mercoledì, maggio 22, 2013

LA CASA

La casa -  Evil Dead
di Fede Alvarez
con Jane Levy, Shiloh Fernandez, Lou Taylor Pucci
Usa, 2013
genere: horror
durata, 91'


Il primo amore non si scorda mai. In questo frangente però bisognerebbe usare il plurale perchè per Sam Raimi "La casa" rappresenta non solo il genere prediletto, quello che lo ha lanciato tra i maestri indiscussi del settore, ma anche il film che ne ha leggittimato lo status di regista di culto, tramandandone una fama che non ha perso un minimo di fascino nonostante il cambiamento di registro delle sue ultime produzioni. Anzi proprio a ribadire un attaccamento che assomiglia ad una seconda pelle Raimi ha continuato a lavorare nel cinema horror per interposta persona producendo le opere di colleghi più giovani che però, bisogna dirlo non sono stati mai all'altezza del loro mecenate. Nel tentativo di invertire la tendenza Raimi alza la posta, riduce le distanze che separano il regista dal produttore, e ci regala una nuova versione di quel primo film affidando il comando ad un esordiente come Fede Alvarez, passaporto paraguayano ma talento cosmopolita se è vero che il suo primo lavoro, il corto "Panik Attack" è stato capace di calamitare l'attenzione di migliaia di fan e soprattutto di convincere Raimi ad affidargli la sua corrazzata.
 
Il risultato di tale connubio è un remake riveduto quel tanto che basta per aggiornare la storia alla sensibilità delle nuove generazioni (in questo caso è la dipendenza dalla droga di uno dei protagonisti a mettere in moto la vicenda), e che racconta l'odissea di un gruppo di amici costretti a fronteggiare le conseguenze di un'antica maledizione. Isolati dal resto del mondo ed asserragliati dentro una casa di campagna i ragazzi diventeranno oggetto di una crudele carneficina messa a punto dal demone di turno.
Spogliato della vena grottesca di cui era pervano il modello originale, e senza portare in dote alcuna innovazione visiva rispetto al film di Raimi (del quale ricordiamo la soggettiva ipercinetica e rasoterra che annunciava l'arrivo del maligno), "La casa" di Fede Alvarez denuncia il segno dei tempi perchè se da una parte dimostra le sue possibilità con una messinscena meno rudimentale e con un senso dello spettacolo riassunto dai giochi di luce e dai contrasti di una fotografia lontanissima da quella piatta e luminosa utilizzata a suo tempo da Raimi, dall'altra non riesce ad alzare l'asticella della tensione e dello spavento a causa di un canovaccio prevedibile e scontato. Preferendo l'evidenza alla sottrazione, il corpo alla mente, il visibile al sommerso, Alvarez costringe il film ad una continua compulzione con scene madri e situazioni limite ripetute in fotocopia e per questo prive di sorpresa .Così pur in presenza di momenti riusciti come quello della pioggia di sangue che ad un certo punto sembra annunciare una catarsi poi rimandata, oppure al duello finale che assume una dimensione claustrofobica rifugiandosi nelle viscere più anguste dell'abitazione, "La casa" passa via senza lasciare alcuna traccia. Interessante notare la similitudine con il film di Rob Zombie da poco nelle sale, di cui Alvarez replica la scelta di un uso moderato della C.G., con i "mostri" filmati dal vivo ed interpretati da attori in carne ossa oppure da robot. Un effetto naif che individua un modo di fare cinema che mette in scena il passato senza alcuna alterazione, rinunciando almeno per una volta al frullatore post-modernista.
[ LEGGI TUTTO ... ]

lunedì, maggio 20, 2013

IL GRANDE GATSBY

Il grande Gatsby
di Baz Lurhman
di Leonardo Di Caprio, Tobey McGuire, Carey Mulligan
Usa 2013
genere, drammatico
durata 142'

Un fatto è certo: Baz Lurhman non solo conosce bene il “carpe diem” latino ma si potrebbe dire che la sua stessa vita, personale ed artistica siano il monumento a questo motto. Se così non fosse il suo esordio registico ed il successo che ne è derivato sarebbero rimasti uguali a quelli di tanti colleghi che dopo il grande exploit si sono persi per strada. Ed invece partendo dalle opportunità offertigli da “Ballroom”(1992) un film piccolo ed indipendente capace di conquistare la mecca del cinema rinnovando la storia di Davide e Golia, Lurhman è stato capace dapprima a coinvolgere Di Caprio e chi ci metteva i soldi ad imbarcarsi nell’impresa di trasformare Shakespeare in un fast food cineletteratio (“Romeo + Juliet",1996) e successivamente di conquistare la fantasia degli addetti ai lavori, pronti ad affidargli tempo e denaro per realizzare le sue visioni in celluloide. Un modo di essere e di sentire, quello del regista australiano, incapace di restare in disparte e pronto a diventare il baccanale delle opere successive, con la Parigi della “Belle Epoque” e “l’outskirt” australiano ("Australia", 2008) trasformati in una opulenza di colori, suoni e disponibilità finanziarie capaci di destabilizzare anche il più scettico degli spettatori. 


La grandeur si ripete all’ennesima potenza con il suo ultimo film “Il grande Gatsby” che prende in prestito il romanzo più famoso di Francis Scott Fitzgerald, ed un personaggio, Gatsby, diventato negli anni il simbolo di un idealismo (l’amore eterno) e di un'utopia (la possibilità di ripetere il passato) in grado di affascinare generazioni di lettori ed anche il cinema, con ben quattro trasposizioni ed un divo come Robert Redford a prestare il suo fascino all'eroe letterario. Dunque Di Caprio come Redford? Nulla di tutto questo perché laddove il primo interpretava il ruolo in un contento filologicamente ricostruito, il secondo si trova a recitare in una versione riveduta e corretta ai sensi di un melting pop che riproduce i roaring twenties e NY con il dinamismo e le forme della nostra contemporaneità. Così se i costumi e lo scenario sono quelli di un tempo così non si può dire del resto, con i personaggi trasformati in dei viveur contemporanei, capaci di sfrecciare per le strade della città con supersonica velocità, di ubriacarsi e “funkeggiare” in una reggia (di Gatsby) che assomiglia al mitico studio 54, alternando pene d'amore e divertimento sfrenato. Ad accompagnarci nel racconto di questa epopea è la voce di Nick Carraway (Tobey McGuire), aspirante scrittore giunto a New York sull’onda dell’entusiasmo e delle possibilità promesse dal fermento sociale e finanziario di cui Gatsby, ricco e mondano rappresenta una delle punte di diamante. Ed è proprio sulla fascinazione di un momento irripetibile che Baz Lurhman spinge l’acceleratore, dispiegando energie e talento per catapultare lo spettatore in un caleidoscopio di immagini e musica, con la telecamera che alla maniera di “Moulin Rouge” (2001) taglia lo schermo e come la biglia di un flipper impazza in lungo ed in largo per ricreare l’onnipotenza e le fantasia di quegli anni. 

Purtroppo però rispetto alla vertigine visiva tutto sembra restare indietro oppure perdersi. A farne le spese è innanzitutto lo sviluppo della storia, didascalico quando, “finita la festa”, c’è bisogno di dare conto degli avvenimenti che stanno dietro a quell’incipit vorticoso, e poi la caratterizzazione dei personaggi, letteralmente esclusi da qualsiasi progressione psicologica e risolti con uno scarto repentino che a tempo scaduto li rivela per quello che sono veramente: Daisy innanzitutto, la donna sposata che il protagonista perdutamente innamorato cerca di strappare dalle braccia di un uomo che non la ama; origine di tutti i mali Daisy (Carey Mulligan) è dapprima descritta in chiave salvifica, e poi in una manciata di sequenze risucchiata nel vortice degli eventi. Ma anche Gatsby, a cui Di Caprio imbrigliato da una sceneggiatura che non l’aiuta, ed alla pari degli altri personaggi è costretto ad impersonare con una recitazione da cinema muto, con strabuzzamenti degli occhi (superato solo da McGuire, espressivamente monotematico) sguardi stupefatti oppure perduti in un infinito di stati d’animo e sensazioni. Derubata della sua essenza, liofilizzata in una serie di atteggiamenti di maniera, l'escursus di Gatsby, non la sua rappresentazione, retrocede a melò televisivo, in cui persino le immagini, superlative nella maggior parte dei casi, scadono in una patina di portata catodica. In questo modo la versione di Lurhman assomiglia ad un matrimonio già finito, dove gli amanti per dimostrare la passione ormai svanita enfatizzano gesti e parole che evocano senza successo gli antichi furori. Il cinema pulsante del regista australiano funziona bene per riaccendere le fantasie degli stilisti, per rilanciare le mode e per riscoprire uno scrittore imprescindibile. Quando si tratta di fare cinema però Lurhman ripropone un idea cinematografica interamente protesa alla perfezione visiva che almeno in questo caso incapace di compensare l'assenza di sostanza. 
[ LEGGI TUTTO ... ]

venerdì, maggio 17, 2013

Vic Mackey: schizofrenia di uno sbirro




"You can crush it but it's always here,
you can crush it but it's always near,
chasing you home, saying...
E/thing is broken, e/one is broken".

Radiohead


Per orientarsi nella ricerca del giusto varco che incroci il cuore di un personaggio complicato e scabroso come quello del detective Mackey, sarà utile fermarsi a riflettere dopo aver ruotato di centottanta gradi la frase che Goethe nel suo "Faust" fa recitare a Mefistofele: "Io sono lo spirito che vuole eternamente il male e opera eternamente il bene". Sottrarre del tempo per imporre il margine di un ripensamento gioverà in primis ai fini d'inquadrare con equilibrio le tante suggestioni - rigetto, malia ambigua, ripulsa, fascinazione - che una figura del genere, per quanto o forse proprio in ragione della sua origine "letteraria" o di "finzione" che dir si voglia, ha saputo suscitare.

Il poliziotto metropolitano e' da sempre uno dei tasselli più creativamente "difettosi" del nostro immaginario, quello che di sicuro ritrovi un po' fuori sesto non appena ritieni di avergli dato una collocazione stabile. Dalle sofisticazioni tardo positiviste, giocate sul filo dell'ironia e di una compassata amarezza (figlie dell'esercizio certosino quanto discreto della misantropia, non meno che della consapevolezza della fine di un'epoca, quella Vittoriana) di un paladino molto sui-generis del primato della razionalità come l'Holmes di Doyle (ma discorso analogo potrebbe chiamare in causa anche l'Auguste Dupin di Poe), passando sulle orme lasciate dagli innumerevoli uomini più o meno consacrati alla Causa ma una volta per tutte circonfusi di disincanto, di malinconia, di solitudine, quanto di cocciuta fedeltà ad un'idea sempre più negletta d'integrità - uno su tutti, il Marlowe di Chandler, cugino di primo grado del Sam Spade di Hammett - fino alla genia variegata di "cani sciolti" (il cui campione, tra tanti, potrebbe benissimo essere il "bad lieutenant" di Ferrara, 1992) al servizio di una oramai pressoché insondabile istanza di giustizia che li vede contrapporsi di pura disperazione alla morta gora di un'apocalisse già-nelle-cose e soprattutto immeritevole di remissione, osserviamo infatti come letteratura (e cinema) già dal secondo dopoguerra (pensiamo, per stare al cinema e solo per fare mente locale, a "Sui marciapiedi", 1950, di Preminger; a "Pietà per i giusti", 1951, di Wyler; al "Grande caldo", 1953 di Lang; a "Senza scampo", 1954' di Rowland; e, ovviamente, a "L'infernale Quinlan", 1958, di e con Welles), ratificano questa sorta di "travaso dei tempi" e s'incamminano verso un'analisi più sfaccettata, cioè per nulla conciliante, dell'archetipico ruolo dello "sbirro", allargando la ricognizione dall'approfondimento delle trasformazioni sociali - sempre più repentine e latrici di spaesamenti - alle vere e proprie mutazioni interiori - psicologiche, emotive, comportamentali - che proprio il crogiolo informe del mondo in eterno divenire secondo le direttrici dell'incombente "modernità" va imprimendo nelle menti e negli animi di questi uomini votati al "dovere" di far rispettare e al tempo preservare categorie contrassegnate da sempre da lettere maiuscole, come Giustizia, Legge e Ordine.

"(It's) just another day" - di per se' quasi sovrapponibile al monito biblico "Ad ogni giorno la sua pena" - batte all'inizio e alla fine della narrazione deformandosi nel tema musicale della serie televisiva "The Shield" (a significare il distintivo degli uomini in divisa e il Baluardo/Bene da loro rappresentato nei confronti del Crimine/Male) di cui il detective Victor "Vic" Mackey (impersonato dal roccioso Michael Chiklis, non a caso ingaggiato da Hollywood per "indossare" i panni de "La Cosa" nella saga dedicata ai Fantastici 4) e' il protagonista principale e nucleo carnale/simbolico. La serie, trasmessa negli Stati Uniti tra il 2002 e il 2008 (in Italia tra il 2004 e il 2010), suddivisa in sette stagioni per un totale di una novantina di episodi della durata media di cinquanta minuti, già da quel picchiare impietoso sembra infrangersi su chi guarda e insinuargli la sensazione che quel tintinnare di frantumi altro non sia che la pasta di cui e' fatta la vita di tutti gl'individui che ruotano direttamente o per qualche capriccio del caso attorno al quotidiano immutabile e feroce della malavita e ai suoi inesorabili addentellati: denaro, potere, crudeltà. Emerge da quel grido scomposto, al tempo, la coscienza e la disperazione per una redenzione impossibile e lo stupore ominoso per un'esistenza divisa tra fortuiti attimi di tregua e lunghi imbrunire nei territori dell'abiezione, il riscatto per sempre confinato al sogno, per non dire all'allucinazione solitaria. Questo giorno che e' "solo un altro giorno", sempre uguale a se stesso - avvitamento maligno ed efferato del delirio ipnotico/tragicomico sul viso keatoniano di Bill Murray in "Ricomincio da capo" di Ramis (1993) - e' furti, spaccio, truffe, rapine, omicidi, stupri, rapimenti, perversioni ed abusi sui minori, traffico di stupefacenti e tratta di esseri umani. Malversazioni, appalti truccati, corruzione e opacità amministrativa. Collusioni, contiguità, accidie, omissioni (spesso e volentieri ben dentro l'organismo delle Istituzioni, forze dell'ordine comprese). E' una rete capillare di uomini e di donne isolati o riuniti in bande, affiliati in piccoli gruppi o federati in gang, stretta al collo d'interi settori del tessuto metropolitano losangelino, al vertice della quale troneggia - proverbiale quanto temuto, invisibile e onnipresente, metodico e spietato - il Grande-Cartello-del-Narcotraffico, proprio la', nemmeno tanto oltre il confine meridionale della dolce e assolata California... Argine - o presunto tale, ormai, chissà, del resto, Freud docet, "l'uomo civile ha barattato una parte della sua felicita' per un po' di sicurezza", con tutto quello che ne consegue - comunque strumento d'interposizione a fronte della capitolazione definitiva, il Corpo di Polizia, nel caso il L.A.P.D. Nello specifico, il distretto di Farmington (ricalcato sulla zona di Rampart: territorio di caccia o regno da difendere, a seconda delle barricate). Nel dettaglio, la "squadra d'assalto", il cui corpo e cuore pulsante e' il detective Mackey: bianco, sulla cinquantina, occhi ceruli ma sempre all'erta (reiterati e significativi i primi piani di Chiklis a scrutare/decifrare le crepe possibili in un atteggiamento o di una situazione), pelata, fisico tarchiato quanto indurito dalla palestra, jeans, scarponi da lavoro e magliette aderentissime, pistola o fucile (il classico "sixteen gauge") e corpetto in kevlar rinforzato rispettivamente per l'"ordinaria amministrazione" e le operazioni in grande stile. Nello stillicidio giornaliero della giungla iper-moderna, in questa consuetudine compressa sempre sul punto di esplodere, Mackey si divincola spalleggiato dal suo branco, la "squadra d'assalto" - alias Ronald "Ronnie" Gardocki (David Rees Snell), lupo laconico e fedele, esperto d'informatica, gran procacciatore di informazioni utili al gruppo e non insensibile alle lusinghe del denaro facile; alias Curtis "Lem" Lemanski (Kenny Johnson), anello morbido della famiglia allargata, cucciolo di due metri, tanto triste nello sguardo quanto artificiosamente audace nel modo di fare; alias Shane Vendrell (Walton Goggins), co-fondatore della "squadra", maschio alpha amico e rivale di Vic, unico suo confidente ed eterno Giuda in nuce, sprezzante, razzista e donnaiolo quanto col tiranno in gonnella dentro casa - ed e' tenuto in carreggiata dalla ex famiglia che, oltre alla moglie Corinne (Cathy C. Ryan), annovera una adolescente difficile, Cassidy (Autumn Chiklis, autentica figlia del protagonista) e due piccoli autistici.

Sin dalle prime vicende in cui e' coinvolta "la squadra" di Mackey - che come da cliché di tanto "crime cinema" e' l'unica o quasi ad ottenere risultati, palesemente in virtù dei metodi poco ortodossi, paralegali che pratica ed e' sostanziata/influenzata da un impercettibile collante (omo)erotico che nell'esercizio sistematico della "camaraderie", a dire nell'eccitazione adolescenziale per improvvisi guadagni illeciti, nell'esaltazione del gesto "eroico", nella prossimità sempre elusa e sempre rinnovata con la morte, nell'inerzia, nei vuoti privi di "azione", si rinsalda, si legittima, si perverte e alla fine si autodistrugge - risulta evidente l'ambivalenza, la continua allusione ad una strategia mentale distorta dai comuni canoni etici, quanto efficace nella pratica materiale; una aberrazione radicale del legame causa-effetto/mezzi-fini ed un perseverare tenace, incrollabile, verso un nebuloso eppure ineludibile punto di equilibrio, catarsi muta e forse letale. Merito di questo leggero ma continuo scarto che mantiene sempre, anche nello svolgersi di vicende, diciamo così, più "ordinarie", la tensione un solo grado al di qua della temperatura di ebollizione, va ascritto, da un lato, al taglio di sceneggiatura predisposto dal creatore della serie, Shawn Ryan (tra l'altro produttore di altri intrecci a puntate, tipo quello ad alto tasso muscolare "The unit", in concomitanza con David Mamet, a sua volta regista di uno degli episodi più spinosi e "filosofici" di "The Shield") contraddistinto dalla connessione diretta, fulminea, tra dialoghi tarati sul più contemporaneo gergo di strada (che al di la' degli straordinari imposti ai traduttori, ha segnalato l'opera ai "tutori del buon gusto") e ritmo forsennato della messa in scena - inseguimenti in auto, in moto, a piedi; irruzioni precipitose; scazzottate e pestaggi; esecuzioni: ma pure un meccanismo interno agile, permeato di una sua sottile frenesia nelle ambientazioni più tipicamente "statiche" (botta e risposta tra le scrivanie, riunioni, interrogatori) - e dall'altro, dall'uso insistito (alla fine vera e propria testimonianza cinematografica di aderenza alla realtà, tale, a volte, da superarla, fin quasi ad annullare il diaframma che separa, dovrebbe separare, "finzione" e "vero", concettualmente non dissimile dagli azzardi linguistici proposti da Mann una decina e passa di anni fa) delle riprese a mano, non di rado traballanti, sgranate, spesso "addosso" alle schiene o alle gambe di poliziotti e malviventi.


Nel cupio dissolvi generale la cui insidiosa reptazione letteralmente sbriciola la terra sotto i piedi - nulla e' definitivo o programmabile con ragionevole certezza; le alleanze, le rivalità, gli opportunismi, cambiano "in corso d'opera"; ciò che e' "vero" e "utile" adesso, in un paio d'ore e' "falso" e "dannoso" e viceversa (celebri, in tal senso, i continui "vertici" estemporanei del gruppo nel vestibolo tra le porte a vetri sulla soglia del distretto, per rimodulare e adattare le tattiche d'azione agli improvvisi sviluppi) - Mackey passa quasi senza soluzione di continuità dall'omicidio di un collega messo alle sue calcagna dai superiori da sempre diffidenti della sua prassi, ai crucci privati di un genitore separato ma a suo modo premuroso, soprattutto nei confronti di due inermi portatori di handicap; dall'appropriazione indebita di bauli di dollari della mafia armena (il leggendario "money train"/"il treno dei soldi", uno dei tormentoni della serie), all'utilizzo di parte di quegli stessi proventi per le costose cure dei piccoli disabili. E ancora: dalla circonvenzione con rapporto sessuale annesso, ai limiti della violenza carnale, della ex compagna di un suo ennesimo inquisitore, il tenente Kavanaugh degli Affari Interni (l'ottimo Forest Whitaker, sguardo "spento" quanto insinuante, modi melliflui e condotta spregiudicata nell'illusione di controllare il gorgo di attrazione/repulsione rappresentato da Mackey), alla mediazione pseudo pacificatrice tra capataz del malaffare al di qua e al di la' dei confini col Messico, con ingannevole quanto sanguinoso incastro a base di doppi e tripli giochi ai danni di questo o di quello o di entrambi. Tutto all'insegna di una dedizione cieca alla conservazione dell'immagine idealizzata dell'"armonia domestica allargata" (famiglia più branco). Tutto in favore di una disponibilità totale al lavoro, allo stesso tempo guardinga e interessata (Mackey si accolla sovente indagini altrui, non necessariamente collegate al caso di cui si sta occupando. Ad ogni perplessità, ad ogni accenno di rimostranza, ad ogni esitazione, sempre la stessa frase: "E' tutto a posto. Ci penso io. Non ti preoccupare").

Vita e morte, amore e odio, intransigenza e pietà, scivolano così sulla pelle dello "sporco" detective come i fili d'erba appena tagliati dai praticelli stolidamente verdi delle mono familiari suburbane o da quelli anemici delle più sordide topaie, queste e quelle tutte ugualmente in fila, tutte ugualmente con un loro indicibile orrore dentro, a cui Mackey oppone a testa alta la lama della sua hybris contorta e incomprimibile, senza scampo, senza domani. Sopravvivere ad ogni costo, esserci, qui e ora, questa la cifra ultima e la vera "legge" di un uomo profondamente e totalmente solo a cui la (ex) famiglia, "la squadra", l'azione, surroga e anestetizza la corrosione interiore del vuoto. Quando tutto finisce - l'affetto esaurito per consunzione, l'amicizia distrutta dalla morte o dall'abbandono, la spavalderia della strada castrata dal contrappasso di una burocratizzazione forzata - avanza la notte, nera e sorda, accogliente e laida, e chiama a se', ancora, questo "spirito che vuole eternamente il bene e opera eternamente il male".

"The Shield" (serie TV) - in USA, dal 2002 al 2008; in Italia dal 2004 al 2010

creato da: S. Ryan.
con: M. Chiklis, W. Goggins, D. Rees Snell, K. Johnson, C. C. Ryan.
(Hanno partecipato durante le diverse stagioni: G. Close, F. Whitaker, L. Harring, J. Diehl e tanti altri).

TFK

[ LEGGI TUTTO ... ]

giovedì, maggio 16, 2013

Film in sala dal 16 maggio 2013

A Lady in Paris
(Une estonienne à Paris)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2012
NAZIONALITA': Belgio, Francia, Estonia
REGIA: Ilmar Raag
CAST: Jeanne Moreau, Laine Mägi, Patrick Pineau

AmeriQua
(AmeriQua)
GENERE: Commedia
ANNO: 2013
NAZIONALITA': Italia
REGIA: Marco Bellone, Giovanni Consonni
CAST: Bobby Kennedy III, Alec Baldwin, Giancarlo Giannini, Alessandra Mastronardi, Eva Amurri, Ernesto Mahieux

Il grande Gatsby
(The Great Gatsby)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2013
NAZIONALITA': Australia, USA
REGIA: Baz Luhrmann
CAST: Leonardo Di Caprio, Carey Mulligan, Tobey Maguire, Isla Fisher, Joel Edgerton, Gemma Ward

Post Tenebras Lux
(Post Tenebras Lux)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2012
NAZIONALITA': Germania, Francia, Messico, Olanda
REGIA: Carlos Reygadas
CAST: Nathalia Acevedo, Adolfo Jiménez Castro

Beket
(Beket)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2008
NAZIONALITA': Italia
REGIA: Davide Manuli
CAST: Luciano Curreli, Jérôme Duranteau, Fabrizio Gifuni, Paolo Rossi, Freak Antoni, Simona Caramelli
[ LEGGI TUTTO ... ]

martedì, maggio 14, 2013

SEVEN

SEVEN
di David Fincher
con Brad Pitt, Morgan Freeman, Gwyneth Paltrow
Usa, 1995
genere, thriller
durata 127'

A fronte di un'autorialità ormai riconosciuta, le considerazioni su David Fincher hanno subito nel corso del tempo oscillazioni di segno contrario equamente divise tra chi, soprattutto all'inizio della carriera, lo ha considerato come la quintessenza dell'industria hollywoodiana, abile manipolatore d'immagini ed eccellente esecutore, e quelli che invece hanno visto nelle sue qualità tecniche il punto di partenza di un progetto capace di esprimere una riflessione sulla nostra contemporaneità. A pagare dazio è stato dapprima un pedigree più commerciale che artistico, derivato dalla direzione di videoclip musicali per cantanti del calibro di MadonnaStingRolling Stones o di spot televisivi per la Nike e la Coca Cola. In seconda istanza la tendenza a rappresentare la violenza, uno dei temi più ricorrenti del suo cinema, attraverso un divismo e una bellezza estetica capace di esaltare, a detta dei suoi detrattori, una spettacolarità ambigua ed imitativa. Due attributi riveduti e corretti ma a suo tempo sufficienti a far entrare in circolo il sospetto di un cinema fatuo ed utilitaristico che, alla pari di quello di Clint Eastwood (la violenza) e Ridley Scott (estetica da videoclip), ha goduto inizialmente di scarsa fama nei salotti che contano, salvo poi, è il caso di Fincher, riguadagnare posizioni grazie alla legittimazione ottenuta attraverso il web, dove i suoi film vengono accolti e giudicati con le precauzione e i parametri solitamente applicati alle personalità del cinema contemporaneo, a cui di fatto il regista di Denver in questo momento appartiene. Ecco che allora un film come "Seven", opera seconda realizzata nel 1995, appare più di altre adatta a rappresentare le dichiarazioni di intenti e le traiettorie interne a un sistema di riferimento che ha nel cinema di genere, in questo caso la crime story declinata in tutte le sue possibilità (il poliziesco, il thriller, il mystery), una struttura all'interno della quale trovano posto temi e stilemi del cinema fincheriano.

Ma andiamo con ordine e soffermiamoci sulla forma del thriller noir a cui "Seven" aderisce nel rispetto delle convenzioni, raccontando di una corsa contro il tempo per impedire ad un serial killer, John Doe (Kevin Spacey), di portare avanti il suo piano omicida. A dargli la caccia sono una coppia di detective, William Somerset (Morgan Freeman) e David Mills (Brad Pitt), differenti nei caratteri quanto nei metodi investigativi: il primo prossimo alla pensione è disilluso ma riflessivo, pronto ad affidarsi alla ragione che nutre con lo studio e la conoscenza, il secondo, giovane e spaccone, è impulsivo, e affida le sue possibilità di successo all'azione e all'irruenza fisica. Ad unirli è l'indagine portata avanti per scovare l'autore delle uccisioni rituali ispirate ai sette vizi capitali, da cui il titolo, e poi un attaccamento al dovere quasi ascetico, che in qualche modo li differenzia dal resto dei colleghi, superficiali e inetti, come emerge dal distacco di Somerset, rassegnato all'incomprensione che lo circonda, e dalle parole di Mills - "È così che lavorate qui?"- che non perde tempo ad etichettare i colleghi come buoni a nulla.

Se la detection è il volano che fa progredire la vicenda, con rapporti di causa effetto strettissimi - ad ogni omicidio corrisponde un ulteriore tassello del mosaico psicologico dell'avversario - e con la presenza del tempo scandita dalla suddivisione della vicenda in capitoli (ad ogni giorno della settimana corrisponde un vizio capitale e il contrappasso mortale attuato dal killer), "Seven" propone una serie di temi e stilemi ricorrenti nella prima parte della carriera di Fincher, quella che parte da "Alien 3" (1992), esordio all'insegna del cinema seriale e poi si sviluppa dopo il film in argomento, con i successivi "The Game" (1997), terzo elemento di una possibile trilogia "dolorosa", e "Fight Club" (1999), la pellicola che conclude il periodo dell'apprendistato e dell'innocenza, con il regista da lì in poi completamente padrone dei mezzi di produzione e dei meccanismi del successo. Se le prime quattro opere hanno alternato successo misurato e veri e propri flop commerciali, le pellicole seguenti saranno quasi sempre fortunate anche in termini di incassi. In prima fila tra i leitmotiv si segnala una visione apocalittica della vita e della società, corrotta dall'egoismo e dal vizio, e per questo condannata a morte con le sue stesse mani - il finale del film è in questo caso simbolico, con John Doe in versione kamikaze pronto a morire per completare la sua missione di palingesi morale - e poi a cascata le naturali conseguenze: la violenza come ribellione e cambiamento allo stato delle cose (tema sviluppato in "Fight Club"), mancanza di senso, isolamento, colpa e soprattutto un dolore atavico, fisico e psicologico, che non abbandona neanche per un momento i personaggi, anche quando si tratta di annunciare la nascita di un figlio, quello di Tracy (Gwyneth Paltrow), la moglie di Mills, accolto dalla ragazza con un pianto che non lascia ben sperare sul futuro che attende il nascituro, e sottolineato da Somerset con una frase - "come potrei avere un figlio dopo tutto quello che vedo" - alquanto significativa.

Ad interiorizzare una dimensione emotiva in via di disfacimento concorre un sottotesto ricco di materiali psichici, con la pioggia costantemente scrosciante ad enfatizzare la dimensione di purificazione a cui è improntato l'operato di John Doe, e sostitutiva sulla scena di un carattere quasi sempre fuori campo, con i ruoli di Somerset e di Mills a riproporre l'archetipo di un rapporto padre/figlio, presente con le opportune varianti nei primi tre film del regista, e quello di Tracy, sottratto a qualsiasi tipo di carnalità e fortemente materno, a costituire nella sua purezza, l'unica ancora di salvezza per un'umanità - in disarmo - che i due uomini, loro malgrado, sono chiamati a rappresentare nell'arco della storia.
Una dimensione individuale e solipsistica, quella di "Seven", che però non esclude il tempo presente ma anzi lo rispecchia nel cambiamento di prospettive provocato dal crollo del muro di Berlino e dalla fine della Guerra Fredda, quando la mancanza di un nemico (esterno) da combattere costringe la nazione a guardarsi allo specchio e a fare i conti con se stessa. Fincher registra il cambiamento e poi presenta il conto attraverso la figura di John Doe, il nuovo incubo, servito sotto le spoglie dell'uomo qualunque; avversario senza identità (Doe si taglia i polpastrelli per sparire dai database) che attraversa l'esistenza dei due detective mischiandosi tra la gente comune, con i costumi (il fotografo in cerca di scoop) di un quotidiano apparentemente innocuo e invece letale. Ma "Seven" non si ferma qui e mina alla base l'essenza stessa della cultura americana facendo crollare il sistema sotto i colpi di un "predicatore" che riporta alla luce la religione dei padri fondatori ribaltandone gli effetti con un'azione di segno contrario.
Attraverso John Doe, il sermone che aveva fatto da collante nella fase "costituente" diventa lo strumento che toglie la speranza e cancella qualsiasi ipotesi di futuro, spingendo il film verso un finale nerissimo, consumato nell'agghiacciante sequenza finale a suggellare la catastrofe.

Ed è proprio questa catarsi al contrario, con il trionfo del male sul bene, a sconfessare le convenzioni del thriller americano, rivelandoci i prodromi di un'arte che nasce come sintesi tra il cinema americano degli anni 70 e quello mainstream del decennio successivo. Dal primo, "Seven" mutua la capacità di lavorare all'interno del sistema, portando a galla un discorso personale ed artistico che non penalizza la fruibilità, ed in secondo luogo un'essenzialità che riesce a comunicare senza sprecare un metro di pellicola, basti pensare all'utilizzo dello spazio devoluto ai titoli di testa, più che cartellone un vero e proprio rompicapo che rimanda direttamente alla mente ed al corpo dell'assassino, rivelandoci fin da subito informazioni decisive per il rebus che la storia cercherà di risolvere; dal secondo, l'importanza degli aspetti visuali e di composizione dell'immagine, oltre alla costanza della progressione narrativa.
Spuntano così gli immancabili riferimenti: ad Alan J. Pakula ed al suo "Klute"(1971), illuminato dal mitico Gordon Willis, punto di riferimento del direttore di fotografia Darius Khondji per la creazione dei contrasti tra luce e ombra che caratterizzano gli ambienti, e quello esplicito a "Blade Runner" (1982), citato sia attraverso l'inseguimento in cui Mills alle calcagne di Doe si apre la strada saltando da una macchina all'altra, che nel ritratto della città di Los Angeles, mefitica ed astratta come quella di Scott. Emerge infine uno stile strettamente consequenziale allo sviluppo narrativo, con un trionfo di campi medi e piani americani che la dicono lunga sulla voglia di raccontare l'uomo e il suo habitat, e al contempo il desiderio di tracciare le coordinate di un'esistenza senza punti di fuga, immersa negli intestini di una città-prigione come testimonia la quasi totale assenza di panoramiche da e verso il cielo. Una claustrofobia emotiva e materica dal quale si può evadere accentando le conseguenze di un'apertura, - sottolineata dal campo lunghissimo che mostra per la prima volta uno spazio immenso e disabitato - che retrocede gli uomini ad uno stato primordiale.

La chiosa finale, con la voce fuori campo di Somerset che commenta da par suo l'accaduto  dicendo "Hemingway ha detto che il mondo è un bel posto e che vale la pena lottare per esso, io condivido solo la seconda parte", restituisce perfettamente il significato di una visione cinematografica che fa pensare e non lascia indifferenti.
(pubblicato su ondacinema/pietre miliari)
[ LEGGI TUTTO ... ]

HITCHCOCK

La vita di un genio è spesso banale. Lo dicono le biografie ufficiali, lo racconta il cinema quando decide di abbandonare il mito per addentrarsi nei territori del vero. E' con questo spirito che si presenta "Hitckock", esempio di cinema che celebra se stesso dimostrando che l'ispirazione è spesso misteriosa ed abituata a convivere con il quotidiano di una vita insignificante e molto spesso noiosa. Cosi appare infatti quella di Sir Alfred Hitckock, maestro del brivido costretto a fronteggiare le conseguenze di un carattere che rifuggiva le mezze misure: da una parte l'ardire di una visionarietà senza limiti, capace di anticipare la modernità per l'innovazione delle soluzioni visive, oppure di inventarsi capolavori adattandoli spesso da libri di secondo piano, dall'altra le giornate passate a spiare le persone dalle finestre del suo ufficio, oppure a rimpilzarsi di cibo per compensare le frustrazioni di un non detto che aveva molto a che fare con l'universo femminile, amato ma anche temuto, come dimostra simbolicamente tutto il suo cinema, costellato di donne prima esaltate e poi costrette a mettersi da parte, e soprattutto il rapporto con la moglie Alma, figura materna gentile ma severa, in grado di raziocinare le nevrosi del marito.

Dir
etto da un regista pressochè sconosciuto "Hitckock" privilegia la forma ai contenuti. Sacha Gervasi si preoccupa più di ricreare la vernice degli anni 60 e la vita all'interno degli studios, che di cogliere il mistero della creazione (forse troppo per chiunque) ed anche l'eccezionalità di un personaggio, che il film tratteggia con una serie di aneddoti come quello che vede il buon Alfred scambiarsi confidenze con il "fantasma" di Ed Gein, il killer che ispiro il personaggio di Norman Bates protagonista del film di cui "Hitckock" riassume la travagliata lavorazione, osteggiata dai produttori e dalla censura per la scabrosità dei temi e portato avanti  dal suo autore grazie anche all'apporto decisivo della moglie. Tra tante omissioni - quella morbosa per le sue attrici è appena accennata - spiccano le figurine di attrici come Janet Leigh (un insipida Scarlett Johanson, gentile ed obbediente, e Vera Miles (un anonima Jessica Biel), ribelle e poco riconoscente, e poi di Anthony Perkins complessato ed insicuro. Alla fine "Psycho" divenne un classico del suo genere, con un successo che andò ogni più rosea previsione dando nuova linfa ad un'ispirazione che di li a poco si trasformò in un nuovo progetto - "Uccelli"- annunciato dalla comparsa di un corvo in una delle scene finali del film. A chi volesse conoscere il seguito consigliamo "The Girl" produzione HBO che inizia laddove "Hitckcok" si conclude.
[ LEGGI TUTTO ... ]

lunedì, maggio 13, 2013

20 ANNI DI MENO

20 anni di meno
di David Moreau
con Virginie Efira, Pierre Niney, Charles Berling, Gilles Cohen
Francia 2013
genere: commedia
durata, 92'

Il cinema ha dimostrato nel corso del tempo di intercettare con largo anticipo mode, tendenze e cambiamenti sociali che in campo sentimentale hanno aiutato l'amore a svincolarsi da tutte quelle remore, soprattutto di natura morale, che gli impedivano la piena manifestazione. In questo processo di trasformazione lo schermo è diventato luogo privilegiato di relazioni "straordinarie" e di famiglie allargate, di passioni nascoste e tenerezze esibite, dove, seppur con notevole ritardo rispetto alla controparte maschile, anche il fascino femminile più maturo ha trovato il modo di farsi apprezzare da uno stuolo di giovanissimi ammiratori, senza sentire il bisogno di reprimenda e giustificazioni. Da "Il laureato" (1967), con la mitica Anne Bancroft capace di irretire un giovanissimo Dustin Hoffman a "The Rebound-Ricomincio dall'amore " (2010) in cui Catherine Zeta Jones flirta con il ragazzo delle porta accanto, la vertigine anagrafica tra uomo e donna ha progressivamente perso il suo carattere rivoluzionario, per assumere caratteristiche di normalizzazione che un film come "American Pie" (1999) ha codificato attraverso un acronimo (Milf) in grado di certificare il gradiente seduttivo delle potenziali Mrs Robinson.

A spingere l'accelleratore sulla frontiera di una raggiunta normalità ci pensa David Moreau, già autore di horror movie ("Them", 2006 e "The Eye", 2008) e qui, non senza sorpresa, alla prese con le vicissitudini "rosa" di una borghese complessata (Alice), impegnata a salvare la propria egemonia dalle insidie di una giovane ed ambiziosa collega, entrata nelle grazie del boss della rivista di moda in cui entrambe lavorano. Per dimostrare di essere all'altezza del compito e di avere ancora lo smalto dei giorni migliori Alice, single convinta e madre di una figlia, decide di corteggiare il giovane Balthazar, uno studente incontrato per caso sull'aereo che la sta riportando a Parigi. La sua frequentazione sbandierata ai quattro venti e messa in vetrina ad ogni occasione diventa lo strumento per certificare la rinascita. Quando il piano di Alice incomincia a funzionare la donna dovrà fare i conti con i sentimenti del ragazzo, nel frattempo innamoratosi di lei.

Se il rapporto tra Alice e Balthazar - costruito con un mix di charme ed impaccio simpaticamente seducente - rimane il motivo d'interesse principale, come d'altronde dichiarato fin dal titolo, "Vent'anni di meno" ha il pregio di non strafare nel presentare un confronto di personalità e situazioni in cui ad emergere è la natura "americana" di un prodotto che mette insieme clichè e stilemi di matrice hollywoodiana, con i due protagonisti a far da sponda con i rispettivi ambienti, la scuola e la compagine studentesca contrapposte alla professionalità cinica ed arrivista della redazione del giornale, ad una fusione di generi che vede teen movie e commedia sofisticata uniti alla pari in un concorso di forze esplicitamente citato nella scena in cui Alice, vestita come una star delle passerelle si presenta per la prima volta nella scuola di Balthazar, ed in cui doti fisiche e feroce determinazione vengono enfatizzate dal rallentì che insiste sul fondoschiena della donna e contemporaneamente sullo stupore dei presenti ; oppure in una delle battute finali, quando la dimensione pubblica e quella privata coincidono nella scena della conferenza in cui Alice prende il posto del relatore per una dichiarazione d'amore approvata, (e quindi normalizzata) dagli applausi degli altri studenti, ed ancora nei vari inserti che riproducono una redazione pettegola e stravagante, più simile ad una corte dei miracoli che ad un ambiente di lavoro. In subordine c'è pure spazio per una critica alla società dello spettacolo, vacua e umorale come Vincent, il capo di Alice, pronto a tutto pur di salvaguardare la sua creatura, o in alternativa maleducata e spocchiosa come Patrick, regista di spot pubblicitari capace di far arrabbiare persino un tipo paziente come Balthazar, convinto a posare nella campagna pubblicitaria organizzata da Alice , ed ancora superficiale come le modelle che non fanno distinzione tra un invito a cena ed una performance sessuale. A David Moreau che filma con fluidità, valorizzando le caratterizzazioni di una coppia di attori ottimamente amalgamata, va riconosciuto un uso corretto dei tempi comici ed un senso dello spettacolo capace di intrattenere riuscendo a non far pesare l'ovvietà dell'intera operazione. Per chi invece non riesce a fare a meno della stretta attualità "Vent'anni di meno" trova il modo di occuparsi anche di quella con una boutade veramente divertente in cui Balthazar alla prima notte d'amore con la bella Alice, evoca due politici come la Merkel ed Hollande, utilizzati come bromuro psicologico per allungare i tempi di una prestazione messa a rischio da eccessiva eccitazione. Basterà sapere che gli amanti rimarranno soddisfatti per affermare che la politica neanche in quest'occasione riesce a farla franca.

(pubblicata su ondacinema.it)



[ LEGGI TUTTO ... ]

giovedì, maggio 09, 2013

NO- I GIORNI DELL'ARCOBALENO

No-I giorni dell'arcobaleno
di Pablo Larrain
con Gael Garcia Bernal, Alfredo Castro
Cile, Usa 2012
genere: drammatico
durata, 110'



Se quella portoghese che tolse di mezzo António de Oliveira Salazar e la sua dittatura fu definita la Rivoluzione dei garofani per il carattere pacifico del suo svolgimento, avvenuto senza spargimento di sangue, allora, quanto accaduto nel 1988 in Cile, dove il dittatore militare Augusto Pinochet fu costretto a rinunciare al controllo dello Stato su pressione della comunità internazionale e in seguito ad un referendum che, di fatto, espresse il suo "no" ad un eventuale rinnovo del suo mandato, potrebbe definirsi la rivoluzione dello spot pubblicitario. Definizione alquanto pittoresca ma attagliata al meccanismo messo in piedi da un manipolo di coraggiosi che, sfruttando la possibilità di confrontarsi con la macchina del potere, costretta a concedere (dalle pressioni internazionali) all'opposizione una visibilità di 15 minuti settimanali per tentare di convincere la popolazione sulle ragioni del dissenso, riuscì a colpi di spot pubblicitari nella improbabile impresa.

A dirigere l'attacco mediatico è il giovane e talentuoso pubblicitario René Saavedra, deciso a mettere da parte le sicurezze di una carriera di successo e l'apatia che spesso ne consegue, per affrontare un'operazione rischiosa non solo per la scarsità dei mezzi a disposizione, irrisori rispetto agli avversari, quasi sempre radunati nelle stanze del potere con uno stuolo di consiglieri, militari e faccendieri pronti a tutto pur di soddisfare le esigenze del padrone, ma, soprattutto, per il pericolo di una recrudescenza che non si farà attendere e si manifesterà con intimidazioni personali e nei confronti della sua famiglia. Non siamo all'uomo solo contro tutti ma certamente il film di Pablo Larrain ricorda molto un certo filone di cinema politico americano, da "Tutti gli uomini del Presidente" a "Il candidato", dove l'analisi dei meccanismi del potere, della manipolazione del consenso - perché anche qui, seppur a fin di bene, i buoni combattono usando le stesse armi del nemico - si esprime soprattutto come impresa individuale, delegata dalla collettività alle qualità del singolo inquadrato in un'area sacrificale che, seppur priva della retorica mainstream, non ne disdegna la resa emotiva e l'empatia con il pubblico.

Girato con una cinepresa d'epoca che conferisce alla pellicola uno stile vintage, con colori ed atmosfere assolutamente simili alle telenovalas che a suo tempo imperversavano anche nella televisione italiana, "No", pur scegliendo un registro pienamente realistico, sia nella ricostruzione dei fatti che in quello della messa in scena, ha dalla sua un'originalità straniante che gli deriva dai continui inserti, di repertorio o camuffati ad arte, che tanto nelle scene di massa girate nella strada e riferite alle manifestazioni ed alle violente repressioni militari - quella relativa alla giornata del referendum quando in un ultimo sussulto di onnipotenza Pinochet chiama l'esercito a disperdere l'esultanza della piazza in attesa del verdetto è girata da manuale del combact cinema - ma soprattutto in quelle di derivazione televisiva, coloratissime, un po' demodè e con il linguaggio degli slogan, si oppongono per clima, estetica e significati agli avvenimenti in corso d'opera.

Ultimo episodio di una trilogia dedicata al Cile della dittatura (dopo "Tony Manero" e "Post Mortem"), "No" è un'opera ben fatta anche se forse un po' in ritardo rispetto al presente di un paese che ha voltato pagina rispetto a questo pezzo della sua storia. Gabriel Garcia Bernal, attore-divo premiato prima della proiezione del film, ha espresso la sua soddisfazione per aver partecipato per la prima volta ad un film politico. E' sua la faccia che traghetta la narrazione attraverso i fatti realmente accaduti. Un volto pulito e popolare ma senza il carisma necessario per interpretare un ruolo così importante. 
(pubblicato su ondacinema.it/speciale festival di Locarno 2012)
[ LEGGI TUTTO ... ]

mercoledì, maggio 08, 2013

Mayo no takkyubin / Kiki. Consegne a domicilio

di: Miyazaki Hayao.
Animazione. Dal romanzo omonimo di Eiko Kadono (1985).
- GIA 1989 -
102 min



Che Miyazaki Hayao (classe 1941) abbia sovente esaltato la propria immaginazione sino a lambire il meraviglioso e' cosa nota anche ai ciottoli non levigati in fondo al Lete. Ciò che e' interessante osservare da subito - e parliamo di un lungometraggio del 1989 (!), arrivato solo ora al suo luogo d'elezione, il buio della sala, grazie all'ennesima prova di labirintica imperscrutabilità offerta dalla distribuzione nostrana, capace stavolta di mettere insieme un tortuoso percorso a tappe che ha visto una prima uscita su dvd nel 2002, un nuovo adattamento per la presentazione al Festival del Cinema di Roma del 2010 e l'odierno esordio sul grande schermo - e' la freschezza e la soavità pressoché intatte, dopo quasi un quarto di secolo, di una storia semplice (nella struttura e negli snodi) di crescita e formazione riguardante una persona dotata di qualità fuori dal comune.

La figura di Kiki, strega tredicenne in casacca nera, ballerine arancio scuro, grosso fiocco rosso in testa a contenere la zazzera bruna, radiolina portatile e scopa d'ordinanza, che abbandona il suo paese natale per un periodo di apprendistato in una nuova città, arricchisce la lista dei fanciulli svegli e sensibili di Miyazaki, ne preconizza di futuri, protagonisti di altre avventure (dalla "Principessa Mononoke", 1997, a "La città incantata", 2001, fino a "Ponyo sulla scogliera", 2008), e prosegue nell'esplorazione dell'infanzia e della prima giovinezza come età dell'incanto e al tempo banco di prova per la definizione della qualità umana di un individuo. La mini fattucchiera, in compagnia del gatto Jiji (con cui dialoga correntemente), osservatore rilassato e ironico della realtà, si sceglie una città "affacciata sul mare" (uno dei tanti ibridi architettonico/stilistici con cui il regista giapponese suole reinventare luoghi lontani: qui ritroviamo suggestioni scandinave, olandesi, proprie di borghi della Francia settentrionale o del Belgio, come pure morbidezze e punti di fuga tipici di latitudini più mediterranee), decide di prendervi dimora e dopo un primo momento d'incomprensione e diffidenza - per nulla causato, e' opportuno sottolinearlo, dalla sua natura di strega, a ribadire, da un lato, l'essenza fondamentalmente prodigiosa dell'esistenza stessa e, dall'altro, l'altrettanto radicato istinto guardingo nei confronti del "diverso", dello "straniero" in quanto tale - trova impiego presso un forno che vende pani e dolciumi, inventandosi il ruolo di fattorino volante per le consegne a domicilio.

Col tempo scoprirà aspetti del mondo che non conosceva; farà amicizia (con Ursula la pittrice, in particolare, in cui Kiki ragazzina si rispecchia e s'intravede da adulta e che le insegna l'onore e l'onere impliciti nell'avere dei doni. "Il sangue della strega; il sangue del pittore; il sangue del fornaio... doni per i quali possiamo anche soffrire", le dice). E si sentirà frustrata e delusa; proverà lo smarrimento di non trovarsi più a suo agio con se stessa (poteri che si affievoliscono; Jiji che diventa incomprensibile: il suo frasario pacato e sardonico torna ad essere un qualunque miagolio). Collegherà alcuni suoi rossori a sensazioni ancora indistinte, forse avvisaglie di amori a venire: comprenderà, soprattutto, la relazione indissolubile tra privilegio e sacrificio.

La curiosa bellezza della vicenda - così lineare si e' detto - deriva pero' dal suo modo di essere restituita con un tono lieve eppure sotterraneamente frenetico (a non secondario vantaggio del ritmo interno del film): Kiki e' sempre in movimento, accompagnata e sospinta dal vento, dalle nuvole che sembrano anticiparla/rincorrerla; dalle anatre selvatiche che la instradano o dai corvi che la incalzano. L'unica stasi e', in realtà, una forma d'immobilità forzata che si manifesta in un febbrone, diretta conseguenza dei continui strapazzi e di un'abbondante fradiciata. E ancora, con un taglio narrativo e un punto di vista in cui curiosità, apertura all'esterno, gentilezza, sono sempre contrappuntati da inaspettati momenti di amarezza, di ripensamento: qui e la' un'incertezza, una piccola inquietudine, quasi a rendere in extremis avvertita l'intuitiva propensione anagogica dell'occhio infantile. Per questo, quando sembra che lo "zucchero" stia per prevalere, una tempesta incombente fa sbattere con clamore le finestre; i lampi squarciano il cielo - quel pastello turchese che pareva indistruttibile facendo capolino a più riprese nelle inquadrature come in certe tele di Bonnard o di Pissarro, infinito territorio di promesse tanto caro a Miyazaki come a Moebius, suo amico, presenza viva nelle opere di entrambi e legata a filo doppio all'altra grande passione dei due, il volo e le macchine volanti, qui materializzate o evocate di continuo, fino alla bicicletta ad elica e al "numero" finale col dirigibile - O si rincasa a testa bassa camminando scalzi sulle pietre. O si e' soli sotto la pioggia e calano silenzi tanto lunghi quanto presaghi. A dire: davvero, a tratti, diventa palpabile la possibilità di estorcere alla ragione e al cinismo barlumi di sgomento per il mero stare al mondo, per l'irriducibile grazia gratuita e misteriosa malia delle cose. Cose che, riportandoci a noi stessi, a quell'ideale romantico, ingenuo ma puro che sta prima della galera degli opportunismi, prima delle viltà e delle grettezze, regalano la tregua dell'illusione e fanno incontrare lo stupore, l'allegria, i sorrisi irenici di Kiki, il suo pragmatismo e la sua testardaggine, il suo accordo immediato con la natura - fiori e alberi, sabbia e mare, aria e nuvole - agglomerati di forze eterne non necessariamente benigne, comunque, di fatto, lenitive e (ri) generatrici: qualità queste che, unite a volubilità e arrendevolezza, ad ostinazione ed impertinenza, e' facile - per dire - non siano state dimenticate da un vecchio estimatore dell'animazione e del fumetto come Besson per sbozzare certe pieghe caratteriali della dodicenne Mathilda in "Leon" (1994).

E se alcuni personaggi di contorno appaiono si' un po' leziosi, sempre puntuale e' l'apporto delle partiture di Joe Hisaishi (compositore storico anche di Kitano), pronto a variare registro passando da un allegro twist introduttivo a fraseggi di tastiere ed archi - morbidi quanto insinuanti - ad interagire negl'intermezzi di spaesamento e tensione. Come pure resta, nella generale leggerezza, il punto fermo che la magia non e' tanto o solo un insieme di poteri da utilizzare (come all'inizio fa Kiki per la sua professione) ma un vero e proprio modo di stare al mondo (rifiutare di galleggiare nel presente, per esempio, e volarci sopra ); un linguaggio, una chiave per entrare in quello degli altri e conoscerlo.


TFK


[ LEGGI TUTTO ... ]

FIlm in sala dal 9 maggio 2013

20 anni di meno
(20 ans d'écart)
GENERE: Commedia
ANNO: 2013
NAZIONALITA': Francia
REGIA: Marie-Charlotte Moreau
CAST: Virginie Efira, Pierre Niney, Charles Berling, Gilles Cohen, Camille Japy, Michael Abiteboul

Bellas mariposas
(Bellas mariposas)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2012
NAZIONALITA': Italia
REGIA: Salvatore Mereu
CAST: Sara Podda, Maya Mulas, Micaela Ramazzotti, Davide Todde, Luciano Curreli, Marina Loi


Confessions
(Kokuhaku)
GENERE: Drammatico, Thriller
ANNO: 2010
NAZIONALITA': Giappone
REGIA: Tetsuya Nakashima
CAST: Yoshino Kimura, Yukito Nishii, Kaoru Fujiwara, Ai Hashimoto, Mana Ashida, Masaki Okada

Fire with Fire
(Fire with Fire)
GENERE: Azione, Drammatico, Thriller
ANNO: 2012
NAZIONALITA': USA
REGIA: David Barrett
CAST: Josh Duhamel, Bruce Willis, Rosario Dawson, Vincent D'Onofrio, 50 Cent, Julian McMahon

La casa
(The Evil Dead)
GENERE: Horror
ANNO: 2013
NAZIONALITA': USA
REGIA: Fede Alvarez
CAST: Jane Levy, Shiloh Fernandez, Jessica Lucas, Lou Taylor Pucci, Jim McLarty, Elizabeth Blackmore

L'uomo con i pugni di ferro
(The Man with the Iron Fists)
GENERE: Azione
ANNO: 2012
NAZIONALITA': USA
REGIA: RZA
CAST: Russell Crowe, Jamie Chung, Lucy Liu, RZA, Pam Grier, Rick Yune

Mi rifaccio vivo
(Mi rifaccio vivo)
GENERE: Commedia
ANNO: 2013
NAZIONALITA': Italia
REGIA: Sergio Rubini
CAST: Neri Marcorè, Margherita Buy, Emilio Solfrizzi, Vanessa Incontrada, Lillo, Sergio Rubini

No - I giorni dell'arcobaleno
(No)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2012
NAZIONALITA': Francia, Cile, USA
REGIA: Pablo Larraín
CAST: Gael Garcia Bernal, Christopher Reeve, Richard Dreyfuss, Jane Fonda, Alfredo Castro, Nestor Cantillana

Sta per piovere
(Sta per piovere)
GENERE: Drammatico
ANNO: 2013
NAZIONALITA': Italia
REGIA: Haider Rashid
CAST: Lorenzo Baglioni, Mohamed Hanifi, Giulia Rupi

Fedele alla linea
(Fedele alla linea)
GENERE: Documentario
ANNO: 2013
NAZIONALITA': Italia
REGIA: Germano Maccioni
CAST: Giovanni Lindo Ferretti, Corte Transumante di Nasseta

[ LEGGI TUTTO ... ]

lunedì, maggio 06, 2013

MIELE

Miele
di Valeria Golino
con Jasmine Trinca, Carlo Cecchi, Libero di Rienzo
Italia/Francia 2013
genere: drammatico
durata, 96'

"E adesso quanto ci vuole?" chiede la donna distesa sul letto. "Due, tre minuti" risponde rassicurante la ragazza che le sieda accanto.

E' una questione d'attimi, giusto il tempo che intercorre tra l'ultimo sorso di vita somministrato dal cocktail letale, e la perdita di sensi che lascerà il posto all'agognata dipartita. Una cerimonia mortifera ed insieme salvifica per le caratteristiche di liberazione dal male, fisico ed anche psicologico, connesse con la scelta dei malati terminali che Irene, detta "Miele", aiuta a morire con sofferta quanto professionale partecipazione. Una liturgia a domicilio messa in pratica nella sacralità di un'ideale personale ricompensato con il denaro necessario a costruire una facciata di legalità che impedisca agli altri di guardare l'abisso del suo lancinante dolore. Per la sua opera prima Valeria Golino di professione attrice, e da oggi ufficialmente regista, non poteva scegliere tema più ostico, perché "l'eutanasia" rimane, soprattutto in Italia, una questione di cui è meglio non parlare. Un tabù che la settima arte ha cercato di sfatare con una bibliografia ancora giovane ma non per questo meno agguerrita, con un capolavoro come "Million Dollar Baby" (2004) a rilanciare una diatriba che in questa stagione aveva avuto due precedenti importanti come "La bella addormentata" (2012) di Marco Bellocchio e "Quelques Heures de Printemps di Stéphane Brizé", presentato all'ultimo Festival di Locarno e purtroppo ancora inedito sui nostri schermi. Oltre alle polemiche, c'era per la Golino un rischio più propriamente artistico che risiedeva in una "spettacolarità" del dolore" sempre più spesso abbracciata dai nostri produttori, ansiosi di replicare al cinema format già collaudati e conosciuti dal pubblico dei giornali e delle televisioni. Ed invece operando in maniera coraggiosa e non meno personale la Golino sceglie la strada più ovvia ma non per questo meno impervia, optando per un cinema tout court, in cui le immagini diventano il contenuto di una storia che parla di persone e delle loro emozioni, raccontate in punta dei piedi, con un pudore che riesce a fermarsi sulla soglia dell'ultimo atto - la sequenza d'apertura con Irene sul posto di "lavoro" sottratta allo sguardo dello spettatore da una vetrata spessa come un fondo di bottiglia è una vera potrebbe esserne la dichiarazione d'intenti - laddove neanche alla macchina da presa è concesso di entrare, ed in cui il vojerismo onniscente così in voga nei nostri tempi, ecco la differenza, è costretto a desistere. Una misura che investe l'intera opera a partire dalla sua direzione che, alla pari della protagonista - che assiste il trapasso dei suoi clienti partecipando in maniera defilata - diventa parte in causa della vicenda, condividendo gli affanni di Irene con primi piani ravvicinatissimi e "pedinamenti" di zavattiniana memoria, ma parimenti riesce a distaccarsene alternando il tranche de vie al referto psicologico, con una continua messa a fuoco che "Miele" non manca di certificare quando, con un montaggio ravvicinato ci mostra dapprima una soggettiva di Irene che dalla finestra di un albergo messicano osserva la strada che separa l'abitazione dalla farmacia dove acquisterà le medicine da utilizzare per i suoi servizi, e poi, in rapida successione, la sostituisce con un'altra pressochè identica, ma con Irene questa volta presente nello spazio scenico, a suggerire l'avvenuto cambiamento di sguardo.

Una capacità di guardare, quello della Golino, che riesce a tradurre l'indubbia bellezza delle inquadrature in sostanza che produce senso. In questo modo la natura sfuggente di Irene, il suo carattere introverso ed irriducibile si traduce in un puzzle di dettagli anatomici (uno zigomo, gli occhi, la bocca) in cui la personalità della donna risulta dall'impossibilità di coglierla, fisicamente, nella sua interezza, oppure nella sua collocazione ai margini del campo scenico; il suo isolamento nella sovrapposizione del volto a superfici trasparenti - il vetro della discoteca, il parabrezza del motorino - mentre l'ombra disegnata sul pavimento o riflessa in una pozzanghera d'acqua diventano il segno di una lacerazione, quella di Irene, proposta dal contrasto tra il sole della casa vicino al mare, dove la ragazza si rifugia per ritrovare se stessa, ed il grigiore della città, luogo dell'illegalità e dei tristi ricordi. E poi l'intuizione di rispolverare un attore di peso come Carlo Cecchi, assegnandogli la responsabilità di un contraltare - l'ingegnere Carlo Grimaldi depresso e pronto a farla finita con l'aiuto di Irene che invece si rifiuta di farlo per motivi etici - a cui la sceneggiatura consegna il disincanto necessario ad evitare le derive ricattatorie di una materia altamente emotiva, e di riflesso, attraverso la pungente dialettica e l'imprevedibilità del suo personaggio, un surplus di concretezza di cui il film si avvale quando trasforma lo scontro tra Irene e Carlo in una condivisione amicale profondamente sincera. Ispirato a quella libertà controllata che da sempre appartiene all'alfabeto cinematografico della scena indie americana (Gus Van Sant, Spike Jonze, Sofia Coppola) "Miele" è un'opera sfrenatamente cinefila ancora prima di iniziare, con il poster del film a reinterpretare in chiave personale il frame di un classico come "Dressed to Kill" (1980) di Brian De Palma, con Irene in versione Michael Caine, e come lui "vestita per uccidere" seppur in un diverso contesto. Frammentario ed ellittico, scandito da una colonna sonora potente e visionaria, il lungometraggio di Valeria Golino è un film denso di significati e di stati dell'anima, girato in modo superbo dalla sua regista, ed interpretato con aderenza fisica e qualche incertezza da Jasmine Trinca, ancora una volta, dopo il film di Giorgio Diritti ("Un giorno devi andare",2013) alle prese con un ruolo da actor's studios. Se il buongiorno si vede dal mattino il film di Valeria Golino è il segnale che riaccende le speranze su un cinema italiano finalmente libero da conformismi e scorciatoie, ed insieme un augurio per l'imminente festival di Cannes a cui "Miele" parteciperà gareggiando nel prestigioso "Un Certain Regard".

(pubblicata su ondacinema.it)
[ LEGGI TUTTO ... ]

giovedì, maggio 02, 2013

VIAGGIO SOLA

Viaggio sola
di Maria Sole Tognazzi
con Margherita Buy, Stefano Accorsi, Fabrizia Sacchi
Italia, 2013
durata, 85'

I percorsi dell'animo umano sono misteriosi e paradossali, quasi mai uguali a come li abbiamo pensati. Tutto ciò che li riguarda deve essere preso con cautela, soprattutto quando si tratta di metterli in scena perché il rischio è quello di fraintenderli oppure di addomesticarli, riducendoli ad una confezione regalo. Era dunque questo il problema principale di Maria Sole Tognazzi nel raccontare la storia di Irene, single quarantenne intenzionata a mantenersi lontana dalle trappole della vita di coppia: da un lato la necessità di rendere visibile ciò che non si vede, dandogli voce evitando di diventare qualcos'altro rispetto al cinema, per esempio letteratura filmata, dall'altro rispettare il non detto e le velature, caratteristiche imprescindibili di qualsiasi intimità. Un equilibrio sottile e precario che la sceneggiatura di "Viaggio sola", scritta a tre mani dalla stessa regista insieme alla veterana Francesca Marciano (sceneggiatrice storica di Carlo Verdone) ed a Ivan Cotroneo, decide di trovare nell'atipicità del lavoro di Irene, incaricata di valutare gli standard degli alberghi di lusso che frequenta in incognito, mischiandosi agli altri clienti. "Una vacanza permanente" movimentata dalla meticolosità della donna, puntigliosa ed inflessibile nell'applicare i parametri di una valutazione che gradualmente ma in maniera inesorabile, ecco l'escamotage utilizzato dagli "scrittori, diventa la misura di un modo di essere, debitamente parafrasato nei questionari che Irene deve compilare a completamento delle sue ispezioni. In questo modo l'atteggiamento scostante del personale alberghiero, oppure la mancanza d'attenzione nei confronti dei clienti - come accade alla coppia in viaggio di nozze snobbata dal cameriere per la sua goffaggine - non sono semplicemente incidenti di percorso, dimenticabili quisquilie rispetto alla ricompensa del bene superiore, ma il principio ordinatore rispetto al quale non si può transigere se si vuole evitare di soffrire. Un'esistenza allo specchio, dunque, vissuta come spettatrice di quelle degli altri; non solo dei "compagni di viaggio" occasionali, ma anche di Andrea (Stefano Accorsi) ex amante ed amico sincero al quale accompagnarsi nelle ore di libera uscita dall'eldorado lavorativo; di Silvia, la sorella sposata con un marito introverso e poco espansivo, e delle due nipotine, amate ma anche utili a chiudere il cerchio di una famiglia affettiva che non comporta rinunce in termini di libertà personale. Un mondo perfetto chiamato a confrontarsi con gli imprevisti della vita che si manifesteranno sotto forma di un lutto improvviso che costringerà Irene ed i suoi cari a fare i conti con le responsabilità delle rispettive scelte.

Il terzo film di Maria Sole Tognazzi conferma nel bene e nel male le peculiarità di un'artista alla quale, di certo, non fa difetto il carisma. Figlia di cotanto padre, fattore che dal punto di vista psicologico comporta sempre un dazio da pagare, la Tognazzi nel corso della carriera ha saputo conquistarsi la stima di talentuosi colleghi, generosamente presenti sui set dei suoi film ed anche in questa caso della partita, sia dal punto di vista artistico, con nomi di punta come Margherita Buy e Stefano Accorsi, per non parlare di comprimari del calibro di Lesley Manville (quasi sempre presente nel cinema più recente di Mike Leigh), che tecnico, con Arnaldo Catinari, alla sua seconda collaborazione con la Tognazzi dopo "L'uomo che ama" (2008), qui puntuale nel tratteggiare con luci morbide e sfumature d'orate la vita da "sogno" della nostra protagonista. Tutti a disposizione di un soggetto che neanche tanto sommessamente ed in modo originale per le peculiarità che abbiamo cercato di spiegare, andava ad esplorare un tipo umano, Irene, volutamente fuori dal coro, ed una condizione, quella di single, felicemente alternativa alla normale convivenza; una vicenda lontana dal punto di vista cinematografico dall'amarezza di fondo di due possibili punti di riferimento del film come "Turista per caso" (Accidental Tourist,1988) di Lawrence Kasdan, e "Tra le nuvole" (2009) di Jason Reitman. Ed è proprio la ricerca del tono giusto, mai urlato e privo di scene madri, e l'intercambiabilità tra il realismo dei sentimenti e il pittoresco della "fabula" a rendere interessante, almeno nella prima parte, "Viaggio sola". Purtroppo però, e qui vengono a galla i difetti di sempre, quando si tratta di sviluppare premesse così ben delineate, dando corpo ed anche forma alla progressione emozionale della protagonista, il film inizia a perdere peso. Invece di dare sostanza ai suoi personaggi, Maria Sole Tognazzi sembra svuotarli a favore di un "decor" estetico e visuale che privilegia gli interni lussuosamente arredati delle strutture alberghiere in cui si svolge buona parte del film, e le vedute dei paesaggio, naturale ed urbano, di cui le immagini si lasciano sopraffare. Altrettanto evidente risulta l'empasse narrativo di una vicenda che prima di arrivare al frettoloso lieto fine, e dopo aver perso per strada il personaggio di Andrea inizialmente co protagonista della vicenda e poi dimenticato sul più bello, sembra quasi fermarsi, irretita dagli inserti da "touring club" che ci ragguagliano sulla vita da globetrotter della protagonista. Una sorpresa in negativo che spegne gli entusiasmi e lascia con l'amaro in bocca per le aspettative create dalla folgorante partenza, rimandando spettatori e regista alla prossima occasione. Per Margherita Buy (Irene) in versione Amelie Poulain il plauso di un' interpretazione giocata sulle ali di una leggerezza finalmente depurata dagli eccessi nevrotici. 

(pubblicata su ondacinema.it)
[ LEGGI TUTTO ... ]

mercoledì, maggio 01, 2013

EFFETTI COLLATERALI

Effetti collaterali - Side Effects
di Steven Soderbergh
con Mara Rooney, Jude Law, Channing Tatum, Catherine Zeta Jones
Usa 2013
genere, thriller
durata 106'

Appassionato di arti visive Steven Soderbergh è un deux ex machina in continuo movimento. Baciato da immediato successo con la palma d’oro al festival di Cannes per “Sex, lies and Videotape”(1989), Soderbergh  non ha dormito sugli allori e da quel momento ha organizzato una catena di montaggio capace di abbracciare il cinema nella sua totalità, girando e producendo opere di ogni tipo e significato, capaci di spaziare dalle produzioni mainstream al cinema art house, con soluzioni cinematografiche largamente consolidate dalle regole del genere, oppure coraggiosamente esposte ai tentativi di una ricerca borderline. Smentendo continuamente se stesso Soderbergh è riuscito a rimanere quello di sempre grazie ad un camaleontismo che gli ha permesso di sembrare nuovo anche quando non lo era. In ogni caso a risultare decisivo non sono state le storie ne tanto meno gli attori, intercambiabili e quasi mai decisivi – la Julia Roberts di “Erin Brokovich” (2000) resta fin qui l’unica vera eccezione – ma piuttosto un formalismo estetico e visuale che ha nutrito ogni fotogramma dei suoi molti titoli. Una regola ferrea a cui non sfugge nemmeno “Effetti collaterali” ultimo fatica del regista newjorkese, arrivato a breve distanza dall’exploit commerciale di Magic Mike (2102) ed incentrato sul dramma di Emily Tailor (Rooney Mara) una giovane donna che commette un omicidio sotto effetto dell’antidepressivo ordinatogli da Jonathan Banks (Jude Law) lo psichiatra che l’aveva in cura.  Se l’industria farmaceutica con i suoi sodali e le sue medicine finisce repentinamente sul banco degli imputati in un modo che sembra fare il verso ad “Insider” (1999) di Michael Mann per il tono da denuncia giornalistica, e con la chimica al posto del tabacco, “Effetti collaterali” ci mette poco a rivelare la sua natura, trasformandosi quasi subito in un thriller psicologico quando il dottor Banks, diventato nel frattempo il bersaglio numero uno di media e polizia, incomincia un indagine personale che gli farà fare inquietanti scoperte. Diretto "per caso" da Steven Soderbergh in sostituzione del suo naturale estensore, quel Scott Z. Burns, già sceneggiatore di “Contagion”(2010) ed in un primo momento intenzionato ad occuparsi personalmente della regia, “Effetti collaterali” conferma pregi e debolezze del suo autore, efficace quando riesce ad applicare le qualità dello sguardo alla solidità dei contenuti, un po’ meno quando è chiamato a fare tutto da solo, avvalendosi esclusivamente sulle capacità della sua tavolozza. Ecco allora le immagini sghembe e dalla cornice sfumata alla pari degli ambienti spesso sfocati a sottolineare lo stato confusionale e l’isolamento della protagonista; ecco la fotografia desaturata - della stesso Soderbergh - con la prevalenza di cromature dorate a ricreare il paradiso perduto alla quale Emily continua ad anelare nonostante i rovesci finanziari che hanno escluso lei ed il marito dalla jet society alla quale appartenevano. Ed ancora la levigatezza degli attori dalle mise tanto perfette quanto i decor degli interni asettici anche quando si tratta di confrontarsi con la desolazione di una cella di prigione. Ingredienti affascinanti che però non si sposano allo sviluppo di una vicenda che forza la logica e piega i meccanismi di genere con sorprese e ribaltamenti di punti di vista mai credibili, soprattutto per quello che riguarda i due protagonisti, chiamati nella seconda parte ad alternarsi nel ruolo di vittima e carnefice. Se in altri casi aveva trovato il calore e robustezza dell'impianto narrativo in questo caso le pennellate di Soderbergh non riescano a scaldarsi e sembrano rimanere sulla soglia con compiaciuto distacco. Presentato senza clamore all'ultima berlinale "Effetti collaterali" rimane comunque un film di Steven Soderbergh dall'inizio alla fine. Bello da vedere ma oggi poco coinvolgente.
[ LEGGI TUTTO ... ]

Film in sala da Giovedì 2 Maggio 2013

IL CECCHINO
Le Guetteur
di Michele Placido
con Daniel Auteuil, Mathieu Kassovitz, Olivier Gourmet, Luca Argentero, Violante Placido
Drammatico 89 min - ITA/FRA 2012

EFFETTI COLLATERALI
Side Effects
di Steven Soderbergh
con Rooney Mara, Channing Tatum, Jude Law, Catherine Zeta-Jones
Drammatico 106 min - USA 2013

MIELE
di Valeria Golino
con Jasmine Trinca, Carlo Cecchi, Libero De Rienzo, Iaia Forte
Drammatico 110 min - ITA 2013

MUFFA
Kuf
di Ali Aydin
con Ercan Kesal, Muhammet Uzuner, Tansu Biçer
Drammatico 94 min - TUR/GER 2012

HANSEL e GRETEL: CACCIATORI DI STREGHE
Hansel and Gretel: Witch Hunters
di Tommy Wirkola
con Jeremy Renner, Gemma Arterton, Famke Janssen
Horror 90 min - USA 2012

SNITCH - L'INFILTRATO
Snitch
di Ric Roman Waugh
con Dwayne "The Rock" Johnson, Susan Sarandon, Jon Bernthal
Dramamtico 112 min - USA 2012

THE ROLLING STONES - CROSSFIRE HURRICANE
di Brett Morgen
Documentario musicale 111 min - GB/USA 2013

BENUR - UN GLADIATORE IN AFFITTO
di Massimo Andrei
con Nicola Pistoia, PAolo Triestino, Elisabetta De Vito
Commedia 98 min - ITA 2012

LA FINESTRA DI ALICE
di Carlo Sarti
con Fabrizio Bucci, Sergio Muniz, Deborah caprioglio
Commedia 100 min - ITA 2013

IL COMMISSARIO TORRENTE - IL BRACCIO IDIOTA DELLA LEGGE
Torrente 4
di Santiago Segura
con Santiago Segura, Kiko Rivera, Tony Leblanc
Commedia 93 min - SPA 2011
[ LEGGI TUTTO ... ]

IL CECCHINO

Il cecchino/Le Guetteur
di Michele Placido
con Mathieu Kassovits, Daniele Auteuil
Francia 2012
genere, polar
durata 89'

Qualche tempo fa il cinema italiano e quello francese erano più vicini di quello che gli stereotipi culturali lasciassero pensare. A sancire questa alleanza non fu solo un'ammirazione reciproca e dichiarata, ma anche, sul piano pratico, una serie di coproduzioni in cui confluirono idee e talenti capaci di dare vita a capolavori come "Le mani sulla città" e "Cadaveri eccellenti" di Francesco Rosi. Un cinema civile ed impegnato che Placido conosce bene, e che sicuramente è stata fonte di ispirazione per un'opera come "Un eroe borghese" dedicata alla figura di Giorgio Ambrosoli ed alle vicende del banco ambrosiano. Seppur lontano da questi modelli cinematografici, "Le Guetteur" è infatti un polar, il nuovo film di Michele Placido ne ripropone le stesse sinergie produttive, essendo frutto di una collaborazione che vede impegnate tra l'altro Rai Cinema e Canal Plus.
Al centro della storia la figura sfuggente e misteriosa di un cecchino, Martin Kaminski, leader di una banda di rapinatori di banche, ed il commissario Mattei, tutore dell'ordine incaricato di catturarlo. Una caccia all'uomo cruenta e senza esclusioni di colpi che diventerà per entrambi una questione personale quando, dopo essere stato catturato grazie ad una telefonata anonima, Kaminski riuscirà ad evadere, e si metterà alla ricerca di chi lo ha tradito, lasciando dietro di sé una scia di sangue che non distinguerà tra buoni e cattivi.
Per Michele Placido "Le Guetteur" era molto di più di un film, perché la proposta di girare in Francia con attori del calibro di Daniel Auteuil, Mathieu Kassovitz e Olivier Gourmet rappresentava non solo il riconoscimento di una professionalità capace di dialogare con il cinema internazionale, ma anche la possibilità di prendersi una pausa dalle paludi di una cinematografia casalinga sempre avara per un autore che voglia confrontarsi con le forme del cinema di genere - basti pensare, sempre per restare al nostro regista, lo scarso interesse suscitato dal pur buono "Vallanzasca - gli angeli del male" (2011). Un mestiere che Placido conosce bene per averlo più volte frequentato ("Romanzo Criminale", 2005) e che dal punto di vista tecnico e delle riprese mette a disposizione in maniera efficace in questo film. Per affermarlo basterebbe analizzare la sequenza d'apertura, quella della mancata rapina, in cui Placido non solo dimostra di conoscere a menadito il cinema americano, riprodotto con dovizia sia dal punto di vista stilistico, grazie ad un montaggio serrato ed ansiolitico, che spettacolare, con scontri a fuoco e crash automobilistici di incredibile dinamismo, ma anche di saper mantenere intatta la propria identità, con un realismo che permette al film di restare umano, con il sudore e la paura impressa nel volto dei poliziotti e sparata in primo piano sullo schermo. Una qualità sulla quale pesa una sceneggiatura - ricordiamo che "Le guetteur" è un lavoro su commissione - sbilanciata quasi subito da un interesse eccessivo nei confronti di personaggi e situazioni che, paradossalmente nell'intento di alzare la posta in gioco spingendo l'acceleratore sul gore e sull'horror, finiscono per produrre il risultato inverso, facendo perdere alla storia credibilità, compattezza e tensione. Così ad un certo punto capita che il personaggio di Kaminski, funzionale per ineluttabilità e linee d'ombra ad un genere come il "polar" che di essi si nutre, venga messo in secondo piano, e sostituito in chiave psicologica e di meccanismi interni, da derive patologiche e melodrammatiche introdotte dal personaggio di Oliver Gourmet, che portano "Le guetteur" nei territori della mostruosità da serial killer e di personaggi alla Hannibal Lecter. Ed a nulla vale che il film lambisca nell'accennato duetto tra Mattei e Kaminski quello di De Niro e Al Pacino del mitico film di Michael Mann. Ci vorrebbe un altro spessore e ci sarebbe bisogno di un'altra storia, mentre in un calderone del genere anche le interpretazioni di attori come Mathieu Kassovitz e Daniel Auteuil per non dire dei nostri Luca Argentero e Violante Placido finiscono per perdere consistenza, consegnandosi ad un risultato che è un'occasione persa un po' per tutti, soprattutto per chi dovrà pagare il biglietto.
[ LEGGI TUTTO ... ]