proprie esigenze di donna. Inoltre non hanno figli, lei non sembra avere alcuna caratteristica della seduttività femminile.
Per quanto si possa essere legati emotivamente, solo la paura di affrontare il mondo ti può tener legato ad una vita quasi irreale ed insoddisfacente. Entrambi sono personaggi imprigionati nelle proprie angosce.
Il personaggio della figlia di bono vox può rappresentarci il vuoto di una generazione, vuoto che continua fin dai tempi dell’adolescente john smith e al quale ancora non si è saputo far fronte.
Cheyenne è circondato prevalentemente da personaggi chiusi nelle proprie nevrosi immersi in un presente statico e uguale a se stesso: la madre ossessionata dalla fuga del figlio, l’adolescente senza un senso interiore, l’amico ossessionato dal sesso. personaggi però abbozzati che il regista non ci lascia "toccare".

La partenza per gli states mi ha lasciata perplessa: cheyenne parte solo.
Viste le premesse, in cui lui sembra non poter reggere da solo la propria vita e di aver invece bisogno del sostegno continuo della moglie, mi sarei aspettata che partissero assieme.

Lo stupore dei paesaggi americani riflette lo stupore fanciullesco che c’è ancora nel Nostro, il quale vive tutto il percorso come un viaggio ai limiti dell’onirico, in cui emergerà chiaramente il suo blocco emotivo e psicologico.

E qui sorrentino si è davvero sbizzarrito.
Simboli ovunque che citerò alla rinfusa.

La vecchia insegnante che cheyenne va a salutare e che vive con un’oca e alla quale ruba un disegno di bambini (barchetta..).
La poliziotta nana che fa tanto citazione Lynchana come a dire che tutto questo ha l’aspetto assurdo dei sogni, ma come i sogni ha un sottolinguaggio da interpretare.

Cheyenne vive immerso (e intrappolato) in una stanchezza gigante, causata dalla inconscia repressione di rabbia, rabbia che solo in alcuni rari momente esterna sbottando come una pentola a pressione ma senza tracimare in una sfuriata che tanto avrebbe giovato alla storia ed alla credibilità del protagonsta.
Il Nostro ha un ineluttabile bisogno di elaborare il rapporto coi genitori e di far fuoriuscire la rabbia ed è proprio in questo che sorrentino lo abbandona, accollandogli invece un altro tipo di elaborazione, translata, ereditata dal padre in cui il regista ha voluto comunque inserire la catarsi del protagonista.

L’incontro con david byrne: la scena in cui si parlano a fine concerto è un po’ il climax dell’evoluzione del personaggio: cheyenne rivela tra le lacrime la propria rabbia e il proprio senso di colpa ad un david byrne angelico, tutto vestito di bianco e coi capelli bianchi.
E capirai che rivelazione fa cheyenne.. anche quello un debole pretesto di sceneggiatura per dare alla storia uno spessore ed un motivo di catarsi.

Ma il vero senso di colpa del Nostro è legato al padre: sorrentino non ci aiuta a comprendere bene il loro rapporto (nè si ricorda la madre..) ma si limita ad informarci che il piccolo john smith era convinto che suo padre non lo amasse.

L’incontro con la cameriera, madre del bimbo grasso, è portatore di altri simboli. Cheyenne trova in ella una confidente, una madre che lo abbraccia e lo ascolta: entrambi aprono il proprio cuore e mentre lei ad un certo punto prova una forte pulsione sessuale per lui, lui resta assolutamente "spento".
Cheyenne è morto da tempo, il suo corpo non ha nulla di vitale e proprio in questa scena capiamo che la sua insensibilità sessuale non è selettiva ma permanente.
Di fronte alla "madre figurata" rispondente ai segnali sessuali, John Smith è costretto, inconsciamente e cronicamente, a spegnere i propri sensi, pena la cacciata dal paradiso. sta qui tutta la disperata incapacità di far fronte alle figure genitoriali.

Il figlio grasso è l’incarnazione di ciò che potrebbe essere stato lui da piccolo: un bimbo incapace di imporsi in famiglia, inacettato, e che per l’assenza del padre (lo vediamo nella foto presa dal bambino, è un militare) fa da supporto alla madre (la scena del bagno in piscina in cui l’esile madre si aggrappa al figlio..). Il suo piccolo corpo gonfio di energia e di rabbia repressa si nutre di cibi che non lo sazieranno mai.
E nella scena clou, di quella che sorrentino ci vuole passare per elaborazione del "bubbone paterno" e quindi della rabbia, Cheyenne osserva silenziosamente attraverso i vetri di una finestra un gigante bufalo sbuffante e immobile, come a dirci che la furia interiore non può comunque essere vissuta nel proprio corpo, in prima persona ma che per essere accettata può soltanto essere trasposta.
Anche qui ci ho visto molto Lynch ma solo per il pretesto simbolico.

Ma torniamo al viaggio e a Cheyenne in cui incontra di tutto; come ha scritto anche nickoftime, incontra un circo di personaggi che ci rimandano ad un sacco di altri film e di cose già dette e viste (cito parsec). I dialoghi hanno il gusto di un tarantino stagionato, di un bergman "de no’ attri", la silenziosa pesantezza di un antonioni americanizzato.
L’indiano che scrocca il passaggio non lascia messaggi comprensibili, l’america sembra essere un coacervo di matti ed illuminati, di santi ed impostori ai quale cheyenne guarda con simpatia e passività.
L’incontro finale col nazista scopre le carte di una sceneggiatura debole e abbozzata. L’umiliazione da vendicare è un banale pretesto per dare la possibilità al nazista di sciorinare tutte le proprie prese di coscienza e di far passare il padre di cheyenne come un solido uomo d’onore.
Gli interrogativi sulla scelta di parlare dell'Olocausto sono tanti e forse davvero, come dice Fabrizio, può essere stata un pretesto per aprirsi le porte al pubblico americano.

La foto scattata da cheyenne è lo sparo che sigla la giustizia fatta, così come la passeggiata del nazista in mezzo alla neve. Ma cheyenne spara al padre del passato oppure vendica davvero l’onta subita dal padre?
a ciascuno la propria verità finale..

La scena finale a mio avviso non ci sta per niente.
Sean penn interpreta se stesso e non un cheyenne liberato dal passato, perché non ne ha avuto la possibilità.
Tutto è affrettato e pasticciato, sorrentino ci sazia con panoramiche, voli d’angelo della mdp, e tanta tanta tanta stupenda ed abbondante musica nella colonna sonora, la parte migliore del film che comunque non ha supportato affatto la narrazione.

Dunque quale è la vera urgenza di questo film?
Mi sento di affermare che non ci sia, che il film sia nato come una prova generale di capacità, in cui sorrentino si è divertito e sbizzarrito su di un canovaccio di poche e gracili idee.
Ancora una volta la produzione è salvata dalla capacità degli attori (sean penn si è accollato una bella gatta da pelare con questo personaggio sgangherato e poco credibile e lode anche a frances mcdormand che ha fatto il mestiere suo sempre ai massimi livelli).
Di sicuro agli americani sarà piaciuto molto. Quello che ancora riesce a stupirmi, e dovrei invece smetterla, è quanta piaggeria ci sia in italia, dove non si riesce a fare una critica davvero costruttiva e da "il re è nudo" quando si parla dei nostro più rappresentativi registi.

film in sala dal 21 ottobre 2011

2011-10-20T08:11:00.000+01:00

30 Minutes or Less
(30 Minutes or Less)
GENERE: Commedia, Avventura
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Ruben Fleischer
CAST: Jesse Eisenberg, Danny McBride, Nick Swardson, Bianca Kajlich, Aziz Ansari, Dilshad Vadsaria

Another Earth
(Another Earth)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Mike Cahill
CAST: William Mapother, Brit Marling, Jordan Baker, Flint Beverage, Robin Taylor

Bar Sport
(Bar Sport)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Massimo Martelli
CAST: Claudio Bisio, Giuseppe Battiston, Angela Finocchiaro, Antonio Catania, Bob Messini, Antonio Cornacchione

Cavalli
(Cavalli)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Michele Rho
CAST: Vinicio Marchioni, Michele Alhaique, Giulia Michelini, Duccio Camerini, Cesare Apolito, Fausto Maria Sciarappa

Maga Martina 2
(Hexe Lilli: Die Reise nach Mandolan)
GENERE: Commedia, Fantasy, Family, Mystery
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Australia, Germania, Spagna
REGIA: Harald Sicheritz
CAST: Cosma Shiva Hagen, Pilar Bardem, Tanay Chheda, Anja Kling, Michael Mendl, Pegah Ferydoni

Matrimonio a Parigi
(Matrimonio a Parigi)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Claudio Risi
CAST: Massimo Boldi, Anna Maria Barbera, Enzo Salvi, Massimo Ceccherini, Loredana De Nardis, Emanuele Bosi

Melancholia
(Melancholia)
GENERE: Drammatico, Fantascienza
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Danimarca, Francia
REGIA: Lars von Trier
CAST: Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Kirsten Dunst, Charlotte Rampling, Udo Kier, Stellan Skarsgård

Paranormal Activity 3
(Paranormal Activity 3)
GENERE: Horror
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Henry Joost, Ariel Schulman
CAST: Katie Featherston

Super
(Super)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: James Gunn
CAST: Rainn Wilson, Liv Tyler, Ellen Page, Kevin Bacon, Gregg Henry, Michael Rooker

Un poliziotto da Happy Hour
(The Guard)
GENERE: Commedia, Thriller
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Irlanda
REGIA: John Michael McDonagh
CAST: Brendan Gleeson, Don Cheadle, Liam Cunningham, David Wilmot, Rory Keenan, Mark Strong

Una separazione
(Jodaeiye Nader az Simin)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Iran
REGIA: Asghar Farhadi
CAST: Peyman Moadi, Leila Hatami, Sareh Bayat, Sarina Farhadi, Babak Karimi, Ali-Asghar Shahbazi

Melancholia

2011-10-19T16:28:00.009+01:00

La sindrome da pessimismo cosmico si allarga a dismisura, ed in attesa dell’ultimo Ferrara arriva sulla terra il monolite filosofico targato Lars Von Trier ed è subito discussione. D’altronde il regista danese non è uno dalle mezze misure e nel bene o nel male finisce sempre per ritagliarsi spazi importanti. Anche quando non convince. Come accade per questo “Melancholia”, titolo che allude al nome del pianeta in rotta di collisione con la terra, ed al sentimento di tristezza che fa da sfondo al tormentato rapporto tra due sorelle, impegnate a tenere unita la famiglia. Collocando la vicenda in un segmento esistenziale circoscritto nel tempo e nello spazio – due giornate, ciascuna delle quali ritagliate sulla personalità di una delle due donne, ed ambientate in una villa di astratta bellezza- von Trier realizza un affresco che è insieme la descrizione di un disfacimento psicologico e materiale – la crisi depressiva (?) di Justine (Kirsten Dunst) comprometterà il matrimonio appena celebrato – ed anche la rappresentazione di un mondo in via d’estinzione. Ed alla lunga è proprio quest’ultimo aspetto a risultare veramente interessante, per le suggestioni generate dal contrasto tra un microcosmo, gli invitati del matrimonio, impegnato a ripetere le proprie convenzioni sociali, e la la contingenza di un evento, l’avvicinamento del pianeta, che potrebbe mettergli fine. La socialità di facciata, abituata a confrontarsi sui problemi del mondo ma messa a nudo in tutta la sua spietatezza si carica così di una drammaticità che è pari solo all'anaffettività delle sue azioni: von Trier la riassume con istantanee rapidissime, come quella di Charlotte Rampling, la madre della sposa, scontrosa e distante con la figlia, ma seria e coinvolta negli esercizi ginnici, oppure nel fulmineo licenziamento di un collaboratore da parte di un importante imprenditore che ne aveva appena lodato le qualità. Un saliscendi emozionale capace di inglobare ogni cosa in una ronda di lucida inconsistenza; allegoria di una civiltà, la nostra, in piena decadenza. A convincere di meno è invece è il nucleo della storia, soprattutto nella parte dedicata a Justine, in cui von Trier traduce il malessere della ragazza in un alternarza di riso e pianto, e con una serie di azioni scriteriate - ad un certo punto dei festeggiamenti del matrimonio la ritroviamo addirittura a fare sesso con un tipo poco prima disprezzato – neanche per un momento supportate dalla logica della storia, che invece procede in maniera estemporanea, senza alcuna chiarimento, o con approfondimenti accennati e tardivi.

Mantenendo in parte lo stile che aveva caratterizzato l’esperienza dogmatica (uso del digitale ed mobilità documentaristica della macchina da presa), ed integrandolo con una composizione visiva, pittorica e musicale (la musica di Wagner ad accentuare gli aspetti melò e le citazioni di Bruegel e Millet) von Trier si mantiene a galla agitando gli spettri di una personalità sicuramente complessa e contraddittoria. Ma al di là di qualche scena ad effetto (l'ouverture iniziale simile a quella di "Antichrist" in termini di effettistica e straniamento) e di una chiusura, quella sì degna di nota, con il film ed il suo significato affidato al volto di una Charlotte Gainsbourg (Claire), ancora una volta vittima sacrificale del regista danese, e dilaniata da un pianto che ci riporta ad un umanità finalmente genuina, priva di qualsiasi intellettualismo, "Melancholia" sembra ribadire una crisi ispirativa ed autoriale, condivisa con altri illustri colleghi.
Per il ruolo di Justine, Kirsten Dunst è stata premiata come migliore attrice all'ultimo festival di Cannes.
(pubblicata su Roma giorno e notte)

I cinemaniaci al Festival Internazionale del Film di Roma [dal 27-ott al 4-nov 2011]

2011-10-18T08:23:00.004+01:00

Dal 27 ottobre al 4 novembre a Roma si svolgerà il Festival Internazionale del Film.

I cinemaniaci saranno presenti :-)

Il menù è davvero ghiotto, con larga presenza di nomi altisonanti.

Il nuovo film di Wim Wenders, "Pina", sarà proiettato fuori concorso nella sezione "Eventi Speciali", in presenza dell'autore, dopo l'incontro col pubblico.
Tra i prtagonisti la stessa Pina Bausch a cui il film è dedicato.

La sezione ufficiale "Alice nelle città" vede tra i protagonisti Scorsese e Spielberg.

Martin Scorsese ritorna con un insolito (nel suo panorama) film in 3D, "Hugo Cabret".
Il regista pare essere rimasto contagiato dalla mania del 3D. "Hugo Cabaret" è l'adattamento cinematografico del romanzo scritto da Brian Selznick: The Invention of Hugo Cabret.
Al festival sarà presente l'autore.

Steven Spielberg ritorna nelle sale con "Le avventure di Tintin: il segreto dell’Unicorno", tratto dall'omonimo fumetto belga di Georges Remi, in arte Hergé.

Nella stessa sezione Bill Condon si cimenta nel nuovo episodio tratto dalla saga Twilight, "The Twilight Saga: Breaking Dawn - Parte 1".

Nella selezione ufficiale "Fuori concorso" segnalo la presenza di una pellicola di Giuliano Montaldo, "L'industriale", interpretata da Pierfrancesco Favino e Carolina Crescentini e "The Lady" di Luc Besson dedicato alla straordinaria figura di Aung San Suu Kyi.
L’attivista birmana sarà interpretata da Michelle Yeoh, affiancata da David ThewlisDavid Thewlis nel ruolo del marito.

Nella medesima sezione è annovarato "Someday This Pain Will Be Useful to You" lungometraggio di respiro internazionale diretto da Roberto Faenza

In concorso "La kryptonite nella borsa" di Ivan Cotroneo, con nel cast Valeria Golino, Cristiana Capotondi, Luca Zingaretti e Fabrizio Gifuni, e "Il cuore grande delle ragazze" di Pupi Avati, interpretato da Cesare Cremonini e Micaela Ramazzotti con la partecipazione di Gianni Cavina e del "revival" Andrea Roncato.

Seganlo anche "La Femme du cinquième" di di Pawel Pawlikowski ("My Summer of Love") con Ethan Hawke e Kristin Scott Thomas, e gli italiani Marina Spada con "Il mio domani" (Claudia Gerini, Raffaele Pisu) e Pippo Mezzapesa con "Il paese delle spose infelici".

Ma anche il resto merita una visione.

Sulla carta un festival dai numeri importanti e forse dalle buone pre(o)messe.

Tutti i film del festival li trovate a questo link: Festival Internazionale del Film di Roma: i film in concorso e fuori concorso: 133 pellicole provienienti da 27 Paesi.

This must be the place

2011-10-16T12:25:00.003+01:00

This must be the place
di P. Sorrentino

L’occasione della vita. E’ questa l’urgenza più evidente che muove il nuovo film di Paolo Sorrentino. Un lasciapassare guadagnato sul campo, tra una platea di intenditori per nulla condizionati dalle faccende di casa nostra. “Il divo” era riuscito a parlare la lingua dei Santi e si era imposto con la forza delle idee. Questa volta invece sono proprio quelle che vengono a mancare. Rivestite dei soliti abiti luccicanti, le evoluzioni del maestro napoletano, rimangono nell’aria per mancanza di peso specifico.

Un ex rock star, abulica ed un po’ rimbambita si mette in viaggio per scovare il criminale nazista, colpevole di aver perseguitato il padre passato a miglior vita in apertura di racconto. A Sorrentino basterà questo spunto per allestire un circo di personaggi altamente stravaganti, ed in sintonia con il mood del protagonista impegnato in una ricerca a forte valenza personale ed introspettiva.

Una formula risaputa, quella del paesaggio americano associato ad una struttura “on the road”, e qui funzionale alla sovrapposizione tra regista e personaggio, entrambi alla scoperta di un mondo sconosciuto. Una sinergia di parole e soprattutto di sguardi, da cui ci si aspetterebbe qualcosa di più della riproduzione di un immaginario che non diventa mai personale, ma riproduce paesaggi e silenzi appartenenti ad altri.

Ed è proprio questo scollamento tra lo stupore di Cheyenne/Sorrentino e una resa visuale soprattutto mediatica, a rendere le immagini pur belle del regista napoletano delle bolle vuote, prossime a scoppiare senza aver lasciato il segno.
E mentre questo accade il film si lascia passare attraverso un corollario di incontri caratterizzati quasi esclusivamente dalla grottesca stravaganza della situazioni – pensiamo al tipo tatuato del bar, o all’indiano che senza dire una parola si ficca nel pick up di Cheyenne per un passaggio verso il nulla, o ancora al bambino sovrappeso che offre al cantante l’opportunità di riappropriarsi dell’antico mestiere – ma privi di qualsiasi specificità psicologica o narrativa.

Ed anche la conclusione, fredda come il paesaggio innevato in cui si svolge, con il nazista costretto ad un inesorabile contrappasso dopo aver elencato con precisione enciclopedica i motivi delle sue azioni, conferma una vaghezza tenuta insieme dalla maschera clownesca dell’attore oscarizzato e da uno swing musicale, quello si davvero degno di tale allestimento.

Paradossalmente però "This must be the place" si avvia ad essere il miglior risultato commerciale del regista, mentre all'orizzonte già si affaccia la promozione per un avventura da Oscar.

A conferma di un film più spendibile sul piano commerciale che artistico, ed anche una risposta indiretta alla frase pronunciata da Cheyenne a proposito di un artisticità perseguita a tutti costi.

Questa volta Sorrentino ha deciso di lavorare.

Abduction

2011-10-13T11:39:00.003+01:00

Abduction

Con "Boyz'n The Hood" aveva fatto gridare al miracolo. Era il 1991, l'anno di "New Jack City" un altro fenomeno di quel periodo, ed il film era stato accolto con sorprendente successo alla Quinzaine des réalizateurs del festival di Cannes. Raccontando le tensioni della comunità afroamericana in chiave realistica e politica, John Singleton diventava uno degli esponenti di punta di un cinema capace di conquistare una fetta importante del mercato americano, e di imporre una leva di attori che per carisma e mestiere, parliamo di nomi come Wesley Snipes, Cuba Gooding jr., Ice Cube, Chris Rock, non avevano nulla da invidiare ai più famosi colleghi Wasp.

Chiamato a confermare quel successo, Singleton si è gradatamente tolto di scena, abbandonando le strade dell'impegno per trasformarsi in un onesto mestierante, capace di confezionare film in cui la violenza era solo un altro modo per stordire le platee. Fino ad "Abduction", prodotto costruito per assecondare le richieste di un seguito ancora stregato da Jacob Black, il tormentato personaggio interpretato da Taylor Lautner nella saga di "Twilight". Questa volta però si cambia scena ed il nostro, pur mantenendo intatta l'espressione da bel tenebroso, viene riciclato in una vicenda a base di intrighi e colpi bassi, relativi ad una fuga di informazioni di vitale importanza per la sicurezza nazionale. A complicare le cose, la scoperta di una famiglia che non è tale, perché i genitori di Nathan Harper, il personaggio interpretato da Lautner, altro non sono che agenti della Cia incaricati di proteggerlo dopo l'uccisione di quelli veri. Il passato che ritorna sotto le vesti di un implacabile killer costringerà il giovane ad una fuga eroica e disperata.

Alle prese con un icona in continua oscillazione tra la prestanza fisica e la fragilità umana, Singleton ne agevola le caratteristiche da un lato, infarcendo la componente action con una serie di combattimenti corpo a corpo che, nel valorizzare il realismo della vicenda, finiscono per esaltare le doti naturali della star, dall'altro, spingendo l'acceleratore sul fattore emotivo, stimolato non solo dalla drammatica rivelazione di una famiglia che non è mai esistita, ma anche dalla love story tra Nathan e la compagna di scuola, accidentalmente coinvolta nella vicenda. Evitando inutili disquisizioni sulle doti di un attore chiamato a raccolta per motivi esclusivamente funzionali, è opportuno evidenziare la pochezza del contorno, popolato da tipi umani così scialbi, soprattutto dalla parte dei cattivi, da non riuscire mai a far trepidare il pubblico sulle sorti dell'eroe. A poco serve la presenza cameo di Sigourney Weaver, nei panni di una psicologa molto particolare, e quella di Alfred Molina nella vesti dell'agente incaricato di recuperare il fuggitivo. La sua presunta ambiguità ridotta a qualche posa è l'emblema di un film che non soddisfa nessuno.

(pubblicata su ondacinema.it)

film in sala dal 14 ottobre

2011-10-13T08:01:00.001+01:00

Amici di letto
(Friends with benefits)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Will Gluck
CAST: Mila Kunis, Justin Timberlake, Emma Stone, Patricia Clarkson, Woody Harrelson, Richard Jenkins

Arrietty
(Kari-gurashi no Arietti)
GENERE: Animazione, Fantasy
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Giappone
REGIA: Hiromasa Yonebayashi

Cowboys & Aliens
(Cowboys & Aliens)
GENERE: Animazione, Azione, Fantascienza, Western, Fantasy
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Jon Favreau
CAST: Daniel Craig, Olivia Wilde, Jon Favreau, Harrison Ford, Sam Rockwell, Paul Dano

I tre moschettieri
(The Three Musketeers)
GENERE: Azione, Storico, Avventura
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Germania, Francia, Gran Bretagna, USA
REGIA: Paul W.S. Anderson
CAST: Logan Lerman, Matthew Macfadyen, Ray Stevenson, Luke Evans, Milla Jovovich, Orlando Bloom

Super
(Super)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: James Gunn
CAST: Rainn Wilson, Liv Tyler, Ellen Page, Kevin Bacon, Gregg Henry, Michael Rooker

This must be the place
(This Must Be the Place)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Francia, Italia, Irlanda
REGIA: Paolo Sorrentino
CAST: Sean Penn, Frances McDormand, Tom Archdeacon, Shea Whigham, Harry Dean Stanton, Joyce Van Patten

L'amore fa male

2011-10-12T13:50:00.006+01:00

L'amore fa male
regia di Mirca Viola

Siamo convinti che gli esordienti vadano incoraggiati: faremo così anche con Mirca Viola, alla quale non si può rimproverare di certo la professionalità dell'allestimento, vista la caratura del casting, attoriale ed anche tecnico, che ha coinvolto nel film.
In più si può apprezzare il coraggio di una scelta, quella del mal d'amore, talmente rappresentata da rischiare l'ovvietà, e la capacità di saper dar vita ai personaggi del film, tirando fuori il meglio dalle sue star.
C'è però una qualità che in un esordio non può mancare, ed è quella della personalità. Si può sbagliare per la voglia di far bene, rischiare di andare fuori tema per eccesso di entusiasmo, ma di sicuro la condizione intrinseca alla prima volta prevede la creazione di un marchio di fabbrica nel quale riconoscere il demiurgo e la sua arte.

Nel raccontare le storie incrociate di personaggi in preda alla sindrome amorosa, soprattutto nella sua valenza meno epicurea, la regista si rifugia nelle atmosfere di quel melò italiano riportato in auge da Ferzan Ozpetek.
Non un male se la presenza di questi stilemi fosse reinterpretata in chiave personale. In questo caso invece succede il contrario, con la matrice originale riproposta senza alcuna variazione.
Personaggi smarriti e confusi, convivenza di tradizione e rinnovamento, la condivisione del dolore come unico placebo, ancora una volta resa attraverso l'immancabile convivio di famiglie allargate, sono i topos di una lezione imparata a memoria.
A farne le spese sono soprattutto i personaggi, intenti a ripetere cose viste altrove - Nicole Grimaudo seppur convincente ripete le temperature e gli sguardi di quello da lei interpretato in “Mine vaganti” – oppure ad enfatizzare una diversità, quella di Germana, il personaggio di Stefania Rocca, ribadita in ogni momento dai campi lunghi sulle mise improbabili e su una camminata resa impacciata dalla presenza di tacchi chilometrici.
Un film in chiaro scuro dal quale però si può ripartire, a patto di cominciare a camminare con le proprie gambe.

(pubblicata su Roma giorno e notte)

TOMBOY

2011-10-10T09:31:00.013+01:00

Tomboy
regia di Céline Sciamma

Tomboy (termine inglese che significa "maschiaccio") è il ritratto di Laure, dieci anni (Zoé Heran) che si trasferisce, all'inizio dell'estate, con i genitori (Mathieu Demy e Sophie Cattani) e la sorellina Jeanne (Malonn Lévana), in una nuova casa dove presto arriverà un fratellino visto che la mamma è in dolce attesa. Laure è alta e molto magra, ha capelli biondi portati corti, occhi azzurri e un faccino pulito. E' una bambina timida e dietro ai lunghi silenzi della propria timidezza cela tumulti interiori di cui non comprende ancora il senso ma dai quali si lascerà condurre come in un gioco.

Al primo incontro con la coetanea Lisa viene scambiata per maschio e Laurie coglie come un fiore questo equivoco presentandosi come Mikael.
Nel nuovo quartiere Laure non conosce nessuno e presentarsi come un maschio ai nuovi amici, all'insaputa dei propri genitori, sembra facilitarle le cose. Vivrà un legame speciale con Lisa e scoprirà un nuovo modo di vedersi e percepirsi in mezzo agli altri, trovando altri modi di esprimersi, sospesa in bilico tra la realtà ed il gioco, fino a quando la sua nuova identità non verrà inevitabilmente smascherata.

Céline Sciamma mette in scena un tema controverso quale è l'identità sessuale e sceglie di farlo con protagonisti molto giovani, in una fase della vita assai delicata in cui la spontaneità ed il contatto con la propria interiorità non sono ancora stati compromessi dalle difficoltà dalle vita.
Laure porta in sè un tumulto interiore prodromico all'adolescenza, ormai alle porte, e che avverte come un morbido incedere tra la pelle ed i pensieri e dal quale si fa coinvolgere in un'esperienza sensoriale e giocosa che l'aiuterà a capire qualcosa in più di sè.
Può essere inteso come un film di formazione, poichè la protagonista cambierà durante l'estate e guadagnerà un tassello di sè e del mondo in termini di consapevolezza.
L'osservazione del proprio corpo che contraddice il proprio essere, la ricerca di un modo di essere che la rassicuri e che la faccia sentire accettata dagli altri, l'esigenza di un modo unico di essere e col quale farsi riconoscere, la spingono ad osare sempre più perigliosamente lungo il sentiero della finzione, rischiando in prima persona, al solo scopo di sentirsi davvero se stessa, in una identità che la rappresenti dal profondo e alla quale riferirsi.
Quanto ci sia di giocoso e quanto invece di più serio non ci è dato di sapere con precisione, ma possiamo solo intuire il peso di quanto grava in Laure lasciandoci attraversare dai suoi lunghi sguardi silenziosi eppure così carichi di parole.
La regista mantiene lo sguardo dei fanciulli per tutta la pellicola, senza giudizio nè prese di posizione, lasciando allo spettatore la libertà di trarre o meno delle conclusioni.
La macchina da presa resta all'altezza dei bambini, gli adulti entrano nella storia molto marginalmente e senza mai prenderne le redini: sono personaggi necessari all'economia della storia ma comunque relegati ai bordi e dai cui comportamenti possiamo cogliere importanti indizi per meglio conoscere Laurie e la sorella.
La famiglia di Laure è unita, le bambine sono molto amate e accudite dai genitori, le due sorelle giocano insieme serenamente e presto diventeranno complici nel segreto di Laure, il fratellino in arrivo è atteso con gioia e curiosità da tutti e quattro.
Tutto sembra procedere al meglio, eppure Laure inizia ad avvertire stonature. I contunui traslochi le impediscono di ancorarsi a certezze e a luoghi, a crearsi una identità precisa di crescita e con riferimenti stabili al di fuori della famiglia; Laurie cerca confusamente risposte su altri piani: una socialità inseguita e da ricostruire ogni volta, un sentirsi indefinita, il tentativo di decodificare i propri messaggi interiori.
La scarna colonna sonora lascia ampio spazio ai tanti primi piani e alle lunghe sequenze girate negli interni.
La spumeggiante naturalezza del divertimento e del sogno che Laure vive durante i giochi con gli amici è descritta con colori saturi e generosità di panorami in esterno e si contrappone all'ovattata tranquillità di casa da cui la giovane protagonista si lascia accarezzare e dalla quale tuttavia anela allontanarsi, in cerca di una libertà espressiva che nell'abbraccio genitoriale sembra non trovare.
La scoperta dell'inganno sconvolgerà maggiormente la madre rispetto al padre e sarà comunque vissuta con moderata tensione, permettendo a Laurie di elaborare l'accaduto senza venir schiacciata dal senso di vergogna, di colpa o di inadeguatezza.
Il vestitino abbandonato nel bosco, i sorrisi innocenti e giocosi scambiati alla amica Lisa, il suo modo impacciato di scoprirsi femmina e quel suo dichiarare il prorpio vero nome "Laurie", promuovono la Nostra ad una nuova fase di vita in cui poter essere ciò che percepisce senza per questo ferire i propri affetti più importanti.

La lentezza di alcune parti è controbilanciata dalla leggerezza di fondo che sorregge la storia e che tenta di darci una lettura dei fatti il meno seriosa e soprattutto il meno adulta possibile, lasciando ancora spazio alla saggezza cristallina dell'animo umano che abita i bambini.

Non so se il tentativo della regista fosse quello da me percepito nè se questo prodotto possa definirsi coerente e soddisfacente, ma a me ha lasciato una leggerezza d'animo di fondo che mi ha ridonato fiducia nelle risorse interiori umane.

La sceneggiatura è stata scritta da Céline Sciamma in tre settimane, circa lo stesso tempo che ci è voluto per portare a termine le riprese.
Il film ha ricevuto il Premio della giuria ai Teddy Awards 2011 a Berlino 61, il Premio Ottavio Mai e il Premio del pubblico al 26° Torino GLBT Film Festival, il Premio della giuria al Philadelphia International Gay & Lesbian Film Festival e Premio alla miglior attrice (Zoé Héran) al NewFest – New York’s LGBT Film Festival.

Oltre il mare

2011-10-07T05:06:00.003+01:00

OLTRE IL MARE
regia di Cesare Fragnelli

Nel panorama cinematografico italiano la condizione giovanile ha trovato due canali preferenziali: sintetizzando si potrebbe dire che il primo, prendendo in considerazione gli aspetti più leggeri e divertenti di quell'età, risponde al modello di commedia romantica sul tipo di "Santa Maradona", divertissement di amore e disoccupazione, appena macchiato dalle inquietudini del tempo presente; il secondo invece, soffermandosi sulla difficoltà di crescere e sul disagio provocato dalle prime delusioni della vita, ha trovato nel dramma esistenziale esemplarmente riassunto in un film seminale come "Che ne sarà di noi", la sua valvola di sfogo. Non necessariamente separate, le tue tendenze sempre più spesso provano a convivere nello stesso spazio filmico, in un'osmosi a cui non è indifferente la volontà di aumentare il bacino delle utenze.

Così succede a Cesare Fragnelli ed alla sua opera seconda, un resoconto filmato sull'amore tradito e poi riconquistato da parte di un gruppo di ragazzi pugliesi durante una vacanza estiva. Partendo da un registro che privilegia il cinema verità, con luci naturali e telecamera a mano, ad enfatizzare la spontaneità dei gesti e l'energia dell'ambiente, il film si sviluppa affidando all'eterogeneità dei caratteri il compito di mantenere l'assunto iniziale.
Una varietà che non lascia fuori niente, e che comprende la spavalderia e la sicurezza di Sergio, pronto a non lasciarsi scappare alcuna occasione, il tormento e l'inquietudine di Francesco, amante non corrisposto da una fidanzata che non vuole più vederlo, la falsità di Guglielmo, facile a promesse che non può mantenere, la simpatia di Giordano, coscienza del gruppo ed occhio privato sulle disfunzioni della società.

Così, nella convinzione che il tradimento sia il passaggio obbligatorio per qualsiasi riconciliazione, la sceneggiatura costruisce una partitura di dolore e di catarsi, finalizzata ad una serie di scene madri che, invece di posizionarsi a conclusione di un percorso emozionale e psicologico, si succedono sistematicamente durante tutto il corso del film, costringendo lo spettatore ad adattarsi a cambi di umore troppo meccanici per essere credibili.
Un saliscendi capace di presentare sullo stesso piano drammaturgico, ed a breve distanza di tempo, lo sgomento per una morte improvvisa e la gioia per la vittoria in un concorso culinario, oppure di risolvere la volontà suicida di uno dei protagonisti con poche battute, appena il tempo di sventarne il tentativo, per poi riconsegnarlo agli amici, come se nulla fosse successo.
A tutto questo si aggiunga il mancato approfondimento di un background sociale capace di spiegare le azioni dei personaggi -la famiglia condensata nei genitori di Francesco è così naif da non sembrare vera- e troppo scontato nell'assegnare le colpe allo sballo da discoteca.
Non tutto è da buttare, a cominciare dalla proposizione di una serie di nuovi volti, soprattutto quelli di Alberto Galetti ed Alessandro Intini, a riproporre un aggiornamento più ruspante del conterraneo Scamarcio, proseguendo con il decentramento geografico di un genere finalmente strappato allo strapotere produttivo ed anche iconografico delle città campione, e per finire ad uno stile grezzo e vitaminico, simile a quello che distinse un altro campione del cinema pugliese come l'Alessandro Piva de "Lacapagira".
Speriamo sia di buon auspicio.

(pubblicata su ondacinema.it)

film in sala dal 7 ottobre 2011

2011-10-06T07:58:00.001+01:00

Abduction
(Abduction)
GENERE: Azione, Thriller
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: John Singleton
CAST: Taylor Lautner, Lily Collins, Alfred Molina, Sigourney Weaver, Elisabeth Rohm, Jason Isaacs

EX - amici come prima
(EX - amici come prima)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Carlo Vanzina
CAST: Alessandro Gassman, Enrico Brignano, Anna Foglietta, Vincenzo Salemme

Final Destination 5
(Final Destination 5)
GENERE: Horror, Thriller
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Steven Quale
CAST: Emma Bell, Miles Fisher, Nicholas D'Agosto, Tony Todd, David Koechner, Courtney B. Vance

Il villaggio di cartone
(Il villaggio di cartone)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Ermanno Olmi
CAST: Michael Londsdale, Rutger Hauer, Massimo De Francovich, Alessandro Haber

Jane Eyre
(Jane Eyre)
GENERE: Drammatico, Sentimentale
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Gran Bretagna
REGIA: Cary Fukunaga
CAST: Mia Wasikowska, Michael Fassbender, Jamie Bell, Imogen Poots, Judi Dench, Sally Hawkins

L'amore fa male
(L'amore fa male)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Mirca Viola
CAST: Stefania Rocca, Paolo Briguglia, Claudio Bigagli, Nicole Grimaudo, Stefano Dionisi, Diane Fleri

Tomboy
(Tomboy)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Francia
REGIA: Céline Sciamma
CAST: Zoé Héran, Malonn Lévana, Jeanne Disson, Sophie Cattani, Mathieu Demy, Ryan Boubekri

Un poliziotto da Happy Hour
(The Guard)
GENERE: Commedia, Thriller
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Irlanda
REGIA: John Michael McDonagh
CAST: Brendan Gleeson, Don Cheadle, Liam Cunningham, David Wilmot, Rory Keenan, Mark Strong

A dangerous method

2011-10-03T12:47:00.005+01:00

A DANGEROUS METHOD
regia di David Cronemberg

Se il cinema fosse come il vino, e si potesse degustarlo come fanno i sommelier, cercando di riconoscerne la qualità senza alcun riferimento, eccezion fatta per la consistenza organolettica della bevanda, allora si farebbe fatica a riconoscere nella trasposizione cinematografica della piecè di Christopher Hampton, “The talking cure”, il tocco di David Cronemberg.

Eppure la liaison tra Sabina Spielrein e Carl Jung, ed in sottordine anche il confronto tra due menti complesse come quella dello psichiatra svizzero e del suo mentore, il famoso Sigmund Freud, aveva più di uno spunto capace di conquistare l’immaginario del regista canadese: primo fra tutti il contrasto tra le pulsioni della carne, ancestrali ed irrefrenabili, quella di Sabina, minate alla base da un educazione repressiva e dominante, così come quelle di Jung, inibito per convenienza (la ricchissima moglie ne sovvenzionò gli studi e le ricerche) e cultura, con la razionalità di un metodo, la psicanalisi, che vorrebbe controllarle. Una dicotomia che sotto diverse forme è da sempre uno dei fattori generativi del suo cinema ed insieme l’utopia destinata a schiacciare i personaggi delle sue storie.

E poi l’attrazione verso una sessualità fisicamente difficile (Crash, M Butterfly solo per citare alcuni esempi) qui rappresentata dal piacere masochista di Sabina, ed espressa in maniera anticonvenzionale.
er non parlare della costante presenza di un umanità al limite, sempre sull’orlo della follia per le conseguenze di una diversità che emargina perché non se ne può parlare, come accade a Jung allontanato da Freud per divergenze ideologiche e costretto ad un esilio dorato, ed a Sabina, quando nel pieno della nevrosi di cui si sente in colpa, invoca per sé la reclusione dal mondo.

Sul piano pratico queste tematiche si traducono in una trasposizione che non concede nulla sul piano dell’eversione visiva e concettuale: nella perfezione della ricostruzione d’epoca, nell’attenzione degli ambienti e dei costumi, il nodo psicanalitico si scioglie in conversazioni tra gentiluomini irrigiditi dentro abiti troppo stretti, e nei gesti scomposti di una donna che sembra posseduta dal demonio. Segni esteriori che rimangono tali.
Non riescono a penetrare il muro della convenzione, reale, quella vigente all’epoca dei fatti raccontati (siamo nell'Europa dei primi del 900) e cinematografica, quella del melò, genere a cui appartiene il film.

Sullo schermo rimane più che altro il ritratto di due uomini distanti dalle loro teorie, incapaci di dargli seguito sul piano pratico, con Freud interessato a salvaguardare l’istituzionalità della sua idea idea ed invidioso dell’agiatezza economica del suo delfino, e Jung, borghese per sua stessa ammissione, prima capace di sconfessare il suo credo cedendo alla passione, e poi spettatore passivo di scelte che non riesce a fare per mancanza di coerenza.
La sovrastruttura, presente persino nel paesaggio naturale, così composto da risultare astratto, non riesce ad entrare in alchimia con le contorsioni dell’animo; a creare il cortocircuito necessario. Se fosse un vino "A dangerous method" avrebbe il gusto di un film di James Ivory, essendo un film, è l’opera di transizione di un artista che sta cercando di capire da che parte andare.

DRIVE

2011-10-03T08:17:00.009+01:00

DRIVE
regia di N. Refn

Driver (Ryan Gosling) lavora come meccanico nell'officina di Shannon (Bryan Cranston) e fa lo stuntman come pilota di auto per scene pericolose che prevedono inseguimenti e scontri.
Per arrotondare, Driver, accompagna rapinatori sul luogo del delitto garantendo loro una fuga veloce e sicura.
Il taciturno meccanico si innamora di Irene (Carey Mulligan), sua vicina di casa, una giovane madre con marito in carcere.
Quando Standard (Oscar Isaac), il marito di Irene, esce dal carcere, la situazione si fa complicata.
Standard ha dei debiti con dei criminali i quali minacciano la sua famiglia. Driver decide allora di fargli da autista per la rapina che dovrebbe mettere a posto la situazione.
Le cose però non vanno come previsto, la rapina è in realtà una trappola.
Nonostante la perenne sensazione del "già visto", quando si ha a che fare con questo tipo di pellicole, Drive è un film intenso che riesce a coinvolgere lo spettatore, anche a dispetto (o per merito) di un Ryan Gosling quasi inespressivo che riesce a dare spessore al suo personaggio, che ricorda vagamente il Clint Eastwood monoespressivo dei tempi di Sergio Leone.
Nicolas Winding Refn (Bronson - 2009) rallenta il ritmo (anche durante le scene riguardanti le fughe in auto) e trascina lo spettatore in una spirale di violenza che esplode improvvisa e rumorosa nell'apparente calma con la quale il regista danese confeziona il suo film.
Refn realizza un film di genere asciutto, pulito e senza fronzoli, proprio quello che ci si aspetta (ma spesso le attese vanno deluse) da un produzione americana che commissiona una pellicola ad un regista europeo dalle chiare doti.
Drive è certamente un buon film; bella regia (premiata a cannes 2011) , ottima colonna sonora e un grande Albert Brooks boss elegante, imprevedibile, freddo e spietato.

Il debito

2011-09-29T13:45:00.003+01:00

IL DEBITO
regia di J. Madden

John Madden è un regista inglese di scuola teatrale divenuto famoso per interposta persona, avendo diretto Gwyneth Paltrow nel celeberrimo "Shakespeare In Love", film di insuperabile maniera, per il quale l'attrice americana ha ricevuto l'Oscar.
Da quel momento, passata la sbornia hollywodiana con le sue insostituibili esagerazioni, il nostro è ritornato progressivamente sulla terra con produzioni come "Il mandolino del capitano Corelli", opera a sfondo storico, commissionata su misura per replicare quel successo, oppure, nate da un estemporaneità alla quale poteva fare comodo la sua propensione alla direzione attoriale, pensiamo a "Killshot", noir cucito addosso alla rentrèe di Mickey Rourke, ed a "The Proof", cineteatro d'autore con Anthony Hopkins ed ancora Gwyneth Paltrow.

Un anonimato centellinato e ben pagato, fino a questo "Il debito", remake dell'omonimo film israeliano.

La storia, ambientata a Berlino nella metà degli anni 60, racconta di tre agenti del Mossad incaricati di catturare un criminale di guerra nazista. Durante la missione un imprevisto li obbliga a cambiare i loro piani.
Trent'anni anni dopo li ritroviamo in Israele, alle prese con la notizia della ricomparsa del famigerato avversario, e con le conseguenze di una segreto che potrebbe essere rivelato.

Girato in maniera classica, e suddiviso in due diversi piani temporali, il passato, legato all'organizzazione ed alla messa in opera del progetto, ed il presente, gratificante ma fortemente condizionato dalle conseguenze di quell'azione, "Il debito" è un thriller, in cui il contesto storico, invece di appesantire la vicenda con inutili dettagli, la legittima, conferendogli una forte drammaticità.
Basterebbe pensare a tutta la parte centrale, quella in cui i rapitori si ritrovano faccia a faccia con l'aguzzino, in un confronto di ricordi e testimonianze che tornano a galla come un cadavere nell'acqua. Un vaso di Pandora destinato a riversarsi sugli esiti della missione, e sulle vite di chi la deve portare a termine.
Oppure al rapporto tra la Shoah, il male indicibile, ed i non detti, di cui la vicenda si fa carico attraverso le omissioni degli agenti, a simboleggiare la difficoltà di disfarsi per sempre dei propri fantasmi.
Ed è proprio il tentativo di superare questa impasse, materiale, quando il commando è costretto a ripiegare in una clandestinità a termine, psicologica, conseguente alle decisioni che verranno prese alla vigilia del ritorno in patria, a spostare l'interesse del film dalle dinamiche puramente action della parte iniziale, enfatizzata nel suo realismo dall'assenza di effetti digitali, a quelle interiori ed emotive, legate ai rapporti tra i diversi contendenti.
La sceneggiatura aiuta questo passaggio costruendo un intreccio cupo e labirintico, che sfrutta al massimo il rapporto tra le figure umane e lo spazio circostante, spoglio e privo di orizzonte, per rendere il senso di una claustrofobia ed un isolamento intollerabile.

Un racconto a scatole cinesi, tenuto in piedi da una regia essenziale, quasi invisibile, che valorizza al massimo la possibilità di modulare le diverse fasi sui volti, ed anche sul corpo degli attori, con Helen Mirren a replicare in ogni dettaglio, anche gestuale, la versione invecchiata dello stesso personaggio impersonato da Jessica Chastain, una Rachael, la donna del gruppo, di nervosa bellezza ed intensità.
Ne deriva una tensione continua, dall'inizio alla fine del film, ed un coinvolgimento che porta lo spettatore ad immedesimarsi con quello che sta vedendo.

Paragonato ad un classico del genere, come "Munich", non solo nell'incipit ma anche per la riflessione sui limiti di una giustizia ottenuta con il sangue, "Il debito" sembra più vicino per atmosfere ad un film come "Il maratoneta", e, nella dicotomia tra verità e ragion di stato, ad "I tre giorni del Condor".

Un cinema di idee ed intrattenimento di cui si sentiva la mancanza.

pubblicata su ondacinema.it

film in sala dal 30 settembre 2011

2011-09-29T07:55:00.001+01:00

A Dangerous Method
(A Dangerous Method)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Canada, USA
REGIA: David Cronenberg
CAST: Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Keira Knightley, Vincent Cassel, Sarah Gadon, Katharina Palm

Baciato dalla fortuna
(Baciato dalla fortuna)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Paolo Costella
CAST: Vincenzo Salemme, Asia Argento, Alessandro Gassman, Nicole Grimaudo, Elena Santarelli, Dario Bandiera

Blood Story
(Let Me In)
GENERE: Drammatico, Horror
ANNO: 2010
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Matt Reeves
CAST: Kodi Smit-McPhee, Chloe Moretz, Richard Jenkins, Jimmy 'Jax' Pinchak, Sasha Barrese, Chris Browning

Drive
(Drive)
GENERE: Azione, Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Nicolas Winding Refn
CAST: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston, Albert Brooks, Oscar Isaac, Christina Hendricks

Oltre il Mare
(Oltre il Mare)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Cesare Fragnelli
CAST: Alessandro Intini, Alberto Galetti, Micol Olivieri, Giulia Steigerwalt, Nicola Nocella, Mario Claudio Recchia

Sex and Zen 3D
(3D rou pu tuan zhi ji le bao jian)
GENERE: Drammatico, Erotico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Hong Kong
REGIA: Christopher Sun
CAST: Saori Hara, Vonnie Lui, Hiro Hajama

La pelle che abito

2011-09-26T20:08:00.003+01:00

LA PELLE CHE ABITO
regia diP. Almodovar

In un percorso artistico, l’elemento autobiografico è parte imprescindibile dell’esito creativo. La sua presenza è una luce riflessa che si mostra soprattutto nel risultato finale, nell’evidenza dell’opera finita. Nel cinema la rilevazione è in continuo divenire, e va di pari passo con lo scorrere del tempo. E’ una linea che attraversa la storia del film, disseminandola di situazioni e di rimandi, variamente articolati, ma sempre riferiti all’essenza dell'autore.

Nella filmografia di Almodovar questa identificazione è così esplicita da rendere impossibile qualsiasi altra considerazione che esuli dal vissuto del suo artefice. Tutto appartiene e si riallaccia ad un esperienza personale durante la quale il regista ha attraversato, con sfolgorante esuberanza, le vicissitudine di un paese in cerca di cambiamenti.

La donna come misura del mondo, il colore come motivo estetico ed esistenziale ed ancora il panteismo sessuale, usato come segnale di crisi e del suo superamento, hanno caratterizzato tanto l’uomo quanto l'artista per buona parte della carriera. “La Pelle che abito” invece, pur nel proseguimento di un cinema personale, appare diverso.
In esso Almodovar sembra nascondersi dietro la perfezione di una cornice tanto levigata quanto trattenuta, nella perfezione dei corpi e della loro plasticità, in una storia che, proponendo una versione moderna del Frankenstein, con un ricercatore scientifico, Robert Ledgard, deciso a trasformare il carnefice della figlia in una donna, Vera, identica alla moglie denunta, esalta diverse facce del cinema di genere, dal noir, all’horror, passando per il melò.
E poi, non contento, dissemina quà e là, tracce di una presenza che ha perso leggerezza, ed a cui non basta qualche pillola di stravaganza, come l'apparizione di un personaggio travestito da leopardo, e disinvoltamente intento nel compimento delle sue malefatte. La voglia di ridere si è trasformata in uno sguardo da entomologo, non più compagno ma spettatore dei personaggi.

Con l’io, frantumato in tanti piccoli pezzetti, rintracciabili nelle pulsioni sessuali, irrefrenabili e grottesche dell’uomo leopardo, drammaticamente legato alle sorti della defunta moglie dello scienziato, oppure nella capacità di saper costruire bellezza laddove non c’era, proposta nel percorso di Vera, nata dalle ceneri di un orribile delitto, e dopo quello assunta a ruolo di Angelo sterminatore, ma anche nella capacità di plasmare gli attori, inventandoli, Bianca Suarez, o reinventandoli, Antonio Banderas, a proprio piacimento.

Ed ancora nella riflessione sui limiti di un cinema che non riesce ad andare oltre il fascino delle sue costruzioni estetiche: le scene in cui il dottore guarda la sua creatura immacolata e pura, con il vetro che li separa, simile allo schermo della sala, e poi, con lo scarto dovuto alla vita, il suo contraltare, quando la convivenza reale con l’oggetto desiderato, e finalmente distinto dalla sua idea, diventa fonte di inaspettata sventura.

Una rarefazione in contrasto con un impianto molto costruito, privo della proverbiale fluidità del regista catalano, e persino tortuoso, come dimostra la messa in scena del racconto dell'oscuro passato dei personaggi, inizialmente sottratto allo spettatore, e successivamente somministrato con una scansione dei fatti, inizialmente in mano al regista, per mezzo delle opportune didascalie, e poi assegnato al doppio sogno dei due protagonisti, ognuno dei quali rispondente ad una diversa versione dei fatti e dello stupro, e con un particolare, questo sì molto riuscito, che lascia un indizio sulla reale identità di Vera.

Imperfezioni d’autore che scontentano gli amanti della prima ora, ma che sono la logica conseguenza di chi è costretto a cambiare pelle mantenendo la memoria. Come abbiamo visto ne "La pelle che abito".

Crazy, stupid love

2011-09-22T15:14:00.005+01:00

CRAZY, STUPID LOVE

Ci sono film che sembrano fatti apposta per confondere lo spettatore. Si presentano in un modo e poi, quando sei in sala diventano qualcos’altro. "Crazy, Stupid Love" ne è un esempio.
Reclamizzato come una versione adulta di “Hitch”, con Ryan Gosling (Jacob) nei panni di Will Smith, e Steve Carell (Carl) in quelli di Kevin James, la pellicola in realtà si rivela come l’ennesima rappresentazione delle pene d’amor perduto raccontate attraverso una serie di storie destinate ad incrociarsi in un finale da Happy end.
Una contentezza poco condivisibile dallo spettatore, costretto a sorbirsi due ore di tira e molla, tra teen ager alle prese con le prime pruderie, baby sitter innamorate del datore di lavoro, ed adulti come bambini, intenti a giocare al teatrino dell’amore.
Situazioni costruite ad arte per dimostrare l’assioma del titolo, come quella del giovane seduttore che rifà la scena clou di "Dirty dancing" per conquistare la sua preda, oppure la dichiarazione d’amore di un marito alla propria moglie di fronte ad una platea di sconosciuti. Cose già viste oppure inserite senza un minimo di convinzione.
Peccato perché i minuti iniziali avevano fatto ben sperare, grazie ad un ambientazione, quella del piano bar che fa da sfondo all’incontro tra Carl e Jacob, simile per atmosfere e circostanze all’ Edward Hopper di Nighthawk, e per quel misto di disperazione e guasconeria che si incrocia negli sguardi di due uomini che non condividono la stessa felicità.
Ed invece dopo qualche sequenza ad effetto, comprensiva di rallentì che esaltano il magnetismo del secondo, ed enfatizzano le difficoltà del primo, apprendiamo che il segreto per riacquistare la propria virilità si nasconde dietro il cambio del guardaroba. Roba da restare di sasso ed invece è proprio così: da quel momento il marito nerd diventerà uno sciupafemmine di prima categoria, tanto da arrivare a mettere in discussione la supremazia del suo maestro.
Del resto, purtroppo, abbiamo già detto.

film in sala dal 23 settembre 2011

2011-09-22T07:52:00.001+01:00

Pearl Jam Twenty
(Pearl Jam Twenty)
GENERE: Documentario, Musicale
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Cameron Crowe
CAST: Jeff Ament, Matt Cameron, Stone Gossard, Mike McCready, Eddie Vedder

La pelle che abito
(La piel que habito)
GENERE: Drammatico, Thriller
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Spagna
REGIA: Pedro Almodovar
CAST: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Eduard Fernández, Fernando Cayo, Bárbara Lennie

L'alba del pianeta delle scimmie
(Rise of the Planet of the Apes)
GENERE: Drammatico, Fantascienza
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Rupert Wyatt
CAST: James Franco, Freida Pinto, John Lithgow, Andy Serkis, Brian Cox, Tom Felton

Ma come fa a far tutto?
(I Don't Know How She Does It)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Douglas McGrath
CAST: Sarah Jessica Parker, Greg Kinnear, Pierce Brosnan, Olivia Munn, Seth Meyers, Kelsey Grammer

Mozzarella Stories
(Mozzarella Stories)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Edoardo De Angelis
CAST: Luisa Ranieri, Massimiliano Gallo, Andrea Renzi, Aida Turturro, Giovanni Esposito, Toni Laudadio

Niente da dichiarare
(Rien à déclarer)
GENERE: Commedia
NAZIONALITÀ: Belgio, Francia
REGIA: Dany Boon
CAST: Dany Boon, Benoît Poelvoorde, Chritel Pedrinelli, Joachim Ledeganck, Julie Bernard, Jean-Paul Dermont

CONTAGION

2011-09-20T07:48:00.004+01:00

CONTAGION
regia di S. Soderbergh

recensione di Fabrizio Luperto

Un virus mortale si propaga negli Stati Uniti, come in tutto il mondo, portato da una donna (Gwyneth Paltrow) di ritorno da un viaggio ad Hong Kong.
Mentre il Centro per il controllo e la prevenzione delle malattie cerca un vaccino, un blogger (Jude Law) attacca le autorità accusandole di tener nascosta la gravità della situazione.
L'inizio della pellicola è confortante; una Gwyneth Paltrow mogliettina fedifraga, che se la spassa ad Hong Kong e che finisce scuoiata sul tavolo di un obitorio; la trovata di Sodebergh che ogni volta che sposta l'azione da una città all'altra ci segnala il numero di abitanti per far capire allo spettatore la rapidità con la quale il visrus si diffonde; strette di mano e labbra a contatto con un bicchiere diventano gesti inquietanti.
Poi il buio. Più che ad una sceneggiatura, il film somiglia al riassunto giornalistico di un evento di cronaca: la scoperta del virus, il suo divulgarsi rapidamente, i morti, la paura, la scoperta del vaccino, la salvezza. Fine.
A nulla valgono gli sforzi del regista che continua ad insistere nel suo voler fondere capacità autoriale (che ovviamente gli va riconosciuta) e cinema mainstream.
La seconda parte della pellicola pandemica di Sodebergh è talmente piatta e noiosa da rendere scomoda anche la più confortevole delle poltrone di una sala cinematografica.
Una confezione perfetta (anche se un po' televisiva) e un cast di altissimo livello non bastano a Contagion che resta un film sostanzialmente piatto, privo di aggressività e che, oltre ad una fragile riflessione sulla vulnerabilità della nostra società, non riesce a trasmettere quasi nulla.
Troppo poco per il celebrato Sodebergh.

Fabrizio Luperto

Carnage

2011-09-19T00:57:00.003+01:00

CARNAGE
regia di R. Polanski

Due coppie si incontrano per fare il punto sulla zuffa che ha coinvolto i loro figli: vorrebbero risolvere le cose in maniera civile, facendoli riconciliare, in realtà si impegnano a confermare i principi della loro promozione sociale: letizia familiare, buone maniere e sicurezza economica sono punti di arrivo destinati a scomparire sotto il peso di un ipocrisia rivelata. Al loro posto, qualunquismo, volgarità ed una massiccia dose d’egoismo. Per arrivarci un delirio di parole e la nevrosi di esseri umani incastrati nel proprio ruolo.

Tra campi e controcampi Polanski sembra ancora sotto assedio: si rifugia dentro le mura di un appartamento prigione, ed organizza la festa dello scampato pericolo. Il mondo in una stanza. Divisioni politiche e di pensiero, guerre lampo, ed alleanze come un bicchiere di wiskey. Un gioco delle parti che ricorda Pirandello. Uno nessuno, centomila, così è se vi pare. Tutto ed il suo contrario. Ma il decoro sta anche al di fuori dei personaggi e della loro storia: si cela nell’idea di un cinema che aspira al teatro, e nella confezione di lusso realizzata da un manciata di premi oscar. La forza del film è quella di dare allo spettatore l’illusione di essere diverso da ciò vede nello schermo. Nella lavagna, dalla parte dei cattivi, si scriva dei dialoghi slogan e del ritmo loro complice, fatto apposta per coprire la loro inconsistenza. Gli attori partecipano al banchetto. Più di uno rischia l’indigestione.

(Pubblicata su Roma giorno e notte)

TERRAFERMA

2011-09-16T10:03:00.004+01:00

TERRAFERMA
regia di E. Crialese

recensione di Fabrizio Luperto

In una imprecisata isola del mediterraneo, Filippo (Filippo Pucillo), un ventenne orfano di padre, vive con la madre Giulietta (Donatella Finocchiaro) e il Nonno Ernesto (Mimmo Cuticchio), un vecchio pescatore.
Durante una battuta di pesca, il giovane Filippo e il nonno Ernesto si imbattono in un barcone di immigrati clandestini e salvano dall'annegamento una donna incinta e il suo bambino.
L'inevitabile sequestro della barca e la denuncia ai proprietari per favoreggiamento dell'immigrazione clandestina, rischia di mandare sul lastrico l'intera famiglia, che sbarca il lunario, utilizzando il malandato peschereccio anche per le gite in mare dei turisti.

Emanuele Crialese, dopo Respiro (2002) e Nuovomondo (2006), continua a raccontare storie di donne e di mare riuscendo ancora ad emozionare.
Il regista romano ci racconta l'impatto dell'immigrazione clandestina sulle vite dei componenti di una povera famiglia isolana che vive affannosamente di pesca e del poco turismo estivo.

Crialese con il suo film non da risposte e non giudica, descrive non solo la triste realtà dei disperati in fuga dalla fame e dalla guerra, ma soprattutto, ed è la parte meglio riuscita, descrive le "piccole" tragedie di chi si prende la briga di salvare la vita a chi si trova in pericolo, tracciando con assoluto realismo le psicologie dei componenti la famiglia (chirurgicamente perfetta quella di Nino) al centro della vicenda.

Giulietta è la donna a cui il mare ha tolto il marito e che sogna una vita diversa, magari con un nuovo compagno lontano dalla realtà isolana; il suocero Ernesto è la tradizione e la dignità; il cognato Nino (Beppe Fiorello) il presunto nuovo che avanza e il figlio Filippo l'incertezza tra tradizione e futuro.
Film che cerca un difficile equilibrio tra cronaca, mito e cultura, forse troppo per un film solo, ma che Crialese riesce a sintetizzare in maniera adeguata aiutato da un cast solido e da una grande fotografia.

A tutte le ottime cose presenti nel film, fanno da contraltare alcuni errori piuttosto evidenti:

1) La donna salvata dalle onde dopo un viaggio via terra di due anni, violenze sessuali subite nelle prigioni libiche, una traversata in mare e soprattutto dopo aver partorito, è bella come una madonna nera e in salute smagliante tanto da mostrarcela con capelli decorati e ombretto agli occhi;
2) I carabinieri, anche in piena estate indossano l'uniforme invernale;
3) Il leggero trucco della Finocchiaro cambia rapidamente nel giro di poche ore per poi ritornare quello di prima.

Premio speciale della giuria a Venezia 2011.

Film in sala dal 16 settembre 2011

2011-09-15T07:21:00.001+01:00

Carnage
(Carnage)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Germania, Francia
REGIA: Roman Polanski

Crazy, Stupid, Love
(Crazy, Stupid, Love)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Glenn Ficarra, John Requa

Glee The 3D Concert Movie
(Glee: The 3D Concert Movie)
GENERE: Musicale
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA:

I Puffi
(The Smurfs)
GENERE: Animazione, Fantasy, Family
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Belgio, USA
REGIA: Raja Gosnell

Il debito
(The Debt)
GENERE: Drammatico, Thriller
ANNO: 2010
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: John Madden

The Eagle
(The Eagle)
GENERE: Drammatico, Storico, Avventura
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Gran Bretagna
REGIA: Kevin Macdonald

COSE DELL'ALTRO MONDO

2011-09-14T20:04:00.004+01:00

COSE DELL'ALTRO MONDO

Il poliziotto Ariele (Valerio Mastrandrea) cerca di riappacificarsi con la sua ex fidanzata, la maestra elementare Laura (Valentina Ludovini).
L' imprenditore Golfetto (Diego Abatantuono) dalla sua piccola emittente televisiva lancia i propri proclami contro gli extracomunitari.
I tre vivono in una cittadina veneta dalla quale, all'improvviso, scompaiono tutti gli stranieri.
L'idea di Patierno non è malvagia anche se riciclata dal film di Sergio Arau A day Without a Mexican, film ambientato in California dalla quale sparivano tutti gli immigrati messicani.
Se in una tranquilla cittadina del laborioso nord est, gli immigrati che lavorano, ben inseriti nella società, si stancassero di essere insultati, offesi e irrisi e decidessero sul serio di sparire per sempre, cosa accadrebbe?
Chi accudirebbe la madre malata (Laura Efrikian) del poliziotto che presta servizio a Roma? Chi manderebbe avanti la fabbrica dell'imprenditore borghesotto?
Patierno usa la commedia per raccontare in chiave surreale il razzismo, uno dei tanti deliri dei nostri tempi.
Lo fa con mano leggera, regalando sprazzi di buon cinema quando mantiene il suo film sul tono della commedia.
I mal di pancia cominciano quando il regista de Il mattino ha l'oro in bocca (2007) vira sul grottesco, perdendosi in diverse occasioni e addirittura sovrapponendo la storia d'amore tra Mastrandrea e la Ludovini al plot principale.
Rischioso ridurre la figura dello straniero a quella esclusiva di forza lavoro a buon mercato(siamo rimasti senza schiavi).
Il passaggio migliore del film vede protagonista Valerio Mastrandrea: "ti sei presa una vacanza multietnica" esclama rivolgendosi alla sua ex, maestra elementare, sostenitrice dell'integrazione razziale, buonista convinta e incinta di un ragazzo senegalese che non ha voluto sposare, evidenziando come la donna non abbia avuto problemi a tornare con lui ora che serve un padre per il bimbo che porta in grembo.
Da salvare il sempre inquietante Vitaliano Trevisan ed un malinconico Valerio Mastrandrea.
Ovviamente ingiustificate le proteste leghiste.

L'ultimo terrestre

2011-09-12T02:03:00.005+01:00

L'ULTIMO TERRESTRE

In un giorno imprecisato della nostra era viene annunciato lo sbarco degli Alieni: tra attese millenaristiche e slogan pubblicitari, la vigilia dell'evento si riflette su un umanità ormai in disarmo. Una condizione a cui Luca Bertacci appartiene di diritto. Segretamente innamorato della vicina di casa, sfoga la propria frustrazione frequentando un anziana prostituta, e confidandosi con l'amico transessuale.

Opera prima di un fumettista prestato al cinema, "L'ultimo terrestre" a poco a che fare con la fantascienza.

Immerso in un atmosfera surreale, quand'anche grottesca (ad un certo punto il padre di Luca, misogino incallito, si convertirà alla vita di coppia per amore di una dolce visitatrice), girato con ritmo musicale, sincopato o dinamico a seconda dei casi, il film attraverso gli occhi del suo protagonista, una specie di "idiota" alla maniera del personaggio dostojevskiano, compie un viaggio ideale ed antropologico all'interno di un fattore umano in via d'estinzione.

Ossessionata dal sesso, consumato di nascosto ed in maniera peccaminosa, chiusa in un egoismo incapace di distinguere tra buoni e cattivi (gli alieni invece dovrebbero essere in grado di farlo), sempre pronta a sfruttare la situazione per il proprio tornaconto - ad un certo punto assistiamo ad un convegno sugli ufo, dove due lestofanti si professano intermediari degli alieni- la razza terrestre è destinata a soccombere per assenza di anticorpi.

Pacinotti si tiene stretto alla realtà ma allo stesso tempo se ne allontana, costruendo un film libero, capace di reggersi sulle proprie gambe ed indipendente da eventuali analisi sociologiche e politiche. Alieno al panorama cinematografico italiano, "L'ultimo terrestre" si conclude con il sorriso di Luca, felice di osservare l’inizio di una nuova palingenesi. Per essere un film divertente c'è poco da scherzare.

pubblicata su Roma giorno e notte

I segreti della mente

2011-09-10T22:34:00.005+01:00

I segreti della mente
regia di H. Nakata

Nel cinema di Hideo Nakata il mezzo tecnologico ha una posizione preminente. Abituato ad immergersi nelle profondità più rimosse dell'inconscio, quelle in cui l'anima si tinge di nero pece, il regista giapponese ha trovato nelle diverse declinazioni della tecnica, dal sistema home video utilizzato in "Ringu" alla comunicazione via internet di "I segreti della mente", il modo per portare alla luce i demoni della nostra coscienza. Una modernità per certi versi vicina alla filosofiacyberpunk, se non fosse che i personaggi delle sue storie invece di liberarsi dalla piaghe di un esistenza alienante ed alienata, ne rimangono schiacciati con conseguenze quasi sempre catastrofiche.

Non si sottrae a questa regola Chat room, titolo originale che si lascia preferire a quello italiano, nel descrivere il rapporto di interdipendenza tra un gruppo di adolescenti uniti dalla frequentazione dello spazio virtuale.

Tra insicurezze ed anaffettività gli incontri si trasformano ben presto in un gioco al massacro quando William (Aaron Johnson), dilaniato da un rapporto materno inesistente, convince il resto del gruppo ad utilizzare la violenza per raggiungere i propri scopi.

Scegliendo di riprendere la vicenda mettendo sullo stesso piano reale e virtuale, divisi solamente da accorgimenti fotografici e di colore (liquidi e psichedelici per la "stanza delle chiacchere", grigi e neri per tutto quello che ne è al di fuori) Nakata realizza un continuum narrativo che, se da una parte evita passaggi schematici e didascalici tra le varie dimensioni, dall'altra ingarbuglia la vicenda sovrapponendo continuamente personaggi e situazioni, facendo perdere ad entrambi le proprie peculiarità.

Il risultato è uno spettacolo senza meraviglia, in cui i consigli del cattivo maestro si alternano con le conseguenze degli stessi sulla vita dei singoli.

Un rapporto di causa/effetto esteso all'infinito e che solamente alla fine, con una conclusione tanto repentina quanto moralistica (la tecnica è una male incurabile che rende dipendenti) riesce a produrre uno scarto significativo.

Presentato nella sezioneUn certain regard del festival di Cannes 2010, "I segreti della mente" si avvale della presenza dell'astro nascente Aaron Johnson, il cui talento deve fare i conti con un personaggio continuamente sopra le righe.

pubblicata su ondacinema.it

STUDENT SERVICES

2011-09-09T14:49:00.002+01:00

STUDENT SERVICES
Regia: Emmanuelle Bercot

Laura, diciannovenne studentessa universitaria, è alle prese con gravi problemi economici.
Non riesce a pagare l'affitto, a pagare le bollette e spesso deve fare a meno anche del pranzo.
Per dare una svolta alla situazione fattasi disperata decide di prostituirsi.
Film girato per la Tv francese Canal + (che lo ha mandato in onda in prima serata, mentre nelle sale italiane è vietato ai minori di 18 anni) tratto dal romanzo autobiografico ''Mes cheres etudes'' di Laura D.

Il film transalpino affronta il fenomeno della prostituzione universitaria, che sta dilangando anche in Italia, come testimoniano numerosi casi di cronaca.
Dato per scontato che un film pensato (e girato) per la Tv con scopi di servizio (cari cittadini guardate cosa succede ai nostri figli) , non può avere una grande resa al cinema per motivi piuttosto ovvii, sarebbe interessante fare una riflessione piuttosto banale: sappiamo da anni che ragazzine si spogliano su internet o fanno sesso con ragazzi più grandicelli in cambio di una ricarica telefonica e ora cadiamo dalle nuvole se delle giovani universitarie si prostituiscono? Forse lo scandalo o presunto tale sta proprio nel loro essere universitarie (nella scala gerarchica sociale dovrebbero rappresentare una sorta di elite morale?), perché di ventenni che si prostituiscono per concedersi il capo firmato, un paio di scarpe in più o la vacanza cool ne esitono a bizzeffe, e non da oggi.
Ma torniamo alla pellicola. Se lo scopo era ammirevole, ovvero portare in casa dei francesi in maniera piuttosto dura una triste realtà, il punto di vista della regista, falsamente distaccato, affonda un film che se non gradevole, sarebbe potuto essere almeno interessante.
La regista francese imbottisce il film di sesso artefatto e si schiera apertamente dalla parte della protagonista.
Una santerellina che rassicura il suo coinquilino sul pagamento delle bollette quando in realtà non si è mai sognato di farlo; una sfortunata che non trova il coraggio di chiedere qualche euro per mangiare (quando sviene non mangia da tre giorni) ma che impiega meno di due minuti ad accettare di prostituirsi con uno sconosciuto cinquantenne per poi proseguire la "carriera" di puttana (ops, scusate escort) con una serie di uomini che sono tutti dei cattivoni e ovviamente hanno gusti sessuali particolari (ma và?) mentre l'unico che vuole avere un rapporto normale è rappresentato da un essere più simile ad un orso che ad un uomo.
La vetta più "alta", viene raggiunta con la descrizione del fidanzato di Laura, colpevole di non dimostrarsi d'accordo sul "lavoro" della santerellina, che per rabbonirlo si lancia in una furiosa fellatio che il giovane non gradisce e che per questo si becca una sequela di insulti.
In definitiva si può tranquillamente affermare che Emmanuelle Bercot parteggiando spudoratamente per la protagonista, sacrifica la dimensione di servizio del film ottenendo il risultato di trasformarlo in un prodotto scadente, utilizzabile per riempire salotti televisivi finto perbenisti dove starlette attempate e tuttologi buoni per ogni occasione potranno imbastire i loro stantii teatrini.

Le amiche della sposa

2011-09-08T11:39:00.003+01:00

Le amiche della sposa

Quando la sua migliore amica decide di sposarsi Annie, affiancata dal resto delle amiche decide di prendersi cura dei preparativi del matrimonio. Con una di esse, la sofisticata ed irrisolta Helen, inizierà una gara su chi saprà accaparrarsi l'attenzione della futura sposa.

Espressione di quella commistione tra cinema e televisione che almeno oltreoceano riesce a prendere il meglio da entrambi i contenitori, "Le amiche della sposa" ricicla uno dei momenti topici della commedia americana ed in generale dell'amicizia femminile, quello delle nozze come momento di trapasso tra giovinezza e maturità, ma lo fa mescolando lo stile scanzonato e goliardico del suo produttore, quel Judd Apatow inventore di un filone che, a partire da "40 anni vergine" porta sullo schermo un umanità incapace di crescere ed ancorata ad un eterna adolescenza, e quello da stand up comedian di Kristen Wiig, non solo attrice ma anche sceneggiatrice del film, forte di un apprendistato nell'imprescindibile Saturday Night Live.

La commistione tra le due componenti antitetiche ma complementari, la prima abituata a non prendersi troppo sul serio, la seconda capace di dare il meglio con un improvvisazione ragionata, dà vita ad una storia sviluppata sulla falsa riga di un manuale sulla sensibilità femminile, incentrato sull'assoluto protagonismo di un personaggio principale, Annie, capace di inglobare pregi e difetti del sesso debole, riassunti nell'incapacità di far combaciare il sogno e le aspirazioni con le scelte quotidiane. In fuga da una madre iperprotettiva, ed alla ricerca dell'amore della vita, Annie spende le sue giornate tra incontri occasionali con un adone senza cervello ed il lavoro di commessa nel negozio dove è dovuta riparare in seguito alla chiusura della pasticceria su cui aveva investito soldi e passione.

A darle conforto l'amicizia con l'amica di sempre, fino a quando quest'ultima le annuncia il lieto evento. Come in un gioco di specchi la felicità dell'una diventerà il limite dell'altra, trascinando Annie in uno stato di prostrazione che la obbligherà a rivedere la propria vita.

Una storia d'amore e d'amicizia, ma anche il manifesto di una femminilità che ha smesso di indossare il baby doll, "Le amiche della sposa" sembra quasi il contraltare di "Sex And The City" per l'assenza di quelle caratteristiche modaiole e di tendenza che aveva fatto la fortuna di quel programma (i templi del lusso e della mondanità sono fatti per essere distrutti, come nella scena della crisi di nervi di Annie, o messi alla berlina, come accade nel negozio di abiti da sposa).

Qui a partire dai caratteri, esteticamente lontani dall'ideale di bellezza contemporaneo, quand'anche esagerati nel fisico e nei modi, basti pensare al personaggio di Melissa interpretata dalla corpulenta quanto simpatica Melissa MaCarthy, sembra di essere più dalle parti di un film di Woody Allen, per la modo di far emergere la nevrosi dalla presenza di dialoghi concitati e sincopati, ed anche per una certa improvvisazione, della messa in scena così come dal modo disinvolto ed apparentemente casuale della recitazione. Non mancano i richiami ad una comicità più fracassona ed anche sguaiata, ma sono momenti isolati, inseriti più per motivi di commerciabilità che per una reale necessità.

Il film ha inoltre il pregio di farci conoscere un volto nuovo, che si affianca ad altri già usciti alla ribalta con le stesse modalità (Tina Fey), ma la cui fisicità, longilinea e nervosa, adatta anche a ruoli drammatici, lascia intravedere opportunità ancora più allargate.

Insieme ad "Horrible Bosses", il film è stato la sorpresa estiva del box office americano.

pubblicata su ondacinema.it

Film in sala dal 9 settembre 2011

2011-09-08T05:18:00.000+01:00

Questa storia qua
(Questa storia qua)
GENERE: Biografico, Documentario, Musicale
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Alessandro Paris, Sibylle Righetti

Terraferma
(Terraferma)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Emanuele Crialese

Box office 3D: Il film dei film
(Box office 3D: Il film dei film)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Ezio Greggio

Contagion
(Contagion)
GENERE: Thriller
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Steven Soderbergh

L'ultimo terrestre
(L'ultimo terrestre)
GENERE: Fantascienza
ANNO: 2012
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Gian Alfonso Pacinotti

Super 8
(Super 8)
GENERE: Fantascienza, Avventura
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: J.J. Abrams

Tutta colpa della musica
(Tutta colpa della musica)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Ricky Tognazzi

Le regole della truffa

2011-09-02T17:56:00.005+01:00

Le regole della truffa

La commistione dei generi è diventato uno dei marchi di fabbrica del cinema contemporaneo.
Dapprima elemento estetico, creato per destabilizzare, ed in parte rinnovare territori ampiamente abusati e vicini al trapasso, con il passare del tempo, ed in maniera inevitabile, questo restyling è diventato una prassi così utilizzata, da risultare priva di quella carica eversiva che ne aveva caratterizzato le apparizioni iniziali.
Un classico esempio di questo fenomeno può essere rappresentato da Le regole della truffa, storia di un colpo in banca che si trasforma in qualcos’altro,

Rifacendosi ad un sottogenere come quello dell’ Heist movie, ed a forme di commedia che vanno da quella romantica, rappresentata dall’empatia tra i personaggi interpretati da Ashley Judd e Patrick Dempsey, a quella svitata e surreale, riconoscibile dalla quantità di situazioni al limite del grottesco: basterebbe la scelta di presentare due bande diverse di rapinatori all’interno della stessa banca, oppure il contrasto tra il professionismo dell’una, equipaggiata alla maniera dell’agente l'agente Hunt di Mission impossible, e l’improvvisazione dell’altra, una coppia di svitati che ricorda quella altamente tossica interpretata da Hurt e Reeves in Ti amerò fino ad ammazzarti, per far capire il livello di eterogeneità presente in un sol colpo.

A questo poi bisogna aggiungere una intreccio complicato ad arte per assomigliare ad una sorta di 10 piccoli indiani o ad Invito a cena con delitto.
Tanta carne al fuoco esigerebbe un abile manipolatore, ed invece Rob Minkoff risolve tutto con una recitazione concitata, perennemente sopra le righe a cominciare da quella di Dempsey nei panni di un detective per caso al limite della nevrosi, ed un montaggio che affastella situazioni e colpi di scena.

La sensazione è quella di un menù troppo ricco, costretto a dare molte cose per scontato e capace di sacrificare il flirt tra i due protagonisti, troppo meccanico e poco sviluppato per sembrare credibile.

Il titolo originale Flypaper fa riferimento a tre fax contenenti informazioni decisive per lo scioglimento dell’enigma.

(pubblicata su "Roma giorno e notte")

Come ammazzare il capo e...vivere felici

2011-09-02T17:31:00.004+01:00

Come ammazzare il capo e...vivere felici

Dopo il successo planetario di "Una notte da leoni", la complicità maschile sembra aver trovato nella commedia il luogo adatto per esibire la goliardia ed il cameratismo che generalmente impronta i comportamenti collettivi dei maschi di mezz'età. Tre personaggi complementari, ma soprattutto l'età di mezzo, con quel misto di concretezza ed evasione, di malinconia e menefreghismo, di sfumature e mezzi toni, diventano lo scenario perfetto per variazioni sul tema che, nel tentativo di rianimare un genere perennemente in crisi, lo dirigono dalle parti di un intrattenimento virato al nero, in cui gli aspetti ludici si contaminano con quelli drammatici. Una cosa alla John Belushi tanto per intenderci pur senza possederne il talento e la cattiveria. In aggiunta la presenza di un incipit, l'astio del dipendente nei confronti del proprio datore di lavoro, che può contare su caratteristiche di universalità e condivisione.

Esplicitamente sintetizzata nei titoli la storia segue il tentativo di 3 amici impegnati ad organizzare l'assassinio dei rispettivi capi colpevoli di vessarli con pratiche da aguzzini. Ad eliminarli ci penserà ognuno di loro avendo cura di farlo nei confronti del datore di lavoro dell'altro (particolare che rimanda a "Delitto per delitto" di Alfred Hitchcock), per sviare il possibile movente. Tra appostamenti ed incontri ravvicinati la vicenda si complicherà quando un'uccisione imprevista rischierà di mandare all'aria il piano di Nick, Dave e Kurt coinvolgendoli in un'escalation degna di una vera crime story.

Tra cinema e televisione non solo per eterogeneità degli attori, ma anche per l'utilizzo dell'elemento caricaturale che fa il verso a certe parodie usate da programmi cult sul tipo di "Saturday night live" (Kurt/Jason Sudekis ne è stato uno dei protagonisti) il film punta sul contrasto tra l'elemento divistico, relegato in un angolo e chiamato a manifestarsi in panni che normalmente non gli appartengono, almeno in termini di minutaggio, stiamo parlando dei ruoli dei cattivi interpretati da Spacey, Farrell ed Aniston, e quello emergente e tutto da scoprire rappresentato dalle loro nemesi, attori sconosciuti a questi livelli, ove si eccettui Jason Bateman, che a loro danno vita.

Ed è proprio il contrasto tra l'anonimato degli tre impiegati e l'egotismo anche estetico dei loro superiori, con Farell e la Aniston a ricordare rispettivamente il Les Grossman di Tom Cruise e la Demi Moore di "Rivelazioni", a provocare lo spiazzamento necessario, a rendere il malessere e la patologia dell'intera situazione.

Immerso in un atmosfera notturna, quasi interamente girato in interni, "Horrible bosses", questo il titolo originale del film, funziona quando deve creare atmosfere in bilico tra il riso ed il pianto, mentre si perde nello sviluppo della storia che rimane presto orfana del contraltare negativo, per il mancato sviluppo dei personaggi di Farrell e della Aniston appena tratteggiati e ridotto al solo personaggio intepretato da Spacey, per riempirsi di aneddoti da commedia trash, con battute ed allusioni quasi sempre sessuali, capaci di smuovere il perbenismo di una società vittoriana come quella americana ma francamente datate per il resto del mondo occidentale. Nonostante questo, il film, uscito nell'estate americana, ha conquistato i favori del pubblico e soprattutto del botteghino.

pubblicata su ondacinema.it

FIlm in sala dal 2 settembre 2011

2011-09-01T08:02:00.001+01:00

Bad Teacher: una prof da sballo
(Bad Teacher)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Jake Kasdan

Lanterna verde
(Green Lantern)
GENERE: Azione, Fantascienza, Avventura
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Martin Campbell

I segreti della mente
(Chatroom)
GENERE: Drammatico, Thriller
ANNO: 2010
NAZIONALITÀ: Gran Bretagna
REGIA: Hideo Nakata

Pink Subaru
(Pink Subaru)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia, Giappone
REGIA: Kazuya Ogawa

Ruggine
(Ruggine)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Daniele Gaglianone

Solo per vendetta
(The Hungry Rabbit Jumps)
GENERE: Drammatico, Thriller
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: USA
REGIA: Roger Donaldson

Cose dell'altro mondo
(Cose dell'altro mondo)
GENERE: Commedia
ANNO: 2011
NAZIONALITÀ: Italia
REGIA: Francesco Patierno

Come trovare nel modo giusto l'uomo sbagliato

2011-08-29T23:28:00.010+01:00

Come trovare nel modo giusto l'uomo sbagliato

Chick flick all'italiana.
Mentre oltreoceano impazza il fenomeno bad girls con Kristene Wiig e Cameron Diaz a capeggiare un ondata di ragazze che in quanto a sfacciataggine non avrebbero nulla da invidiare a quelle di Tarantino (quest'anno le danze erano iniziate con Bicht Slap e Sucker punch) dalle nostre parti il cinema al femminile in versione mainstream è ancora lasciato alla commedia romantica tout court, moderne versioni dei romanzi di Jane Austin declinate secondo le mode del momento.

In questo caso, la tendenza è quella di mischiare il cinema "Manuale" di Giovanni Veronesi, con la voce fuori campo a supportare i vari snodi della storia, con il romanticismo spiegato e paragrafato di Federico Moccia, quello suddiviso per capitoli evidenziati sullo schermo per meglio esplicitare le varie fasi del racconto.

Una struttura adottata per sintonizzarsi sui recenti successi del cinema italiano (anche l'uso di attori prettamente televisivi lo conferma) ma poco fluida per un film che invece necessiterebbe di maggior scioltezza per bilanciare la scarsa vena dei dialoghi. Incentrato sulle vicissitudini amorose di Sofia, eternamente delusa dagli uomini ma non per questo decisa ad abdicare, e delle sue amiche, Penelope, sempre in cerca della prossima conquista ed Alice, sposata ad un uomo distratto, il film è pure incerto nello stile che passa da carrellate circolari modello Ozpetek, ad un accenno di immagini sfocate a sottolineare forse lo stress di una situazione, ed ancora, riprese concentrate all'inizio del film e poi abbandonate, in cui l'uso del grand'angolo vorrebbe sottolineare il disagio del soggetto.

A parte la trovata del titolo, alambiccato quanto basta per attirare l'attenzione dello spettatore ma in fin dei conti irrilevante rispetto alla storia, ed ancora l'espediente utilizzato per creare analogie tra il comportamento animale e quello umano, ricavato dalla studi di Sofia, "Come trovare nel modo giusto l'uomo sbagliato" non riesce a trovare una sua identità.

Peccato perchè la presenza di un attrice come Francesca Inaudi, a dire il vero molto simile a quella del tormentone catodico Tutti pazzi per amore, e di Enrico Silvestrin, redivivo ma efficace nel tratteggiare lo spaccone sciupafemmine meritavano qualcosa in più.

(pubblicata su Roma giorno e notte)

Fright night

2011-08-29T14:34:00.004+01:00

Fright night

Charley è un ragazzo alle prese con i problemi della sua età: ragazze di cui innamorarsi ed una reputazione da costruire evitando di frequentare amici poco cool. La misteriosa sparizione di quest’ultimi ed il contemporaneo arrivo di un inquietante vicino lo trasformeranno in un novello Van Helsing.

Girato con la sobrietà di mezzi che si conviene ad un prodotto le cui ambizioni sono legate al passaparola ed allo sfruttamento home video, Fright Night assomiglia ad un teen ager movie per la presenza di tutti quegli elementi, la sfrontatezza di un ambiente scolastico con le sue dinamiche di odio ed amore, di conformismo e diversità, la guerra dei sessi intesa come conquista della bella di turno ed anche un dose di malinconia fornita dall’immancabile presenza nerds, che da sempre lo caratterizzano, se non fosse per la componente horror rappresentata da Jerry, il vampiro interpretato, con poco fascino e molta cattiveria, da Colin Farell.

In realtà, pur nella costante di questo dualismo, la storia del giovane Charley obbligato a crescere in fretta per poter difendere le persone che ama, altro non è che il solito percorso di iniziazione alla vita di un personaggio che fino ad allora l’aveva soltanto sognata.
Così, se all’inizio lo stesso si dimostra piuttosto insicuro tanto con l’avvenente vicina di casa, che lo snobba a favore dell’inquietante vampiro, quanto con la propria ragazza, costretta a rimandare la fatidica prima volta, mano a mano che la vicenda si dipana, questa tendenza lascia il posto ad una scoperta di sé (la decisione di trasformarsi da preda a cacciatore) e del mondo (soprattutto della sua parte più malvagia) capace di trasformarlo in un uomo vero (indicativa l’ultima scena con il protagonista finalmente disinvolto ed intento ad amoreggiare con la sua amata). Il tutto condito con la giostra di spanventoveli espedienti legati alla cultura filmica del genere.

Tra Disturbia, altro prodotto Dreamworks di cui replica il rapporto di wojeurismo sul tipo de la finestra del cortile, e lo scetticismo che circonda la scorcentante scoperta di Charlie, Fright Night è in realtà il remake di un film degli anni 80, Ammazzavampiri di Tom Holland per l’appunto, di cui invero non si sentiva la mancanza. Nondimeno si confà a questo scampolo di calura estiva per la voglia di aria condizionata e di disimpegno che spesso quest’atmosfera porta con sé.
(pubblicata su Roma giorno e notte)