sabato, agosto 29, 2015

HUNGRY HEARTS

Hungry Hearts
di Saverio Costanzo
con Adam Driver, Alba Rorhwacher
Italia, 2014
genere, drammatico
durata, 118'


L’incipit di un film, alle volte, può avere lo stesso valore del prologo di un testo teatrale. E l’apertura di “Hungry Hearts” difatti, costituita da una sequenza con inquadratura unica della durata di cinque minuti e più, sembra già celare dietro l’apparenza di commedia francese l’impaziente inquietudine che verrà a galla nel corso della narrazione. È un avvio quasi letterario quello che Saverio Costanzo sceglie per il suo quarto lungometraggio, caratterizzato quindi da un’ambizione – e dunque da un livello di rischio – non indifferente.

La storia narra della relazione tra Mina e Jude, relazione che si incrinerà irrimediabilmente dopo l’arrivo del figlio, vista l’ossessione da parte della madre nel non far mangiare il figlio, facendogli quindi rischiare la morte per malnutrizione.

Se il regista nel suo percorso cinematografico aveva già passato l’esame della messa in scena, si trova ulteriore conferma della sua indiscutibile abilità estetica, qui caratterizzata dall’uso delicato di una camera a mano sempre pronta a seguire movimenti e micro-espressioni dei personaggi. Mentre la struttura drammaturgica regge in parte il gioco, nonostante la mancanza di contenuti e le numerose dissolvenze che vanno ad evidenziare i solchi temporali presenti all’interno dell'impianto narrativo – scelta questa che rischia di far perdere la carica emozionale dell’avvio a conclusione – la reale problematica del film sta nell’interpretazione di Alba Rohrwacher che, assolutamente non all’altezza del compagno di scena, oltre a non riuscire nel trovare un’interessante modulazione della voce, offre un’interpretazione monodimensionale privando il proprio personaggio della complessità che invece avrebbe richiesto e che avrebbe sicuramente dato al film uno slancio maggiore.

Va comunque detto che “Hungry Hearts” dev’essere visto se non altro per il coraggio col quale Costanzo ha tentato un’operazione almeno negli intenti poetica e disperata, e non è cosa da poco.
Antonio Romagnoli
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venerdì, agosto 28, 2015

A BLAST

A Blast
di Syllas Tzoumerkas 
con Angeliki Papoulia, Vassilis Doganis, Maria Filini
Greca/Germania/Paesi Bassi,2014
genere, drammatico
durata, 83'



Così è la vita. In una giornata che il mondo del cinema avrebbe preferito evitare, con la morte del mai troppo compianto Robin Williams associata alla notizia del mancato arrivo a Locarno di Roman Polanski, "costretto" a rinunciare all'invito degli organizzatori per far tacere le polemiche innescate dalla sua eventuale presenza, dispiace constatare l'opportunismo di molte testate giornalistiche, pronte a riaccendere la spina sulla materia cinematografica solo in occasione degli eventi più dolorosi. Perchè se la coerenza fosse il principio discriminante nella scelta dei soggetti più interessanti, non c'è dubbio che un opera come "A Blast", del regista greco Syllas Tzoumerkas, con la sua bruciante attualità, dovrebbe occupare le prime pagine dei giornali. Il film infatti affonda il coltello nella ferite della "questione" greca, raccontando la storia di una crisi familiare in cui pubblico e privato si confondono in un malessere esistenziale che diventa tragedia, quando Maria (Angeliki Papoulia, attrice feticcio di Yorgos Lanthimos,) moglie e madre di tre figli e i suoi famigliari, devono affrontare il dissesto finanziario dell'azienda, coperta di debiti a causa del mancato pagamento delle tasse. Una scoperta improvvisa, che spezza il delicato equilibrio psicologico della donna, prostrata dalla lontananza del marito, imbarcato per motivi di lavoro, e condizionata da un'attitudine esistenziale, inquieta e insoddisfatta.


Partendo dal titolo che, anticipando il doppio binario - politico e psicologico - in cui si muove il film, fa riferimento ai disordini sociali scoppiati all'indomani della bancarotta del paese, e insieme all'esplosione di rabbia che da un certo punto in poi caratterizza i rapporti tra i vari personaggi, "A Blast" conferma la tendenza del cinema greco a interiorizzare gli avvenimenti contemporanei, rileggendoli attraverso i comportamenti di nuclei umani ristretti e oppressi all'interno di spazi, geografici e psicologici, claustrofobici. Anche in questo caso infatti la realtà storica rimane per lo più fuori campo (anche se in maniera meno esplicita rispetto a esempi precedenti),con i tumulti e le contraddizioni che emergono tra le righe di un tessuto umano instabile, e macchiato fin dal principio da un peccato originale che risale, guarda caso, a precise responsabilità genitoriali. Senza voler spingere troppo in direzione di una metafora sin troppo scontata, che fa dell'istituzione famigliare l'equivalente della comunità statuale, "Blast" ha il pregio di rimanere indipendente dalle riflessioni di cui si fa inevitabilmente carico, trovando nel contingente della sua storia la benzina per fare ardere l'animo dello spettatore.


Assecondando il deragliamento emotivo della protagonista, la struttura narrativa procede in maniera sincopata, e con inversioni temporali tra passato e presente che destabilizzano il pubblico, investito da un ego affamato d'esistenza. In analogia con i film dei colleghi che lo hanno preceduto (Lanthimos, Avranas)anche "A Blast" usa i corpi come fonte di rivolta utilizzando quello dei personaggi come terminale di una frustrazione che diventa ribellione da ogni convenzione. Da qui le caratteristiche di un'opera che porta l'Eros e il  Thanatos dell'amplesso amoroso all'interno di una pansessualità sfrenata e disinibita. In questo senso la scena nell'internet caffè, in cui Maria guarda video porno circondata dallo sguardo esterafatto della congrega maschile, è significativa di un individualismo sfrenato, che alla luce di quanto sembra dirci il regista, rimane l'unica forma di difesa nei confronti dell'orrore del tempo presente. Ci sarebbe da aggiungere che Tzoumerkas gira in maniera divina, con soluzioni che aprono le immagini a un senso che non si esaurisce in ciò che vediamo ma che scava nell'animo dello spettatore. "Blast" è un pugno nello stomaco che può servire a risvegliare la coscienze.
(pubblicato su onacinema/speciale 67 festival di Locarno)
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giovedì, agosto 27, 2015

GHOST WORLD

Ghost world
 di Terry Zwigoff
con: Tora Birch, Scarlett Johansson, Steve Buscemi, Brad Renfro, Ileanna Douglas, Bob Balaban
Usa, 2001
genere, commedia
durata, 110'




"A change would do you good".
- S.Crow -



L'adolescenza e' per il cosiddetto mondo adulto un po' quello che democrazia e diritti umani sono per il mercato: vitali e indispensabili - sebbene problematici - punti di riferimento (materiali, filosofici, simbolici), fino a quando non si piazzano di traverso. Allora le cose si complicano, le soluzioni si allontanano e i conflitti aumentano.

"Ghost world", capitolo terzo nella personale commedia umana di Terry Zwigoff, autore di scarsa prolificità come non aduso a cantare nel coro, di traverso ci si mette subito e prepotentemente, gettando uno sguardo sull'età acerba tanto poco incline all'edulcorazione, quanto ancor meno consolatorio. Lungi sia dalle secche della trimurti goliardico-sentimental-sportiva e dal binomio degli arricchimenti prodigiosi e dei miraggi caramellati, connaturati, quasi - quelle e questo - alla teen comedy americana, sia dalla desolata patologia dell'emarginazione violenta e dell'abiezione (sviluppatasi a ridosso degli anni '90 come contraltare realistico-sociologico non di rado contrassegnato da caratteri allucinatori mirati a demolire qualunque ipotesi sul genere tempo delle mele e in un pugno di film incarnata - e, alla fine, addirittura pagata - ad esempio, da uno come Brad Renfro, qui in una sconsolata parte di contorno), l'opera va a collocarsi in una particolare terra-di-mezzo - invero poco frequentata, pensiamo, tra gl'impavidi, al M.Lehmann di "Heathers", del 1988 o al T.Solondz di "Welcome to the dollhouse" del 1995 e di "Palindromes", del 2004 - all'interno della quale sagacia e precoce disillusione, disgusto per l'ovvio e inclinazione naturale alla caricatura (da usare anche come strumento di difesa) hanno la meglio sulle tipiche ubbie connesse alla popolarità, all'ossessione di apparire, alla stessa urgenza di acquisire i rudimenti della formazione culturale (da un sistema scolastico, poi, la cui certificazione ufficiale del raggiungimento di un certo status sulla scala del sapere - a dire, nel caso, il diploma o le annesse ingiunzioni ad accollarsi rognosi corsi estivi - e' utile solo ad essere ridotta in pezzi un attimo dopo essere stata conseguita). 
 
 

Così come sarcasmo e insofferenza, solitudini improvvise e malinconie senza approdo, sanno farsi beffe comunque di consuetudini e atteggiamenti normali colti in doloroso anticipo nella loro essenza di triti e umilianti luoghi comuni nel migliore dei casi indirizzati verso l'incognita oscura del quieto vivere. Alla stessa maniera ma in controcanto, rudezza di linguaggio, una sessualità allo stesso tempo blandita e maneggiata con diffidenza, una qual apatia - ciascuno di tali modi di essere, a suo modo, leva già calibrata sull'osservazione critica dell'esistenza - scimmiottano e si sostituiscono, diversamente declinandoli, allo slancio e all'irruenza della giovinezza, con esiti a volte tragici nell'allusione, per dire, ad un definitivo ripiegamento nell'astio: in ogni caso sconcertanti per lucidità e precisione di analisi, oltreché per una capacita' d'irrisione a cui non sono estranee scaltrezza e cinismo.


Del resto, coerenza vuole che un giudizio riferito ai propri pari età oscillante tra antipodi apparenti come "semideficienti" e "ritardati", pronunciato da due esemplari dell'altra meta' del cielo sodali da sempre, in un contesto suburbano difficile dire se semplicemente iperrealista o depresso senza remissione (il mondo fantasma e' da intendersi in primis come corrispettivo fisico di un paesaggio che sembra aver barattato in via non revocabile la trasformazione ragionata dei suoi agglomerati con il declino a cromie brillanti della post-modernità) preveda un certo numero di difficoltà psicologiche e pratiche, di disagi, di frustrazioni, una volta che, per un motivo o per l'altro, la decisione e' quella di tenervi fede ribadendolo. Proprio la collisione, infatti, con un altro possibile aspetto del citato mondo fantasma, ossia quello dei rapporti falsi e superficiali (in specie quelli dei grandi ma non solo: il tenore generale e' tarato sul metro per cui tutti usano tutti), di quelli episodici o interessati, di quelli apertamente brutali o sottilmente prevaricatori, a compilare una mappa fallimentare delle relazioni umane - straziante, grottesca, come che sia di fatto percorsa da linee che tendono a circoscrivere il sospetto di una ineliminabile inettitudine di fondo - irrigidisce e sconcerta vieppiù le prese di posizione di Enid/Birch e Rebecca/Johansson, liceali s'è detto argute, fuori posto in un mondo perlopiu' - e di gusto - ottuso, latrici peraltro di un proprio modo di porsi in esplicito attrito con lo stereotipo muliebre dominante mai disposto a spingersi troppo oltre il tipo cheerleader, da un lato e quello modella in erba, dall'altro, a cui, quasi d'incontro, si potrebbe dire, si risponde a colpi di caschetto nero, occhiali a montatura variabile, mise ricercatamente arzigogolate e anfibi per Enid (una Birch paffuta, dalla carnagione simil lattea e gli occhi vispissimi); chioma castana, pullover sottile girocollo su shorts dal taglio maschile e mocassini di foggia robusta per Rebecca (la futura stella Johansson, qui guardinga, quasi goffa ma sempre come sul punto d'imporre finalmente un'esuberanza da troppo inibita causa circostanze avvilenti), a testimonianza, rafforzando anche da fuori l'anomalia intrigante di una narrazione inusuale, di un erotismo genuino, svagato, un tanto bislacco, nondimeno feroce, di sicuro non cool (neanche a dirlo ben presto scalzato, almeno lungo le traiettorie della carriera della Johansson, da un più opportuno divismo studiato a tavolino, accomodante tanto verso le blande esigenze del palato medio, quanto verso quelle più ferree e subdole del glamour da copertina e della pubblicità), che Zwigoff dosa in una mistura ancora in grado di giocare sia sull'allusione finto ingenua, sia su una provocazione esplicita e diveritita perché a riparo da controprove imminenti indesiderate o imbarazzanti.


Assieme all'ironia pungente e a sprazzi di comodo fatalismo, questa sorta di flusso vitale represso, un po' contorto e incontrollato - intriso certo di candore, di malizia opportunista, eppure alimentato da una spinta in direzione opposta a ciò che si presume (o ci si e' piegati a considerare) inamovibile: una curiosità autentica, quindi (Enid-lingua-lunga si fa cacciare da un lavoro ma tenta, benché le venga poi scippata, la via di una borsa di studio; Rebecca comincia a guadagnare per metter su casa) - percorre in sotterranea le vicende delle due ragazze (le quali, in genere, di romantico o mirifico hanno ben poco, dipanandosi nelle pieghe di un tran tran cristallizzato dal gelo dei suoi poli attrattivi di consumo - diner, centri commerciali, simulazioni di "tipiche tavole calde anni '50" - e tra le ansie contraddittorie e le irresolutezze di tipi umani sempre ad un passo dal crollo nervoso o dall'accasciarsi in una stranita rassegnazione - estremi non lontani dal mood interiore di certi personaggi di George Saunders -), arrivando, alla lunga, a preservarne l'identità dall'appiccicume del quotidiano nella forma di una marginalità matura perché accettata infine come contributo personale alla riduzione della conflittualità. Lo stesso rapporto dispari di Enid con Seymour (un affranto e querulo Buscemi ad emblema di un giovane vecchio patetico e insoddisfatto, collezionista di rari 78 giri - uno dei quali, tra l'altro, "Devil got my woman", 1931, di Skip James, diventa un delizioso tormento per Enid - a cui pero' non sfugge il bandolo della propria condizione: "Non sei in grado di avere nessun tipo di rapporto e allora ti riempi la vita di questo", le dice, durante una noiosa serata tra cultori di vecchi dischi, alludendo alla comune mania catalogatrice) vive e prolifera solo in virtù dello squilibrio che la petulanza, l'obliqua malia e il corrosivo brio negativo della teenager inocula nelle fibre spossate di un arreso uomo-massa, restituendogli persino la forza di osare ciò che fino a quel momento egli aveva relegato nell'inconcepibile: frequentare una coetanea.

 
E' così che Zwigoff - in collaborazione con Daniel Clowes, co-sceneggiatore e autore del comic book dal quale il film prende le mosse - riesce, con avvertita naturalezza e senza concedere alla sue protagoniste facili scappatoie ma modulando accorte variazioni sul registro delle emozioni di base (stupore, delusione, rabbia, aspettazione, et.), la' dove molti altri tentativi si arenano nelle agnizioni gratuite o nelle catastrofi sbrigative: rendere motivatamente seducente una visione pessimista (e dall'epilogo incerto) della realtà, delle prospettive personali, del proprio posto in un mondo butterato che nemmeno somiglia più ai colori (pieni) e agli umori (aspri) di un romanzo disegnato intelligente e triste.
TFK
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FILM TELECOMANDATI: LOCKE

Locke
di Steven Knight
con Tom Hardy
Usa, Regno Unito 2013
genere, drammatico
durata, 85'

  
Davvero interessante e per certi versi sorprendente la carriera cinematografica di Steven Knight, dapprima al servizio di storie criminali prestate al regista di turno (Stephen Frears ma, soprattutto David Cronenberg) e poi, con presa di coscienza rivoluzionaria per tempistica e coraggio (due film in un anno, ed esordio con un attore voluminoso e ingombrante come Jason Statham), capace di segnalarsi all'attenzione di pubblico e critica per il suo talento di filmmaker.La prima considerazione che viene in mente dopo avere visto "Locke", il suo ultimo film, è la capacità del regista di fissare in una così breve filmografia gli assi portanti del suo cinema e, quindi, di far emergere in maniera netta i segni della propria autorialità. Tendenze eterogenee tenute insieme dalla solidità della scrittura, che nel caso in questione si avventurava in un'impresa non da poco, prevedendo per tutto il film un'unica location, ovvero l'interno dell'automobile in cui sta viaggiando Ivan Locke, capo cantiere, impegnato a saldare un debito con la propria coscienza, rivelando alla moglie il tradimento di una notte, e annunciando la volontà di assistere alla nascita del bambino, frutto di quella trasgressione.

 

Con un intreccio praticamente inesistente, e con l'unica incognita di una qualche sorpresa derivante dallo stato emotivo del protagonista, bloccato all'interno dell'auto e costretto a tenere a freno le reazioni per l'impossibilità di agire al di fuori dell'orizzonte prestabilito (l'ospedale in cui la donna sta partorendo), "Locke" ha tutte le caratteristiche per scoraggiare lo spettatore abituato a fidarsi solo di ciò che vede. Ed è proprio eliminando il confine che divide il visibile da ciò che non lo è, il parlato dal non detto, che Steve Knight compie il suo capolavoro, trasformando la trappola claustrofobica dell'assunto in una confessione che apre le porte a una rinascita esistenziale, in cui la routine quotidiana (la cronaca della partita di calcio che il figlio commenta al padre durante le conversazioni telefoniche) e i dettagli più anodini (i calcoli e le procedure per la colata di cemento che servirà alle fondamento di un gigantesco palazzo) si intersecano con un sostrato filosofico universale e condivisibile. Quest'ultimo, apprezzabile non solo nei temi della responsabilità e nella redenzione che, alla pari dei film precedenti, sono il caposaldo della poetica del regista (i protagonisti de "La promessa dell'assassino" e, ancor più, di "Redemption", erano mossi da un'assunzione di colpa e da un'innocente da proteggere) ma anche nell'utopia - sconfessata - di ridurre la realtà a una razionalità che le appartiene solo in parte e che la narrazione fa saltare, quando Locke, uomo metodico e pragmatico, sarà costretto ad affidare le sorti del suo lavoro all'improvvisazione e al caos da cui sempre ha cercato di sottrarsi.

 

Evitando di addentrarsi nei riferimenti al pensiero dell'omonimo filosofo inglese, a cui la personalità del protagonista per certi versi può essere accostata, preferiamo soffermarci sulla qualità delle immagini, in "Locke" decisive per conferire alla storia i suoi significati. Cominciando dalla sequenza inizlale, l'unica che si svolge in ambiente esterno, con la voragine del cantiere simile a Ground Zero a preannunciare il disastro che si è già compiuto (la notte d'amore con una sconosciuta) e la svestizione dell'uniforme di lavoro a introdurre il disvelamento, psicologico e materiale, del personaggio, e poi continuando con l'impressionismo della fotografia che, attraverso i vetri della macchina, proietta il mondo esterno sul volto del protagonista, mantenendolo attaccato alla realtà (l'astrazione era uno dei rischi possibile) e, al contempo, disegnando sullo schermo un magma di luci e di colori che diventano l'anima e il cuore del film e del suo protagonista. In un modo non lontano dall'Alfonso Cuaron di "Gravity" (e, nel suo piccolo, si può citare anche l'Alberto Fasulo di "Tir"), Knight riesce a farci perdere le coordinate del nostro presente per trasportarci all'interno del tempo psicologico dell'opera, che in tal modo ci coinvolge in prima persona senza farci sentire il peso della sua visione. Abituato a cambiar pelle, Tom Hardy nella parte di Ivan Locke è perfetto nel confondere un immaginario d'attore continuamente reinventato e, in questo caso, messo a disposizione di un'interpretazione in cui la fisicità viene imprigionata dall'hip hop mentale a cui lo costringe una sceneggiatura ad orologeria. Non abbiate paura, correte al cinema e non ve ne pentirete.
(pubblicata su ondacinema.it

In onda questa sera:
Cult, ore 1930
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mercoledì, agosto 26, 2015

LE ANTEPRIME DE ICINEMANIACI: LA BELLA GENTE

La bella gente
di Ivano de Matteo
con Elio Germano, Monica Guerritore, Antonio Catania
Italia, 2009
drammatico
durata, 98'


"Non importa se bene o male, l'importante è che se ne parli".

Sembra questo l'algoritmo sul quale si fonda il successo di un film come "La bella gente", opera del 2009 diretta da Ivano de Matteo che in seguito ad una pesante censura ha trovato una distribuzione, dopo aver fatto il giro del mondo, sugli schermi nostrani. 

Affermazioni, queste, dettate dal fatto che l'inconsistenza formale e contenutistica del film - si narra di una famiglia tipicamente italo-borghese che decide di aiutare ed accogliere una prostituta - salta all'occhio già dai primi minuti. L'inesistente coerenza visiva, difatti, è il tappeto rosso sul quale sfilano una drammaturgia lacunosa e colmata malamente con un ingombrante uso della colonna sonora, nonché una direzione degli attori che si concentra solo sul ruolo della ragazza ucraina, unico personaggio che difatti riesce a restituire qualche briciola di dignità alla pellicola, confermando, per altro, le mediocri doti attoriali di un attore in voga come Elio Germano.

Sembra invece - ed è ancor più grave - che sia completamente caduta nel dimenticatoio, o peggio del tutto ignorata, l'intera centenaria dialettica circa l'ipocrisia-medio-borghese, che anche tra i pensatori nostrani - si vedano i vari Pasolini, Svevo o, nello specifico cinematografico, con tutti i difetti del caso, Moretti - ha trovato sempre nuovi spunti per non diventare un argomento riesumato dalla tomba  del già-detto: la vaporosità con la quale de Matteo tocca determinati punti basterebbe a catalogare "La bella gente" come un prodotto di serie b che senza il controproducente proibizionismo tutto italiano sarebbe caduto nell'oblio della propria cedevolezza.
Antonio Romagnoli
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FILMTELECOMANDATI: LA VITA FACILE

La vita facile, di Lucio Pellegrini
con Stefano Accorsi, Pier Francesco, Vittoria Puccini
Italia, 2011
genere, commedia, drammatico
durata, 102'



Finalmente un bel film italiano. Dopo una serie di prodotti che solleticano la fantasia televisiva del pubblico nostrano, infarcendolo di un qualunquismo che usa la risata come mezzo per dissuaderlo da qualsiasi iniziativa critica, ecco spuntare all’orizzonte il film che non ti aspetti, realizzato da un regista “alternativo” come Lucio Pellegrini, poco prima nelle sale con l’ennesimo rifacimento dei soliti ignoti, e qui pronto a raddoppiare con un'altra uscita che però si discosta e non di poco dalle sue esperienze precedenti.


Film della maturità si potrebbe dire, se la parola non rappresentasse un ipoteca su un futuro ancora da scrivere, per la presenza di personaggi che con la giovinezza e le loro scelte sono chiamati a fare i conti. Ma soprattutto film con la “F” maiuscola per la volontà di costruire una storia che non si ferma al glamour dei suoi interpreti, Accorsi e Favino - come dire un pezzo importante della nouvelle vague italiana - all’effetto delle loro battute, e che soprattutto non usa il malessere della società per imbastirci sopra una serie di speculazioni di ovvio qualunquismo.



La vicenda di Luca e Mario divisi da una donna ma soprattutto da una visione del mondo quantificata dalla distanza tra le strutture fatiscenti dell’ospedale africano gestito dal primo ed i corridoi asettici della clinica in cui opera il secondo, è il pretesto per fare il punto su una generazione che ha messo da parte amore ed ideali politici per trovare il proprio posto nel mondo. Così quando Mario con la scusa di aiutare l’amico si trasferisce in Africa, le ragioni di quella diversità ma soprattutto la natura delle loro personalità diverranno la chiave per un esperienza catartica, capace di portare a galla antiche ipocrisie risolvendole alla luce di un confronto giocato in una terra che non ammette vie di mezzo.


Ambientato quasi interamente in un paesaggio africano che non diventa mai stereotipo, La vita facile smentisce il suo titolo presentandoci un’umanità perennemente in affanno, intrappolata in una dimensione di precarietà che seppur a diversi livelli, Mario impegnato a mantenere un tenore di vita al di sopra delle proprie possibilità e Luca medico senza frontiere e senza mezzi, si rivela l’unica costante in un pluralismo di caratteri ed aspirazioni. Enfatizzando il contrasto tra la vastità degli spazi naturali con i limiti degli interni borghesi oppure anteponendo lo stile di vita frugale ma sincero del personale impegnato nella missione umanitaria con quello affettato e di convenienza del mondo imprenditoriale, Pellegrini rende ancora più evidente la grettezza dei nostri tempi. Ma il vero capolavoro lo compie quando lavorando sulle psicologie dei personaggi (basterebbe pensare al personaggio di Ginevra ago della bilancia e punto di raccordo tra i due amici) permette alla storia di trasformarsi in una specie di thriller esistenziale dopo averci abituato ad un tono a metà strada tra il dramma e la commedia. Ed è proprio nelle sfumature dei toni, ben sintetizzate dalla complementarità caratteriale dei due protagonisti, Favino estroverso e farabutto, Accorsi ingenuo ed idealista, ma anche dalla comune debolezza (entrambi in un fuga, entrambi soggiogati dalla stessa donna) che La vita facile riesce a dirci qualcosa di diverso, a sollevarci il dubbio che forse è proprio nella comprensione della fallibilità che si nasconde la ricetta della nostra rinascita. Sbaglio quindi sono. E’ questa la nuova "eresia" a cui anche noi ci uniamo volentieri.
 In onda questa sera:

 Canale 5, ore 23,50
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martedì, agosto 25, 2015

EDEN

Eden
di Mia Hansen Love
con Félix de Givry, Pauline Etienne, Vincent Macaigne, Hugo Conzelmann
Francia, 2014
genere, drammatico
durata, 131'



Che quella elettronica sia una musica che si addice ai gusti dei francesi è cosa nota almeno a partire dagli anni settanta, per la presenza di un’artista come Marc Cerrone, vero e proprio precursore del movimento attraverso una serie di dischi che furono in grado di rivaleggiare con i mastodonti della disco music americana. Una tendenza, che negli anni a venire è riuscita a resistere alle mode del momento, arrivando a conquistarsi  la propria fetta di mercato grazie al successo internazionale del progetto artistico che fa capo ai Daft Punk, esponenti di punta della cosiddetta France House. Come carta assorbente il cinema prende atto dello scarto e solo in questa stagione ci presenta due film che in modi diversi testimoniano quanto abbiamo appena detto. Del primo,  “The Fighters - addestramento di vita” diretto da Thomas Cailley abbiamo parlato solo qualche mese fa e in questa sede basterà ricordare quale sia sia stato il peso delle sonorità elettroniche nell’economia generale della messinscena; del secondo invece che è anche l’oggetto della nostra recensione ci apprestiamo a farlo non prima di aver ricordato che “Eden” diretto dalla regista Mia Hansen Love arriva nella sale a quasi quattro anni di distanza da quell’ “Amore di gioventù” che aveva colpito per  la lucidità con cui raccontava l’educazione sentimentale della sua giovane protagonista. E proprio dal ricordo di quel film che sembra partire la Hansen Love, raccontando in qualche modo un’altra storia di formazione in cui però, a fornire gli strumenti dell’apprendistato è,  manco a farlo apposta lo scenario musicale, che a partire dai novanta vede crescere e imporsi il fenomeno musicale legato appunto ai Daft Punk, veri e propri numi tutelari di Paul, adolescente il cui percorso di crescità esistenziale segue di parì passo quello artistico, rappresentato appunto dal tentativo di diventare un dj di fama internazionale attraverso la creazione di una proprio etichetta musicale. 

 
Alle prese con una sceneggiatura che ancora una volta ha a che fare con esperienze di vita vissuta - questa volta per interposta persona, attraverso le vicissitudini capitate al fratello Sven che qui collabora in fase di scrittura - la Hansen Love non si limita a illustrare la biografia del personaggio, con gli alti e bassi che ne accompagnano i suoi sogni e le sue delusioni ma ne da un interpretazione in chiave drammaturgica, che si mantiene in equilibrio - attraverso la presenza dell'elemento musicale rappresentato dalla colonna sonora prodotta dal protagonista - tra il referto sociologico (con la descrizione dell'underground musicale e del panorama culturale entro cui si muove Paul) e il diario privato, in cui trovano spazio le relazioni sentimentali del ragazzo così come gli scompensi emotivi che derivano dalle asperità della posta in palio. 


L'effetto più evidente è quello di una passione se non raffreddata, almeno tenuta a freno dalla mancanza di quel sensazionalismo alla belli e dannati che di solito contraddistingue i ritratti degli artisti o presunti tali. In questo modo, il leit motiv costituito dallo slogan "sesso, droga e rock and roll", seppur presente nella dipendenza chimica di Paul e nelle manie depressive del suo amico e collega, viene spogliato da qualsiasi tipo di compiacimento estetico e vojeristico. Così facendo, l'eccezionalità raccontata da "Eden" e la giovinezza che così bene gli corrisponde, diventano significative di una crescita esistenziale che potrebbe essere uguale a quella di chiunque altro. Senza bisogno di quella leggittimazioni ideologiche e politiche di cui la Hansen Love riesce a fare a meno e che, almeno in patria, non le consento di essere menzionata con la reputazione che invece meriterebbe.
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lunedì, agosto 24, 2015

JOKER - WILD CARD

Joker - Wild Card
di Simon West
con Jason Statham, Stanley Tucci Michael Angarano
Usa, 2015
genere, action, thriller
durata, 92'



Ogni volta che esce un film d'azione interpretato da Jason Statham non ci si può non chiedere come mai un attore come lui, in grado di districarsi  in film in cui oltre ai muscoli bisogna avere anche fascino, carisma e un pizzico d'ironia (Spy ne è la prova) si ostini a farsi coinvolgersi da progetti come "Joker", remake di un lungometraggio - Black Jack (1996) -  tutt'altro che memorabile interpretato da Burt Reynolds, in cui il nostro ancora una volta è chiamato a recitare la parte del cavaliere con molte macchie ma senza paura, costretto a vendicare le offese subite dalla fanciulla di turno. Nella fattispecie si tratterà di pareggiare i conti con un trio di energumeni legati a una potente famiglia malavitosa di Las Vegas. Ovviamente ci scapperà il morto e Statham non si lascerà sfuggire l'occasione per sfoggiare le sue abilità combattentistiche. Il punto però non è tanto questo, perchè "Joker" è pur sempre un film d'azione che vive soprattutto sul dinamismo e sulla fisicità del sua star. A non convincere è la qualità - si fa per dire - di una sceneggiatura che non riesce a fare di meglio che presentare una serie di duelli alla O.K Corral, senza curarsi minimamente di approfondire quelle sfaccettature del personaggio (per esempio il suo vizio per il gioco) che nelle intenzioni della sceneggiatura dovrebbero giustificarne le scelte morali . Così facendo il film  diretto da un Simon West al minimo sindacale, procede attaccandosi a quello straccio di plausibilità fornita dalla vendetta del maltolto, anche nel momento in cui, nella seconda parte della storia, la trama si incanala in risvolti che poco centrano con i motivi di quella premessa. Per tutti, pubblico compreso, un occasione persa.
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HAPPY HOUR E IL PUDORE DELLA MACCHINA DA PRESA: INTERVISTA A RYUSUKE HAMAGUCHI


Abbiamo incontrato Ryusuke Hamaguchi, regista di "Happy Hour", uno dei film più belli presenti in questa edizione del festival di Locarno



Conosce lo scrittore russo Anton Cechov
Si lo conosco avendone letto parte delle opere e, in particolare, "Il giardino dei ciliegi" che, è quella che più mi è piaciuta. Se ho capito il significato della sua domanda, posso dirle che apprezzo lo scrittore ma non fino al punto da essermi fatto influenzare nella stesura del film.

A proposito della lunghezza del suo lungometraggio, le chiedo in che misura un minutaggio così corposo (317') è stato necessario alla narrazione della storia
Al termine di ogni visione questa è una delle domande più ricorrenti. Inizialmente il motivo è nato dalla sceneggiatura. Eravamo convinti che la fluvialità della vicenda fosse la maniera migliore per permettere alle attrici di entrare nel proprio ruolo e di capire le emozioni dei rispettivi personaggi. Successivamente, in fase di montaggio e come spettatore, ho sentito che quella lunghezza era l'unico modo per raccontare la storia che avevamo in testa. Il produttore è stato d'accordo e quindi non ho dovuto fare alcun taglio rispetto al montaggio originale.


Nella vita dei personaggi il sesso è vissuto come una mancanza e quindi mi chiedevo se fosse questa la ragione per cui lei non lo mostra in nessuna scena.
Una delle ragioni può derivare dalla mia cultura e dal fatto di essere giapponese. Però il tema del film non era il sesso, che è presente come tante altre cose della nostra vita, quanto piuttosto la difficoltà che abbiamo nell'esprimere i sentimenti più intimi e personali. D'altro canto nella vicenda il sesso è vissuto con frustrazione ma io non ho mai sentito la voglia di girare una scena di questo genere. Ci sono registi che hanno girato magnifici film sull'argomento. Io però mi sento vicino ad autori come Ozu e soprattutto Cassavetes, il quale affermava che la mdp doveva restare fuori dall'intimità delle persone. Aggiungo che per me è fondamentale la posizione della macchina da presa e che nella scene di sesso non c'è modo di trovare il posto giusto per iniziare a filmare.

Nel film ci sono scene molto rapide e altre piuttosto statiche. Questo mi fa pensare a uno stile a metà strada tra fiction e documentario
Io non faccio alcuna distinzione tra le due modalità. So solo che ci sono cose che i personaggi non posso fare a meno di perdere la loro credibilità. Per questo ho scelto di alternare alcuni inserti di pura fiction, necessari a far progredire la storia, e altri, con una drammaturgia più debole, indispensabili all'approfondimento di certe situazioni.
(pubblicata su ondacinema.it/speciale 68 festival di Locarno)
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domenica, agosto 23, 2015

KENJI MIZOGUCHI, MAESTRO DEL MELODRAMMA MODERNO



In un momento di rinnovato interesse per il cinema classico giapponese (ne è dimostrazione il successo di pubblico della rassegna dedicata a Yasujirō Ozu in programmazione nelle sale cinematografiche italiane), la Cineteca Italiana di Milano ha realizzato, con intelligente tempestività, un omaggio, scegliendo sei opere degli anni 50, a Kenji Mizoguchi, altro grande maestro, che, insieme ad Akira Kurosawa, fa parte di quella imprescindibile triade di autori del cinema giapponese conosciuta da ogni cinefilo. L’occasione è ghiotta per i fortunati che ne possono approfittare per (ri)scoprire un autore immenso che ha regalato al cinema dei veri e propri capolavori, delle perle di pura bellezza estetica, e ha reso grande la Settima arte.


Kenji Mizoguchi nasce a Tokyo alla fine dell’Ottocento da una modesta famiglia di artigiani e muore a Kyoto nel 1956 per un attacco di leucemia fulminante, quando ancora era in piena attività. La sua sterminata filmografia ha inizio nel 1923 ed è composta da ottantacinque film che attraversano la storia del proprio paese e dell’evoluzione tecnica del cinema. Dei suoi primi quarantasette film (in gran parte del periodo del muto) solo due sono arrivati a noi, e se già negli anni 30 e 40 Mizoguchi era considerato un maestro in patria, nel resto del mondo s’inizia a conoscerlo dopo la vittoria di “Rashomon” di Akira Kurosawa alla Mostra Internazionale dell’arte cinematografica di Venezia nel 1951, che alza il sipario al pubblico occidentale sulla ricca filmografia giapponese. In effetti, negli anni seguenti, Mizoguchi partecipa alla Mostra lagunare con tre opere considerate universalmente dei capolavori (e compongono l’omaggio riservato dalla Cineteca): “Vita di O-Haru, donna galante” (1952), “I racconti della luna pallida d’agosto” (1953), “L’intendente Sanshō” (1954) che si aggiudicano il Leone d’argento a dimostrazione dell’attenzione riservata all’autore nipponico.


Nel cinema di Mizoguchi troviamo una rappresentazione delle vicende di quei ceti popolari, frequentati in prima persona dal regista, con personaggi soprattutto femminili che affrontano le avversità del destino a testa alta nella loro sofferenza. Le protagoniste delle sue storie sono forti ed eleganti nella rappresentazione delle proprie disgrazie, vissute sempre con grande dignità, siano esse nobildonne decadute o cortigiane, figlie e mogli con padri o mariti che in qualche modo le sfruttano come oggetto di possesso, ridotte a merce di scambio, dove il denaro diventa l’unico obiettivo di uomini che giocano un ruolo predominante in una società patriarcale e maschilista.
Un esempio di questi temi amati dal regista lo abbiamo con “Vita di O-Haru, donna galante”, tratto da un romanzo della letteratura giapponese del Seicento, dove viene messa in scena la vita di O-Haru che da dama di corte imperiale, per essersi innamorata di un modesto samurai senza il permesso della famiglia e della classe nobile, viene esiliata dalla capitale. La vediamo in diverse tappe della sua esistenza in una caduta continua, raccontata in un lungo flashback in soggettiva: prima venduta dal padre come concubina a un nobile per dare alla luce un discendente al clan; poi scacciata per motivi politici, gli ritocca la stessa sorte ma questa volta come cortigiana in una casa chiusa per pagare i debiti che nel frattempo il genitore aveva accumulato; a servizio come dama di compagnia presso un ricco mercante, da cui viene scacciata dopo aver scoperto il suo passato (non prima di averla posseduta); una breve parentesi di felicità, sposata a un giovane artigiano di ventagli, ma ben presto vedova e senza denaro; per finire raminga e infine prostituta di strada. La storia di O-Haru è esemplificativa di quel gusto del melodramma che Mizoguchi ricercava nelle sue storie, raccontate sempre con estrema eleganza formale, dalle emozioni sconvolgenti, da una lotta impari di figure femminili ritratte con un’empatia che travalicava lo schermo.

In “Vita di O-Haru” si può ammirare l’arte cinematografica di Mizoguchi e i suoi famosi piani sequenza espressivi: citiamo su tutti quello bellissimo in cui O-Haru scopre che il suo giovane amante samurai è stato giustiziato e scappando, per togliersi a sua volta la vita con un pugnale, viene inseguita dalla madre nel bosco vicino casa, utilizzando la scenografia naturale come sfondo per una danza di morte e dolore delle due donne. Non bisogna dimenticare i primi piani intensi sugli sguardi dei protagonisti e l’utilizzo di totali con una profondità di campo che permettono la messa in quadro di un mondo complesso e articolato (influenzato dalla pittura di Utamaro, autore del XVIII secolo, del periodo Ukiyoe, quel “mondo fluttuante” che rappresentava la vita quotidiana di mercanti e cortigiane). L’utilizzo innovativo di questa grammatica cinematografica lo rendono un precorritore intuitivo di un cinema moderno influenzatore di tanti autori europei e americani negli anni 60 e 70.
Del resto, l’indimenticabile interprete di O-Haru, Tanaka Kinuyo (attrice icona di altri film del periodo come ne “La signora Oyu” e “I racconti della luna pallida di agosto”) recita con i movimenti del corpo e dei ricchi costumi che diventano strumento espressivo delle emozioni con un gusto figurativo che Mizoguchi aveva sviluppato negli anni del suo apprendistato artistico come disegnatore e pittore.
E la bravura di Mizoguchi nel dirigere le attrici è un’altra caratteristica (una delle tante) di questo maestro del cinema mondiale da vedere anche negli altri film della rassegna organizzata dalla Cineteca Italiana, focalizzata sull’ultimo periodo, che, oltre ai già citati, comprendono anche “Il ritratto della signora Yuki” e “La strada della vergogna”, l’ultimo film del ‘56.
Antonio Pettierre
“Omaggio a Kenji Mizoguchi”, Fondazione Cineteca Italiana, Spazio Oberdan, Sala Alda Merini a Milano dall’ 11 agosto al 7 settembre 2015 http://oberdan.cinetecamilano.it/eventi/omaggio-a-kenji-mizoguchi/













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LA FOTO DELLA SETTIMANA

Klute di Alan J Pakula (Usa, 1971)
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sabato, agosto 22, 2015

MISSION: IMPOSSIBLE - ROGUE NATION

Mission: Impossible - Rogue Nation
di Christopher McQuarrie
con Tom Cruise, Jeremy Renner, Simon Pegg, Rebecca Ferguson
Usa, 2015
genere, azione
durata, 130'
 
 
È cosa nota che un prodotto vincente non necessiti di ulteriori cambiamenti. A provarlo non è solamente la ricorrenza del vecchio adagio quanto piuttosto l'esperienza sul campo che il cinema e in particolare le grandi Majors hollywoodiane hanno messo a frutto attraverso produzioni ad alto tasso di serializzazione. In questo ambito è però necessario, almeno a livello di analisi, fare dei distinguo che solo apparentemente rientrano nell'esercizio di retorica a cui talvolta è costretto il recensore nel tentativo di supplire all'inconsistenza della materia prima che è chiamato a giudicare. Il quinto capitolo delle avventure dell'agente Ethan Hunt e dei suoi temerari compagni calza a pennello con la tipologia di prodotto a cui abbiamo appena accennato, essendo non solo un blockbuster di primo livello per marketing e investimenti finanziari ma anche per il fatto di presentare caratteristiche di omologazione rispetto al calco originale ("Mission: Impossible" di Brian De Palma) che rendono gli episodi della saga pressoché identici. Per questo motivo crediamo che nel parlare di "Mission: Impossible - Rogue Nation" risulti poco interessante soffermarsi sugli elementi costitutivi di una vicenda come al solito costruita tutta in salita, con i nostri eroi costretti a dimostrare la propria lealtà, operando in un territorio ai limiti della legalità, e rischiando la vita per salvarla a chi per primo ne mette in dubbio la loro credibilità. 
 
 
 
Meglio piuttosto registrare la varianti che, pur sottili, esistono anche nel film diretto da Christopher McQuarrie, new entry piazzata in cabina di comando per continuare a gestire il restyling operato nel capitolo precedente, il più significativo nell'economia generale della saga, soprattutto per quanto riguarda la centralità del personaggio principale, costretta a fare posto al protagonismo degli altri membri della squadra e, diciamo noi, alla bravura degli attori - Jeremy Renner e Simon Pegg - chiamati a interpretarli; e, sempre in termini di novità, per la qualità drammaturgica della storia, che la regia di Brad Bird ( "Gli incredibili" ma anche "Il gigante di ferro") aveva vivacizzato con inserti improntati a un tipo di humour che faceva il verso a quello sperimentato dallo stesso regista nei lungometraggi realizzati per conto della Pixar. In questo senso, "Rogue Nation" segna a nostro avviso il ritorno in grande stile dell'agente segreto interpretato da Tom Cruise e quindi, dell'attore stesso, presente in grande spolvero soprattutto sotto il profilo della forma fisica (aspetto da non sottovalutare se ricordiamo che molte delle critiche rispetto a una possibile stanchezza del personaggio erano collegate anche all'appannamento fisico dell'attore registrato in "Mission Impossible III"). 
Con la complicità del fido McQuarrie, già regista di quel "
Jack Reacher" che aveva contribuito a rimetterlo in pista dal punto di vista commerciale, Cruise si esibisce dal primo all'ultimo minuto in una serie di acrobazie fisiche che tolgono ogni dubbio sull'eventuale incompatibilità anagrafica dell'attore rispetto al ruolo da lui interpretato. 
 
 
Una restaurazione che da una parte restringe il raggio d'azione degli altri attori, relegati al ruolo di comprimari, e che dall'altra mette al bando quelle propaggini di ilarità introdotte dal personaggio di Simon Pegg, qui, e non a caso, autore di un'interpretazione ai limiti della seriosità. Ma non solo, perché "Mission impossibile - Rogue Nation", a differenza dei film che lo hanno preceduto, sembra guardare alle origini della saga e, nello specifico, alla forma cinematografica del prototipo realizzato da Brian De Palma, ripreso sia nella scelta dall'ambientazione mitteleuropea (con Vienna al posto di Praga) e più in generale di quella matrice europea che aveva influenzato - anche nell'uso ragionato degli effetti speciali - la produzione del film del 1996, come pure nella similitudine della scena dell'infrazione alla banca dati del nemico, simile per tempistica (ambedue piazzate a metà del racconto) e modalità a quella in cui Tom Cruise, calato all'interno del caveau si ritrovava ad operare in uno stato di sospensione gravitazionale. 
 
 
Arrivando a citare il regista di "Carrie" (qui il riferimento è fornito dalla lunga sequenza dell'omicidio di "Snake Eyes") nell'inserto organizzato all'interno del teatro dell'opera della capitale austriaca e nel dietro le quinte di una rappresentazione operistica che, grazie all'enfasi del commento canoro, diventa co-protagonista di una "caccia al ladro", in cui, a farla da padrone, è il voyeurismo della mdp che attraverso il punto di vista dei personaggi ci presenta diverse facce della medesima realtà. Per il resto "Rogue Nation" è routine di lusso, determinata a confermare il proprio marchio di fabbrica anche a costo di risultare scontato e ripetitivo. Che tutto ciò basti a realizzare il necessario "plusvalore" è tutto da dimostrare; sta di fatto che paradossalmente è proprio l'incertezza del responso finanziario a fornire un minimo di imprevedibilità rispetto alla calcolata scientificità del divertimento che il film di McQuarrie ci regala.
(pubblicata su ondacinema.it)
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venerdì, agosto 21, 2015

FUOCHI D'ARTIFICIO IN PIENO GIORNO

Fuochi d'artificio in pieno giorno
di D.Yinan.
con, L.Fan, G.Lun-Mei, W.Xuebing, W.Jingchun
Cina 2014
genere, noir
durata, 110'



Mal dissimulato nel sottoscala di un numero imprecisato di cervelli, il presagio-della-fine (fine del calore umano, fine dei rapporti, fine della plausibilità delle storie), urla muto da anni più della stravolta creatura di Munch, cercando e trovando anditi sempre più confortevoli nei quali allignare prima di mostrarsi, un giorno o l'altro, in tutta la sfrontatezza del suo mesto splendore. Nel corpo millenario di un paese-continente come la Cina, l'estrema incarnazione dello spirito-del-tempo si fa intelligibile nella ricaduta capillare di certe croniche aporie del Capitalismo - alle nostre latitudini illusoriamente mitridatizzate sebbene non passibili, a tutt'oggi e, in generale, per aspetti intrinseci, di antidoto - Il suo onanismo coatto e bifronte accumulativo/dissipatore, per dire. O l'imperio, tanto più infido quanto più interrelato, di ben noti suoi semilavorati: individualismo, narcisismo, indifferenza, alienazione, nevrosi, aggressività, et. Ogni cosa a insistere sulle coscienze e le identità dei singoli nel modo di un lavorio ad alto tasso di erosione, in grado di produrre modificazioni non di rado sconvolgenti. Spesso, proprio lungo questo crinale, si muove il Cinema (un certo tipo di Cinema), azzardando riflessioni su un mondo in apparenza semplificato/pacificato perché in tutto e per tutto razionale, invece quanto mai irrisolto e problematico, e a maggior ragione se l'irrazionale lo si e' banalmente stipato nel profondo dei cuori, nell'inganno puerile di vincerlo senza colpo ferire. In particolare, negli ultimi tempi, questo certo-tipo-di-Cinema (una consistente fetta del quale e' proprio in Oriente che risiede) ha sovente sfoderato la carta dei generi o, meglio, delle loro imprevedibili mescolanze, delle inesauribili scorciatoie, delle ibride filiazioni, per tentare l'indecenza di restituire - in un gioco certo non esente da rischi e per quanto fragile e a stento ancora, talvolta, riconoscibile - un luogo e uno slancio interiore dai quali guardare a ciò che e' da venire.

 
Anche per tale ragione, un'opera come "Fuochi d'artificio in pieno giorno", di Yinan (per una volta la trasposizione criminale del titolo originale reso come "Black coal, thin ice" e' tutta a carico della sensibilità anglosassone) e' si' riconducibile al noir ma in esso, pero', non si esaurisce del tutto, attraversata com'e' da sollecitazioni appartenenti tanto al dramma che al melo'; da dilatazioni e persistenze che a tratti sconfinano nella natura morta con dettagli di archeologia industriale; nell'istantanea onirica, dai colori lividi, impregnata di un gelo unanimemente ostile; in lacerti di suggestioni pop stranite o esauste, per comporre paesaggi umani, naturali e materiali che s'intestardiscono a resistere pressoché da soli (la storia, in quanto tale, e' quasi ovvia, nella sua aderenza ad una codificazione collaudata) alla desolazione, alla dispersione.

Su simili direttrici, Zhang/Fan - detective ancor più introflesso e disilluso dopo essere stato scaricato dalla moglie, che si ritrova agli albori del terzo millennio ad indagare su resti umani macellati, impacchettati e dispersi su un territorio vasto quanto una provincia, in relazione ai quali il denominatore comune pare essere l'attività estrattiva di un certo numero di giacimenti carboniferi - procede nelle ricerche, tra piste inconcludenti, indizi fuorvianti, rivelazioni poco o punto utili, maturando mano mano più che una verità investigativa, tessere sparse di un puzzle più grande e più amaro, perdipiu' viziato da una generalizzata insensatezza di fondo, preludio, con buona approssimazione, di una fine inconsapevole tanto quanto miserabile, sostanziata di atrofia sentimentale, brutalità, inerzia, a compimento di quella apatia sintetica che, terminato il proprio lavoro in Occidente, guarda da un po' e con rinnovata bramosia alla Cina, ultimo esperimento moderno.

Itinerario che, infine, si completerà un lustro a venire, allorché Zhang, oramai preda dell'alcool, trasferito a diverse riprese tra le Sezioni del Corpo di Polizia, riannoda i fili del vecchio caso mai risolto, agganciando il proprio destino a quello della commessa di lavanderia Wu/Lun-Mei, vedova ambigua e dolente, con/per la quale troverà l'ostinazione di andare fino alla radice di una vicenda al tempo tragica e banale ("per non pensare di essere un totale fallimento") e constatare, al di la' di ogni facile consolazione (e smentendo il collega Liang/Xuebing, di li' a poco trucidato senza pietà, che gli aveva risposto: "E perché, credi che nella vita si possa anche vincere ?") che non e' vero l'assunto per cui, in fondo, si tratta di morire. Non sempre, almeno. A volte c'è da ricominciare a vivere, magari alla stregua di uno scherzo fuori copione, di un'insolenza beffarda ma partecipe: come fuochi d'artificio in pieno giorno.
TFK


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giovedì, agosto 20, 2015

LE ANTEPRIME DE ICINEMANIACI: THE GALLOWS - L'ESECUZIONE

The Gallows 
di Chris Lofing
con Reese Mishler, Pfeifer Brown
Usa, 2015
genere, horror
durata, 116'

 
Una morte accidentale avvenuta durante una rappresentazione teatrale, a scuola, filmata da un genitore in platea, e l'anniversario di una nuova rappresentazione di quello stesso spettacolo. Il soggetto, che pure poteva essere interessante, viene rovinato dall'ennesimo found-footage privo di idee e di una sceneggiatura abbastanza solida da far appassionare lo spettatore.
I protagonisti – pur introdotti da una lunghissima presentazione – non sono altro che calchi degli stereotipi umani del teen movie, e la scelta di utilizzare una soluzione registica così abusata non solo non è motivata, ma è addirittura resa incomprensibile dalla sceneggiatura, dal momento che a essere filmata è un'azione illegale e – nelle intenzioni – rapida da compiersi.
La decisione di utilizzare un'ambientazione così potenzialmente sinistra come un teatro, che ha anche  fama di essere “infestato”, viene vanificata dal pessimo uso che si fa della scenografia, preferendo il ricorso a prevedibilissimi jump-scare, che interrompono la tensione e stravolgono il ritmo di quella che poteva essere una posata e graduale ascesa verso un finale che, seppure già rivelato, avrebbe potuto essere un'ottima chiusa.
A salvare la sceneggiatura non bastano nemmeno i pochi colpi di scena, che non riescono a smuovere l'interesse di uno spettatore ormai abituato a personaggi così bidimensionali che non aspetta altro che i cliché si succedano, uno dopo l'altro, fino al finale.
Le numerose contraddizioni interne – tra le quali spiccano tagli e riprese incoerenti – fanno implodere una struttura narrativa colpevole di molti, troppi sprechi, e rovinano un film che, se gestito con più cura, avrebbe potuto costituire un valido intrattenimento.
Michelangelo Franchini

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mercoledì, agosto 19, 2015

68 FESTIVAL DEL FILM DI LOCARNO - IL CINEMA CHE FA STARE BENE: PIETRO MARCELLO PARLA DI BELLA E PERDUTA

In occasione della presentazione di "Bella e perduta", in concorso alla 68 edizione del festival del film di Locarno abbiamo avuto modo di parlare del film con il suo regista Pietro Marcello La seguente è intervista è solo in parte il frutto di domande personali ed è stata realizzata mettendo insieme le dichiarazioni del regista emerse durante la conferenza stampa e nell'approndimento a cui il regista si è prestato per una piccola parte dei giornalisti italiani presenti al festival.



Da che cosa viene la scelta di presentare il film a Locarno?
Principalmente dal desiderio di Carlo Chatrian di avermi in concorso e dal fatto che nel momento in cui ho dovuto dargli una risposta definitva non avevo ricevuto altre chiamate. Il film era stato inviato anche a Venezia però, col senno del poi, credo che Locarno sia un festival che si addica maggiormente alle mio modo di essere. Se ci fossi andato, se fossi stato chiamato probabilmente mi sarei dovuto presentare con Sarchiapone, il bufalo che ho fatto recitare nel film, quindi alla fine è stato meglio così
Per certi versi "Bella e perduta" è un film che sembra ripartire da zero rispetto a quello che avevi fatto prima, parlo anche in termini di linguaggio.
Il mio linguaggio cinematografico si rimodula film dopo film ma fondamentalmente rimane sempre lo stesso. In questo caso "Bella e perduta" è nato da solo perché dopo la morte di Tommaso, il pastore che aveva scelto di prendersi cura della reggia di Carditello, abbiamo dovuto rivedere il piano di lavorazione. All'inizio infatti, volevamo fare un viaggio attraverso le regioni d'italia alla ricerca di personaggi emblematici, poi con la morte di Tommaso, abbiamo deciso di restare nella provincia Casertana per continuare a parlare di lui attraverso Sarchiapone, il bufalo che ha lasciato in testamento al contadino della Tuscia a cui poi Pulcinella lo dovrà recapitare. Da qui anche lo scarto formale del film che, dopo un inizio prettamente documentaristico si trasforma in una vera e propria fiaba, con quello che ne segue in termini di contenuti e montaggio.


Nel film ci sono immagini d'archivio molto esplicite che mostrano le diverse reazioni della popolazione rispetto alla questione della cosidetta Terra dei fuochi.
Volevo far capire alle persone le problematiche legate alla Terra dei fuochi ma ero consapevole del rischio di poter sfociare nel film d'inchiesta. D'altra parte non potevo raccontare quella terra che è anche la mia senza parlare di queste cose. Ancora una volta la morte di Tommaso mi è venuta incontro facendo diventare la storia una vera e propria fiaba.
Te la senti di poter dire che il film è influenzato da film come "Au  Hazard Balthzard" di Robert Bresson e "Uccellini e uccellaci" di Pier Paolo Pasolini.
Sono film che ho visto e che certamente hanno influenzato la mia formazione ma penso che "Bella e perduta" sia un'altra cosa rispetto a quei due capolavori. Di certo però ho pensato spesso al film di Pasolini.
Tu hai affermato di non essere interessato al teatro ma poi nel film proponi Pulcinella che appunto deriva da quella tradizione, non ti sembra un controsenso
In verita la figura di Pulcinella mi è stata ispirata da ricordi che risalgono alla mia fanciullezza e da un vicino di casa che dopo aver finito di lavorare si vestiva da Pulcinella e se ne andava in giro a far divertire le persone. Mi ricordo che un giorno lo vidi mentre si levava la maschera, e forse è stato proprio l'impatto emotivo di quella visione ad aver ispirato la mia versione di questo celebre personaggio. Aggiungo che nel film Pulcinella è interpretato da Sergio Vitolo, un non attore visto che nella vita fa il fabbro, ma certamente l'unico disposto a portarsi dietro un animale di 100kg.


Volevo chiederti se ti eri posto l'idea di che tipo di pubblico potrebbe vedere il tuo film, che differisce molto dai prodotti che arrivano nelle sale e che quindi potrebbe avere difficoltà a trovare spettatori
Sinceramnte non saprei risponderti perché è un problema che non mi pongo. Quando faccio un film lo faccio per me perché è una cosa che mi fa stare bene. Mi rendo conto che di fronte ho un pubblico paratelevisivo, l cui gusto è stato rovinata da anni di cattiva televisione ma io di questo non posso farci niente e di certo non mi fa cambiare il mio modo di girare. Ed è proprio per continuare a mantenere la mia indipendenza che giro con risorse limitate. Con il mio carattere non potrei sopportare intromissioni. Non amo il cinema del reale e penso che a me come regista spetta il compito di trasporre la realtà dal mio punto di vista. Per fare questo devo avere totale libertà.

Ci puoi parlare degli aspetti tecnici e produttivi 

Il film si è potuto realizzare dapprima grazie a Mario Gallotti e successivamente a Paola Malanga di Rai Cinema che voglio ancora ringraziare. Il budget è stato di quattrocentocinquanta mila euro e per quanto riguarda gli aspetti tecnici ti posso dire che ho girato con pellicole scadute, che  mi davamo la possibilità di lavorare con la celluloide e quindi con un prodotto alchemico che non potevo controllare. Lo so che è un paradosso per me che appartengo a una generazione cresciuta con il digitale ma così è per me. Al contrario il film è stato montato con i tempi del documentario e cioè molto velocememte. In questo modo sono stato in grado di risparmiare tempo e denaro.
(pubblicata su ondacinema.it/speciale 68 festival del film di Locarno)
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OUR SUNHI


Our Sunhi 
di Hong Sang-soo
con Jae-yeong Jeong, Yu-mi Jeong, Ji-won Ye
Corea del sud, 2013
genere, drammatico, commedia
durata. 88' 
 
Arriva dalla Corea del Sud la prima sorpresa del festival e il merito appartiene al regista Hong San-soo e al suo "U ri Sunhi" collocatosi in questa terza giornata del concorso ufficiale con una leggerezza che fa da contraltare alla drammaticità e alla cupezza degli altri concorrenti. Il film racconta la storia d'amore e d'amicizia tra quattro personaggi: al centro dell'attenzione c'è Sunhi, laureata in cinema e in procinto di partire per l'America per dare seguito agli studi. Accanto a lei un trio di uomini che rappresenta il passato e il presente del suo vissuto: Choi il professore alla quale Sunhi si rivolge per ottenere una lettera di raccomandazione, Munsu l'ex ragazzo che non ha smesso mai d'amarla e, ancora Jaehak, il regista con cui si è diplomata. Il destino li porrà uno sulla strada dell'altro facendo tornare in gioco situazioni irrisolte e speranze di futuro che la ragazza mette in circolo all'insaputa dei tre uomini, ognuno dei quali convinto di conoscerne i sentimenti e di esserne il fulcro dei pensieri.


Partendo da un'esperienza personale - il regista è stato un insegnante di cinema e come Choi si è imbattuto in una studentessa che, come ad un certo punto accade a Sunhi, gli contestò i contenuti della referenza che lui le aveva scritto - Hong trascolora la realtà trasformandola in una sorta di favola morale in cui situazioni e personaggi più che vivere di vita propria sembrano il condensato di uno stato d'animo e di una visione del mondo incomprensibile e sfuggente, che il regista però riesce a sdrammatizzare anche nei momenti più drammatici con ironia sottile e sarcastica, depotenziando ansie e dolori attraverso un mix di comicità dai tratti surreali e persino slapstick; gli attori sono guidati in una recitazione sul filo del rasoio, sempre sul punto di esplodere in una fisicità buffa e fuori controllo. Immergendo il cast in un mondo colorato e sospeso, con la natura edenica e rumori quasi assenti, Hong Sang-soo sviluppa il film attraverso una serie di quadri organizzati con un gusto della rappresentazione fortemente teatrale e nella costante ricerca di equilibrio tra ambienti e figure umane.

Ed è proprio il contrasto tra la compostezza dell'insieme con il tumulto e le incertezze dell'animo umano a favorire quella sensazione di stralunamento che i personaggi riescono a far percepire a chi li guarda. Costruito su una sceneggiatura circolare che ruota continuamente attorno al tentativo maschile di definire ed imbrigliare senza successo il mistero femmineo - credendo di interpretare i tratti salienti della ragazza i tre uomini non faranno altro che prestarsi definizioni frettolose e poco calzanti - "U ri Sunhi", attraverso il rapporto tra la protagonista e i suoi pretendenti, sembra volerci dire che la realtà più che interpretata va presa così com'è, e che a volte il cinema ed i suoi autori farebbero meglio a tornare alla semplicità delle origini, per ritornare a guardare realmente l'oggetto del proprio desiderio.
(pubblicata su ondacinema.it)
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martedì, agosto 18, 2015

68 FESTIVAL DEL FILM DI LOCARNO - ROMEO E GIULIETTA

Romeo e Giulietta
di Massimo Coppola
Italia, 2015
genere, documentario
durata, 56'


Deve essere stato per un inconscio senso di colpa, derivato dal successo dei film realizzati per conto di Paolo Sorrentino, o forse, più concretamente, si è trattato della volontà di diversificare una produzione ultimamente dedicata alle sulfuree storie dell'autore Napoletano, fatto sta che la Indigo film di Francesca Cima e Nicola Giuliano si presenta al festival di Locarno con un film "Romeo e Giulietta" di Massimo Coppola, collocato per stile e contenuti agli antipodi di quelli instaurati dall' enciclopedia sorrentiniana. Nel caso specifico si trattava di fare i conti con il capolavoro Shakesperiano, inteso non soltanto nella sua accezione letteraria e immaginifica, ma, alla maniera dei fratelli Taviani de "Cesare non deve morire", scelto sulla base di un'universalità in grado di dialogare con persone di ogni ordine e grado. Nel "Romeo e Giulietta" Coppoliano infatti, la storia d'amore tra gli amanti più celebri della letteratura mondiale è interpretata da un gruppo di giovani Rom, arruolati nel campo nomadi di Tor de Cenci in Roma, chiamato a sostituire in un cortocircuito tra cultura alta e bassa, la Verona del cinquecento.


Alla base della nuova rivisitazione, l'idea di un cinema che evita di alzare gli steccati e  che invece si apre al mondo circostante, nel tentativo di diventarne parte integrante. In analogia con le caratteristiche della messinscena, realizzata senza distinguere tra campo e fuori campo, e in una commistione tra realtà e finzione, qui assicurata dalla presenza catartica del regista, chiamato, in qualità di mentore dei ragazzi, ad assolvere a  quelle funzioni pedagogiche di cui il film, nelle parole dell'autore, diventa promotore. Quello che ne risulta è una sorta di work in progress sull'allestimento della tragedia, in cui scene di vita quotidiana all'interno del campo si alternano al tentativo degli interpreti di entrare nello spirito dei loro personaggi. L'impresa è ardua, sia davanti che dietro la mdp. e le ambizioni di  "Romeo e Giulietta" si risolvono in un film che appare più programmatico che sentito.
(pubblicata su ondacinema.it/speciale 68 festival di Locarno)
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lunedì, agosto 17, 2015

68 FESTIVAL DEL FILM DI LOCARNO - HAPPY HOUR

Happy Hour
di Hamaguchi Ryusuke 
con Mihara Maiko, Tanaka Sachie, Kawamura Rira, Kikuchi Hazuki 
Gappone, 2015
genere, drammatico
durata, 317'


Nel prologo di "Happy Hour" ci vengono presentate quattro amiche, tutte donne che hanno meno di quarant'anni, protagoniste della storia, mentre vanno a fare un pic nic sulle colline di Kobe. Da una giornata soleggiata, le quattro si ritrovano a mangiare sotto un gazebo mentre piove e la nebbia rende invisibile la città.

Il centro di gravità variabile: il difficile equilibrio della vita
Fin dall'incipit il regista Hamaguchi Ryusuke dichiara quello che lo spettatore dovrà attendersi dalla visione della sua opera: la messa in scena delle relazioni delle quattro amiche, il loro sviluppo emotivo tra di loro e le persone che le circondano (mariti, figli, amici, amiche, conoscenti, figli). Un sicuro cambiamento, preannunciato da quello meteorologico, tema principale che si svolgerà lungo tutta il proseguo della diegesi. Quello di Hamaguchi è un mondo solo alla superficie ordinato e tranquillo, mentre sottotraccia si muovono correnti di sentimenti contrastanti e contrapposti come i corsi di acqua delle terme di Arima, dove le quattro amiche andranno in gita una domenica di agosto e dove ci sarà uno snodo narrativo determinante per l'avanzare della storia e lo sviluppo dei personaggi.





Prima però il regista giapponese ci tratteggia in breve sequenze i quattro personaggi: abbiamo Fumi (Mihara Maiko) sposata con un editore e che gestisce uno "spazio d'arte" dove organizza workshop; Akari (Tanaka Sachie), divorziata con un figlio, in buoni rapporti con il marito, infermiera decisa e irruenta; Jun (Kawamura Rira) donna volitiva e sicura di sé, di cui si scoprirà che ha in corso una causa di divorzio con il marito, biologo genetista; infine Sakurako (Kikuchi Azuki), moglie fedele con un marito completamene dedito al lavoro, un figlio adolescente e la suocera a carico.

Le quattro si ritrovano in un workshop organizzato da Fumi nel suo spazio d'arte. Un seminario tenuto da un ragazzo che insegna tecniche di ascolto. La messa in scena del seminario sarà un momento topico della primo terzo del film dove il soggetto è la capacità di essere in equilibrio con se stessi, con gli altri, con il mondo che ci circonda: toccarsi, cercare di pensare lo stesso oggetto o azione, con il contatto della fronte dell'altro, ascoltare un punto al di sotto dell'ombelico, sono esercizi che permetto di sviluppare i nostri sensi. Programmaticamente il regista ci mostra l'incapacità da un lato di ascoltare ed esprimere le proprie emozioni da parte delle protagoniste (che ovviamente sono rappresentative di una certo modo di essere) e dall'altro, con la pratica, la scoperta di queste emozioni, la frattura di diaframmi e lo scioglimento di nodi che porteranno le quattro donne a fare i conti con se stesse e con la propria vita. Nella sequenza successiva, in un lungo incontro tra alcuni componenti del seminario e l'insegnante, intorno a un tavolo, abbiamo il primo vero salto narrativo con la rivelazione di Jun della sua causa di divorzio.


Akari e Fumi si sentono tradite, scoprendolo come gli altri in quel momento e oltretutto venendo a sapere che Jun si era confidata con Sakurako, mentre stavano venendo al seminario. E qui che vengono fuori le personalità complesse delle quattro donne ed è qui che ci è mostrato un tempo preciso del loro stato d'animo: Akari e Jun improvvisamente hanno più problemi, vivono una crisi emotiva, hanno perduto il loro centro di gravità esistenziale, con la prima preoccupata del lavoro, che non vuole avere relazioni dopo il divorzio, e la seconda in causa con il marito (che il divorzio non glielo vuole concedere perché l'ama e pur avendolo tradito decide di perdonarla); mentre Fumi appare la più equilibrata e soddisfatta, con un lavoro che ama e un marito che si mostra come un compagno alla pari (l'aspetta in auto all'uscita dall'ufficio, le prepara la cena a casa, l'accompagna con le amiche alle terme di Arima), già in Sakurako si mostrano i primi segni di d'incertezza dei suoi doveri coniugali (devota moglie che accudisce la casa e il figlio) dopo l'incontro di un ragazzo che le fa delle avances (e di cui scopriremo la storia personale anche lui di marito tradito).

Il lento scorrere delle emozioni

Una caratteristica di "Happy Hour" è la capacità, come in poche opere ci è capitato di vedere (su tutti i film di Ozu, la cui lezione il giovane regista giapponese ha ben presente), di raccontare i sommovimenti e le vicende di persone comuni nel lento scorrere della quotidianità. Certo nel suo film Hamaguchi usa dei momenti topici ed esplicativi dei vari cambiamenti in atto nelle vicende dei personaggi, e lo fa sempre con un'estrema eleganza formale e diluendo l'emozione, ritardandone sempre la messa in scena. Del resto, in un'altra sequenza molto lunga, quella del processo per il divorzio di Jun dal marito, oltre ad assistere all'evento in sé, di cui è protagonista Jun messa in primo piano, le sue tre amiche sono nell'aula alle sue spalle, disposte in modo geometrico e ben visibili allo spettatore con una chiara profondità di campo, per poi alla fine spostare l'inquadratura posizionando Jun lateralmente, sempre in primo piano ma non più centrale, dove le tre donne pur restando dietro occupano gran parte dell'inquadratura. Come ad anticipare che la confessione dolorosa della propria condizione è anche quella delle altre donne, solo che Jun ha iniziato a compiere delle scelte prima delle sue amiche. La sua uscita di scena dopo il weekend alle terme di Arima darà il via a tutta una serie di cambiamenti emotivi delle altre. Jun la rivedremo in una successiva breve sequenza, incinta del figlio che ha sempre voluto, mentre incontra il figlio adolescente di Sakurako, quando si sta imbarcando su una nave per fuggire lontano da tutti. Qui Hamaguchi compie un duplice collegamento di sguardo e tematico di estrema raffinatezza formale (uno dei tanti esempi di cui è costellata quest'opera). Il figlio di Sakurako ha a sua volta messo incinta la sua fidanzatina e tocca prima il ventre di Jun e poi posa l'orecchio per ascoltare il bambino: una chiara unione tra la maternità in essere di Jun, quella potenziale del ragazzo e il figlio stesso di Sakurako, che compie lo stesso gesto della madre nel seminario. Il ventre diventa di nuovo simbolo di un centro emotivo ritrovato da parte di Jun. Poi abbiamo un poetico raccordo tra il suono della nave, dove si è imbarcata Jun che saluta il ragazzo, con uno stacco sul volto di Sakurako in primo piano, a casa sua, mentre sta dormendo con la testa appoggiata sul tavolo. Il suono della nave continua e si raccorda con le lacrime che scendono sul volto di Sakurako: ancora un collegamento emotivo profondo tra le due amiche, un riprendere il tema del seminario quando Jun e Sakurako avevano fatto l'esercizio di passarsi un pensiero toccandosi la fronte; e infine un transfer tra Jun e Sakurako, dove quest'ultima perderà il suo equilibrio familiare, concedendosi un'avventura amorosa con il ragazzo tradito dalla moglie e conosciuto al seminario.



Tra tempo dilatato e spazio ristretto
Hamaguchi sceglie di costruire la sua opera lavorando su dilatazioni temporali di momenti topici della vicenda. In un film della durata di 317' mette in scena un complesso romanzo contemporaneo, composto da una rete di vicende con cause ed effetti collegate in modo consequenziali e geometrici. Abbiamo quindi la sequenza del seminario che dura 45' che è il tempo reale di una qualsiasi lezione, in una stretta correlazione tra realtà filmica e realtà vissuta; subito dopo 30' della cena dove si assistono alle prime confessioni con il giusto tempo del dialogo tra persone, soprattutto quando i temi sono scottanti o si devono dare spiegazioni di fatti ed eventi importanti della propria vita. Anche la sequenza del processo è lunga, ma soprattutto nella parte finale del film assistiamo a un'altra sequenza dove ancora una volta ci si deve prendere il tempo giusto e in un parallelismo situazionale, lo spettatore assiste al reading con dibattito di una giovane scrittrice pubblicata dal marito di Fumi. La giovane legge il suo racconto per intero e subito dopo si assiste al dialogo di alcuni personaggi in un pub, presenti Fumi, il marito e la scrittrice, dove si ripete una situazione similare alla prima parte, ma in questo caso è Fumi a dover scontrarsi con la gelosia nei confronti della giovane che è innamorata del marito. Hamaguchi utilizza un montaggio alternato, aumentando la tensione emotiva, mostrando Akari che arrivata al reading non entra, portata via dall'artista residente dello spazio d'arte di Fumi, colui che ha tenuto il seminario sull'equilibrio all'inizio del film. Vediamo Akari che si apre ai sentimenti e si lascia andare in una discoteca, aiutata in questo dal giovane che diventa così un'allegoria di "maestro di vita" che aiuta in qualche modo le quattro donne, un "sensei" figura tipica della cultura giapponese dove è più una guida spirituale. Alla dilatazione del tempo si configura un utilizzo di una grammatica cinematografica basilare fatta di primi piani o di totali, dove la macchina da presa è coscientemente posizionata in modo da far risaltare sempre i personaggi in modo frontale (a volte anche con salti di campo, ma del tutto funzionali all'estetica filmica) con una composizione geometrica dell'inquadratura che trasmette un senso materico dello spazio (una conferma della lezione di Ozu). Questo permette all'autore giapponese di equilibrare la forma con il contenuto: lo spazio ristretto contiene la dilatazione temporale e il loro equilibrio permette l'espandersi naturale della azioni narrative. Restando solo sulle quattro protagoniste (ma è possibile compiere lo stesso esperimento anche sul resto dei personaggi) possiamo riassumere il loro cambiamento di stato. Così partiamo con Fumi che passa da uno stato di equilibrio iniziale, con un lavoro che ama e un marito amorevole, a uno stato di disequilibrio finale, lo spazio d'arte non riesce a decollare, si sente tradita dal marito, chiede il divorzio; Akari passa dal disequilibrio del suo stato di donna divorziata, dura per la sua professione di infermiera, che rinuncia ai sentimenti, a uno di equilibrio dopo avere preso coscienza di voler provare ancora dei sentimenti per gli altri; Jun dal disequilibrio del processo e dello scontro perso con il marito, alla fuga verso un altrove felice insieme a un figlio sempre desiderato; Sakurako da moglie e madre a scoprirsi infelice per il figlio irresponsabile, un marito che pensa solo al lavoro e lei che si rifugia nelle braccia di un amante occasionale per attenuare le frustrazioni. Oltretutto, questo cambiamento di stato che il film racconta è poi messo in scena in modo binario se pensiamo che Jun e Sakusaro sono amiche dai tempi del college e formano una coppia precedente all'altra composta da Fumi e Akari e il cambiamento emotivo dei personaggi avviene in una perfetta sintonia narrativa e di parallelismo contenutistico.
"Happy Hour" di Hamaguchi Ryusuke è un'opera complessa, articolata, ricca, che richiede partecipazione allo spettatore e la sua lunga durata non spaventa. Come nel seminario del film, l'autore trasmette pensieri e immagini a chi vede, utilizzando il perfetto equilibrio tra immagine e parola, una comunione di sentimenti tra personaggi e il suo autore, una rappresentazione della realtà fenomenica instancabile tra creatore dell'opera e i suoi fruitori. In due parole: un capolavoro.
Antonio Pettierre
(pubblicata su ondacinema.it/speciale 68 festival del film Locarno)
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